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Aulos Spieler und Tänzer

Aulos Spieler und Tänzer


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Die 10 größten Tänzer des 20. Jahrhunderts

Die Tanzkunst ist eine einzigartige Ausdrucksform mit einer universellen Körpersprache, die jeder versteht. Von Ballett bis Contemporary, von Hip-Hop bis Salsa und von Oriental bis Flamenco erlebt der Tanz in letzter Zeit sicherlich eine Renaissance.

Aber wenn es um einzelne Tänzer geht, wer hat die besten Moves? Die größte Ausgeglichenheit, Kraft und Eindringlichkeit? Diese Liste zeigt zehn der größten Tänzer des 20. Jahrhunderts und ausgewählt wegen ihres Ruhms, ihrer Popularität und ihres Einflusses auf der ganzen Welt.

Vaslav Nijinsky war einer der talentiertesten männlichen Balletttänzer der Geschichte, vielleicht sogar der größte. Leider gibt es kein klares Filmmaterial von seinem unglaublichen Talent in Bewegung, was der Hauptgrund dafür ist, dass er in dieser Liste so weit unten steht.

Nijinsky war bekannt für seine erstaunliche Fähigkeit, der Schwerkraft mit seinen großartigen Sprüngen zu trotzen, und auch für seine Fähigkeit zur intensiven Charakterisierung. Er ist auch für seinen en-pointe-Tanz bekannt, eine Fähigkeit, die von männlichen Tänzern nicht allgemein gesehen wird. Nijinsky wurde in Hauptrollen mit der legendären Ballerina Anna Pavlova gepaart. Anschließend wurde er Partner von Tamara Karsavina, einer Gründerin der Londoner Royal Academy of Dancing. Er und Karsavina gelten als die „vorbildlichsten Künstler der Zeit.&rdquo

Nijinsky zog sich 1919 im relativ jungen Alter von neunundzwanzig Jahren von der Bühne zurück. Es wurde angenommen, dass sein Ruhestand auf einen Nervenzusammenbruch zurückzuführen war, und bei ihm wurde auch Schizophrenie diagnostiziert. Nijinsky verbrachte die letzten Jahre seines Lebens in psychiatrischen Krankenhäusern und Anstalten. In den letzten Tagen des Zweiten Weltkriegs tanzte er zum letzten Mal in der Öffentlichkeit und beeindruckte eine Gruppe russischer Soldaten mit seinen komplexen tänzerischen Fähigkeiten. Nijinsky starb am 8. April 1950 in London.

Martha Graham gilt als die Mutter des modernen Tanzes. Sie schuf die einzige vollständig kodifizierte moderne Tanztechnik, choreografierte zu ihren Lebzeiten mehr als einhundertfünfzig Werke und hatte einen bemerkenswerten Einfluss auf das gesamte Feld des modernen Tanzes.

Ihre technische Abweichung vom klassischen Ballett und die Verwendung spezifischer Körperbewegungen wie Kontraktion, Loslassen und Spirale haben einen tiefgreifenden Einfluss auf die Tanzwelt ausgeübt. Graham ging sogar so weit, eine Bewegung zu schaffen, die auf der Ausdrucksfähigkeit des menschlichen Körpers basiert.

Sie tanzte und choreografierte über siebzig Jahre lang und war in dieser Zeit die erste Tänzerin, die im Weißen Haus auftrat, die erste Tänzerin, die als Kulturbotschafterin nach Übersee reiste und die erste Tänzerin, die die höchste zivile Auszeichnung, die Medal of Freedom, erhielt. Als Mutter des modernen Tanzes wird sie für ihre hoch emotionalen Darbietungen, ihre einzigartige Choreografie und vor allem für ihre heimische Technik verewigt.

Obwohl Josephine Baker in erster Linie mit dem Jazz-Zeitalter in Verbindung gebracht wird, ist ihr Einfluss fast hundertzehn Jahre nach ihrer Geburt sozusagen immer noch lebendig.

Viele Jahrzehnte vor Madonna, Beyonce, Janet Jackson, Britney Spears und Jennifer Lopez war Josephine Baker eine der weltweit ersten Berühmtheiten afrikanischer Herkunft. Josephine reiste 1925 nach Paris, um in La Revue Negravegre aufzutreten. Sie beeindruckte das französische Publikum mit ihrem exotischen Charme und ihren Talenten, die eine perfekte Kombination bildeten.

Im folgenden Jahr trat sie im Folies Bergère auf und das war es, was ihre Karriere wirklich ausmachte. Sie erschien in einem Bananenrock und begeisterte die Menge mit ihrem Tanzstil. Später fügte sie ihr Gesang hinzu und blieb in Frankreich für viele Jahre populär. Josephine Baker erwiderte die Zuneigung des französischen Volkes und wurde 1937 selbst französische Staatsbürgerin.

In Frankreich verspürte sie nicht das gleiche Maß an Rassenvorurteilen, das zu dieser Zeit in den Vereinigten Staaten vorherrschte. Gegen Ende ihres Lebens hoffte Josephine Baker, auf ihrem Anwesen in Frankreich ein &ldquoworld village&rdquo zu errichten, doch diese Pläne scheiterten an finanziellen Schwierigkeiten. Um Geld zu sammeln, kehrte sie auf die Bühne zurück. Dieses Comeback führte in den 1970er Jahren zu einem kurzen, aber triumphalen Lauf am Broadway, und 1975 eröffnete sie eine Retrospektive in Paris. Sie starb im selben Jahr an einer Gehirnblutung, eine Woche nach Eröffnung der Show.

Gene Kelly war einer der größten Stars und größten Innovatoren während Hollywoods goldenem Zeitalter der Musicals. Kelly betrachtete seinen eigenen Stil als eine Mischung aus verschiedenen Tanzansätzen, darunter Modern, Ballett und Stepptanz.

Kelly brachte den Tanz in die Kinos und nutzte jeden Zentimeter seines Sets, jede mögliche Oberfläche, jeden weiten Kamerawinkel, um die zweidimensionale Begrenzung des Films zu durchbrechen. Auf diese Weise veränderte er die Art und Weise, wie Regisseure über die Kamera dachten, sie wurde zu einem fließenden Werkzeug, sowohl zum Tänzer selbst als auch zu den Dingen, die sie dokumentierte.

Kellys Vermächtnis durchdringt die Musikvideoindustrie. Der Fotograf Mike Salisbury fotografierte Michael Jackson für das Cover von &ldquoOff the Wall&rdquo im &ldquoGene Kelly White Sox and Loafers&rdquo&mdasha Signature Look für den Filmstar, der bald zur eigenen Marke des Sängers werden sollte.

Paula Abdul, die ursprünglich vor allem für ihre Tänze und Choreografien bekannt war, bezog sich in ihrem kitschigen Video für &ldquoOpposites Attract&rdquo auf Kellys berühmten Tanz mit Jerry the Mouse, das einen abschließenden Stepptanz-Breakdown enthält. Usher war ein weiterer Bestseller-Künstler, der Kelly ausdrücklich Tribut zollte. Es wird nie einen anderen wie Kelly geben. Seine Arbeit findet weiterhin Anklang bei Generation für Generation amerikanischer Tänzer.

Mit 48 trotzt Sylvie Guillem weiterhin den Gesetzen des Balletts und der Schwerkraft. Guillem hat mit ihrer außergewöhnlichen Begabung, die sie immer mit Intelligenz, Integrität und Sensibilität eingesetzt hat, das Gesicht des Balletts verändert. Ihre natürliche Neugier und ihr Mut haben sie auf waghalsige Wege geführt, die über die üblichen Grenzen des klassischen Balletts hinausgehen.

Anstatt ihre gesamte Karriere in &ldquosicheren&rdquo-Produktionen zu verbringen, hat sie mutige Entscheidungen getroffen, die ebenso in der Lage sind, am Pariser Opernhaus als &ldquoRaymonda&ldquo aufzutreten, oder als Teil des bahnbrechenden &ldquoIn The Middle Somewhat Elevated&rdquo von Forsythe. Kaum eine andere Tänzerin hat einen solchen Spielraum und es ist kein Wunder, dass sie zum Vorbild für die meisten Tänzer auf der ganzen Welt geworden ist. Wie Maria Callas in der Opernwelt hat Guillem das populäre Bild der Ballerina neu geprägt.

Michael Jackson war im Grunde der Mann, der Musikvideos zum Trend gemacht hat und zweifellos derjenige, der Tanzen zu einem wesentlichen Element der modernen Popmusik gemacht hat. Jacksons Moves sind mittlerweile zum Standardvokabular in der Pop- und Hip-Hop-Routine geworden. Die meisten modernen Pop-Ikonen wie Justin Bieber, Usher und Justin Timberlake geben zu, dass sie stark von Michael Jacksons Stil beeinflusst wurden.

Seine Beiträge zum Tanz waren originell und außergewöhnlich. Jackson war ein Innovator, der hauptsächlich Autodidakt war und neue Tanzbewegungen auf seinem begabten Körper entwarf, ohne die oft einschränkenden Auswirkungen eines formalen Trainings. Seine natürliche Anmut, Flexibilität und sein erstaunlicher Rhythmus trugen zur Entstehung des „Jackson-Stils“ bei. Seine Mitarbeiter nannten ihn „Schwamm“, ein Spitzname, der sich auf sein Talent bezog, Ideen und Techniken überall aufzusaugen, wo er sie fand.

Jacksons Hauptinspirationen waren James Brown, Marcel Marceau, Gene Kelly und – für viele vielleicht überraschend – verschiedene klassische Balletttänzer. Unbemerkt von vielen seiner Fans hatte er zuvor versucht, „Pirouette wie Baryshnikov&rdquo und &ldquotap wie Fred Astaire&rdquo zu machen, und war kläglich gescheitert. Seine Hingabe an seinen eigenen einzigartigen Stil gab ihm jedoch den Ruhm, den er suchte und heute steht er neben den anderen Giganten der populären Musik wie Elvis und den Beatles als eine der größten Pop-Ikonen aller Zeiten.

Joaquín Cortés ist der jüngste Eintrag auf dieser Liste&mdasselbe, obwohl er noch dabei ist, sein Erbe aufzubauen, ist er einer der ganz wenigen Tänzer in der Geschichte, der es geschafft hat, ein phänomenales Sexsymbol zu werden, das von Männern und Frauen gleichermaßen geliebt wird. Elle Macpherson beschrieb ihn als „Sex auf Beinen&rdquo Madonna und Jennifer Lopez behaupteten öffentlich, ihn zu verehren, während Naomi Campbell und Mira Sorvino zu den Frauen gehören, deren Herzen er (angeblich) gebrochen hat.

Man kann mit Sicherheit sagen, dass Cortéacutes nicht nur einer der größten lebenden Flamenco-Tänzer ist, sondern auch derjenige, der den Platz des Flamenco in der Populärkultur festigte. Zu seinen männlichen Fans zählen Tarantino, Armani, Bertolucci, Al Pacino, Antonio Banderas und Sting. Viele seiner Fans bezeichnen ihn als Flamenco-Gott und einfach als Sex-Gott, wenn Sie die Chance haben, eine seiner Shows zu sehen, werden Sie verstehen, warum. Aber im Alter von vierundvierzig Jahren bleibt Cortéacutes Single und erklärt, dass &ldquoDancing meine Frau ist, meine einzige Frau.&rdquo

Astaire und Rogers waren sicherlich ein beeindruckendes Tänzerpaar. Es heißt, er habe ihr Unterricht gegeben und sie ihm Sexappeal. Sie machten das Tanzen in eher prüden Zeiten für die Massen viel attraktiver. Dies lag vielleicht an der Schauspielerei, die an der Aufführung beteiligt war, da Rogers das Tanzen mit Astaire wie das aufregendste Erlebnis der Welt aussehen ließ.

Das Timing war ideal, auch während der Depressions-Ära, viele Amerikaner hatten Mühe, über die Runden zu kommen, und diese beiden Tänzer boten vielen Menschen eine Möglichkeit, für eine Weile der Realität zu entfliehen und Spaß zu haben.

Mikhail Baryshnikov ist einer der größten Balletttänzer aller Zeiten, viele Kritiker halten ihn für den größten. In Lettland geboren, studierte Baryshnikov Ballett an der Waganowa-Schule in St. Petersburg (damals Leningrad), bevor er 1967 zum Kirov-Ballett kam. Seitdem hat er die Hauptrolle in Dutzenden von Balletten inne. Er spielte eine Schlüsselrolle dabei, das Ballett in den späten 1970er und frühen 1980er Jahren zu einem Teil der Populärkultur zu machen, und er war mehr als zwei Jahrzehnte lang das Gesicht der Kunstform. Baryshnikov ist wahrscheinlich der einflussreichste Tänzer unserer Zeit.

Baryshnikov eroberte die Herzen von Kritikern und Mittänzern, aber Rudolf Nurejew war es, der Millionen einfacher Menschen auf der ganzen Welt in seinen Bann zog. In Russland geboren, wurde er im Alter von 20 Jahren Solist des Kirov Ballet. 1961, als sein Leben hinter der Bühne ihn unter die Kontrolle russischer Behörden stellte, suchte er in Paris politisches Asyl und tourte dann mit dem Grand Ballet du Marquis de Cuevas.

In den 1970er Jahren brach er zum Film ein. Die meisten Kritiker behaupten, dass er technisch gesehen genauso gut war wie Baryshnikov, aber Nurejew schaffte es dennoch, die Menge mit seinem erstaunlichen Charisma und seinen emotionalen Darbietungen zu bezaubern. Nureyev und Fonteyn&rsquos &ldquoRomeo and Julia&rdquo ist bis heute eine der kraftvollsten und emotionalsten Darbietungen eines Tanzduos in der Geschichte des Balletts.

Leider war Nureyev eines der ersten Opfer von HIV und starb 1993 an AIDS. Zwanzig Jahre später können wir immer noch das unglaubliche Erbe sehen, das er hinterlassen hat.

Donnie Burns ist ein schottischer professioneller Standardtänzer, der sich auf Latin Dance spezialisiert hat. Er und der ehemalige Tanzpartner Gaynor Fairweather waren sechzehn Mal Weltmeister im Latin-Profi. Er ist der derzeitige Präsident des World Dance Council und trat auch in der zwölften Staffel von Dancing with the Stars auf.

Er gilt als der größte Ballsaaltänzer aller Zeiten, und seine Meisterschaftsauftritte mit seiner Partnerin gelten heute als Klassiker. Aber für Burns lief es immer so toll. Während eines Interviews mit der Daily Sun gab er zu: &bdquoIch hätte nie gedacht, dass ein kleiner Junge aus Hamilton jemals einen Bruchteil dessen erleben würde, was ich im Leben durchgemacht habe. Ich wurde in der Schule unerbittlich gehänselt und geriet in Streit, weil ich beweisen wollte, dass ich eine &ldquoDancing Queen&rdquo bin

Wir sind uns ziemlich sicher, dass er den Beinamen, der heute allgemein für ihn verwendet wird, stören würde. Donnie Burns wird heute allgemein als &ldquoDancing King angesehen.&rdquo

Theodoros II. ist Erfahrungssammler und Absolvent der Rechtswissenschaften. Er liebt Geschichte, Science-Fiction-Kultur, europäische Politik und das Erforschen der Welten des verborgenen Wissens. Seine ideale Reise in eine alternative Welt wäre in die verlorene Stadt Atlantis. Seine größten Leidenschaften sind Schreiben, Fotografie und Musik. Hier könnt ihr seinen Fotostream anschauen.


Anna Pawlowa (1881-1931)

Die berühmte russische Balletttänzerin Anna Pavlova ist am besten dafür bekannt, das Aussehen von Balletttänzern zu verändern, da sie klein und dünn war und zu ihrer Zeit nicht der bevorzugte Körper einer Ballerina. Ihr wird die Kreation des modernen Spitzenschuhs zugeschrieben.


Antike römische Musikinstrumente

Die ClipArt-Galerie Ancient Roman Musical Instruments bietet 23 Illustrationen von Aulos, Buccina, Cithara, Cornu, Becken, Flöte, Litus, Sambuca, Tuba und Tympanon.

Aulos

"Rom Ivory Aulos in Pompeji gefunden, zeigt Dias und Ringe." &mdash Die Encyclopedia Britannica,…

Aulos-Mundstück

"Schnabelmundstück. Gefunden in Pompeji." &ndash Die Encyclopedia Britannica, 1910

Dudelsack

Buccina

"Eine Art Horntrompete, in der Antike aus einer Muschel gefertigt, deren Form in den beiden Exemplaren ausgestellt ist…

Buccina

Ein Blechblasinstrument, das in der alten römischen Armee verwendet wurde

Gebogene Buccina

"Die buccina ist für die Bequemlichkeit des Darstellers gebogen, mit einem sehr breiten Mund, um zu diffundieren…

Gerade Buccina

"Eine Kopie einer antiken Skulptur aus Blanchinis Werk, sie behält immer noch die ursprüngliche Form der …

Horn

Terrakotta-Modell eines römischen Signalhorns, 4. Jahrhundert

Römische Cithara

Eine Illustration einer römischen Cithara.

Cornu

Roman Cornu. Blechblasinstrument, das von den römischen Armeen verwendet wurde, um im Kampf Befehle zu erteilen.

Cornu

Cornu ist ein lateinisches Wort für Horn.

Becken

"Ein Musikinstrument in Form von zwei Halbkugeln, die der Darsteller in jeder Hand hielt,…

Doppelflöte

Musiker spielt Doppelflöte

Doppelflöte

Doppelflöte aus einer in Herculaneum gefundenen Darstellung

Lituus

Ein Lituus, ein Horn, das in der römischen religiösen Praxis verwendet wird.

Römischer Bachant

Römischer Bacchant, der Kastagnetten spielt

Sambuca

Dreiecksform der Harfe

Sambuca

"Eine Harfe, war orientalischen Ursprungs. Die Aufführungen von Sambucistriae waren nur den frühen Römern bekannt …

Tintinna'bulum

"Tintinna'bulum, eine Glocke. Bei den Griechen und Römern gab es verschiedene Formen von Glocken, wie auch bei uns. verschiedene…

„Tuba, eine bronzene Trompete, die sich von der Cornu dadurch unterscheidet, dass sie gerade ist, während diese gebogen ist.…

Römische Tuba

Eine römische Tuba, ein langes schmales Horn.

Tympanum

Tympanum

"Tympanum, eine kleine Trommel, die in der Hand getragen wird. Einige davon ähnelten in jeder Hinsicht einem modernen Tamburin…


26 schwarze Choreografinnen und Tänzerinnen, die Sie kennen sollten

Letzte Woche schrieb Misty Copeland Geschichte, als sie die erste afroamerikanische Solotänzerin der American Ballet Theatre Company wurde.

Es ist ein großer Grund, die Tanzwelt zu feiern, und auch eine großartige Zeit, um auf die anderen schwarzen Choreografinnen und Tänzerinnen aufmerksam zu machen, die die Branche dominieren. Einige dieser Frauen sind Ikonen, die den Weg für Copelands Karriere ebneten, andere sind Kollegen, die die Gegenwart und Zukunft des Tanzes bereichern.

Schauen Sie sich unsere 26 schwarzen Frauen von Hip-Hop bis Ballett an, die uns durch Bewegung inspiriert haben.

1. Rhapsodie James
Wenn Sie noch nie von Rhapsody James gehört haben, müssen Sie damit klarkommen! Sie hat Tanzroutinen für die Besten der Besten choreografiert, darunter TLC (mit dem sie unten abgebildet ist), Beyonce, Trey Songs und mehr.

2. Kyndall Harris
Sie ist erst 12, aber Kyndall Harris sorgt für Furore in der Tanzszene. Zuletzt trat sie an der Seite von Ciara bei den BET Music Awards für den Janet Jackson-Tribute auf und hat einen Platz auf Janets bevorstehender Tour ergattert.


The Irish Banjo – Musik, Geschichte und Spieler

Das Tenorbanjo ist ein relativer Neuling in der Welt der Traditionelle irische Musik, etwa hundert Jahre alt.

Tatsächlich waren sie bis in die 1960er Jahre kaum in dem Genre vertreten.

Heute jedoch ist eine Tenorversion ein zentraler Bestandteil jeder guten irischen Folkband, und hier erkunden wir die faszinierende und manchmal ungenießbare Geschichte dieses interessantesten Instruments.

Musikalische Kategorie – Volkslaute

Das Banjo fällt in die Kategorie der ‘Volkslaute’–, das heißt, es ist ein Instrument mit einem trommelartigen Resonanzkörper.

Andere dieser Art sind der japanische Shamisen und der persische Teer, um nur zwei Beispiele zu nennen.

Der Ursprung des traditionellen irischen Musikinstruments, wie wir es heute kennen, lässt sich bis in die Südstaaten Amerikas zurückverfolgen.

Die importierten Sklaven bauten die Instrumente auf der Grundlage von Erinnerungen an diejenigen, die in ihrer afrikanischen Heimat gespielt wurden.

Die frühesten Versionen hatten oft einen Resonanzkörper aus einem ausgetrockneten Kürbis mit abgeschnittenem Ende, ein Trommelfell aus Tierhaut und einen bundlosen Hals.

Saiten wurden aus harten Fasermaterialien hergestellt, darunter Darm, Hanf, Fäden oder sogar geflochtenes Rosshaar.

Im Gegensatz zu den Lauten aus Afrika wurden diese frühen amerikanischen Inkarnationen, die Vorfahren des irischen Tenorbanjos, jedoch mit Wirbeln gestimmt, die denen einer Geige ähneln.

Wechselnde Geschichte der irischen Musik

Ein klassisches Banjo hat einen kurzen, hohen Pfifferling (Saite), der an einem Zapfen an der Seite des Halses endet, sowie eine Reihe von Saiten in voller Länge.

Die höhere Saite ist diejenige, die dem Daumen des Spielers am nächsten liegt, und diese Saite wird während des Spiels kontinuierlich angeschlagen.

Bei den älteren Stilen werden die anderen Saiten mit dem Mittel- oder Zeigefinger nach unten gespielt.

Die hohe Daumensaite und die nach unten spielende Aktion stammen beide aus traditionelle afrikanische Musik.

Bei zeitgenössischen Instrumenten ist die kurze ‘drone’-Saite die letzte von fünf Saiten, obwohl die aus dem 18. Jahrhundert nur drei lange Saiten plus den Pfifferling hatten.

Vor Beginn des amerikanischen Bürgerkriegs galt das Banjo als ein durch und durch afroamerikanisches Musikinstrument.

In der zweiten Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts jedoch hatte die Mehrheit der schwarzen Musiker sie zugunsten der Gitarre beiseite gelegt.

Ein weiterer Grund für den Rückgang der Popularität war die unangenehme Tatsache, dass das Banjo eng mit den schockierenden Rassenstereotypen in Verbindung gebracht wurde, die von den Spielern mit schwarzem Gesicht verbreitet wurden, die zu dieser Zeit in den beliebten Minstrel-Shows auftraten.

So schockierend es jetzt auch erscheinen mag, diese Art von ‘Entertainment’ war mehr als hundert Jahre lang sowohl in Amerika als auch anderswo auf der Welt sehr beliebt.

Minstrels verschmolzen klassische afrikanische Rhythmen mit Musikformen aus Europa, was für die Entwicklung der populären Musik im amerikanischen Stil entscheidend war.

Das Instrument, das wir heute kennen, wurde zweifellos von den Minnesängern nach dem afroamerikanischen Bauplan modifiziert.

Virginian Joe Sweeney war der profilierteste Minnesänger, und seine Popularität trug zum Aufstieg des Instruments bei und inspirierte die Instrumentenbauer der 1850er Jahre, an einer fünfsaitigen Version zu arbeiten.

Entwicklung des Banjos in der traditionellen irischen Musik

In Irland wurde das Instrument erst Mitte des 20. Jahrhunderts als Teil des traditionellen Musikkanons aufgenommen.

Zuvor lauerte das Instrument an der Peripherie, gespielt von Music Hall Performern und Wandermusikern.

Das Banjo, das letztendlich zum Synonym für irische Musiker wurde, war nicht die Version mit fünf Saiten (wie von den Minnesängern und Hillbillys bevorzugt), sondern war ein viersaitiges Tenor-Design.

Die Tanzhallen Irlands und jenseits des Atlantiks in New York und darüber hinaus waren der Ausgangspunkt für das traditionelle Tenorinstrument, das wir heute kennen.

Die Bands, die für die Tänzer spielten, mussten sowohl irische als auch amerikanische Musik aufführen, daher fügten sie oft einen Tenor hinzu.

Tanzbands in England kopierten die US-Gruppen, und ihre Verwendung breitete sich unweigerlich auch nach Irland aus.

Die meisten irischen Tenorspieler waren damals glücklich, das Instrument einfach in einem gitarrenähnlichen Stil zu spielen.

Als die 1920er Jahre anbrachen, begannen immer mehr irische Spieler, die Melodien von Reel, Jig und Hornpipe auszuwählen, die mit verschiedenen Ornamenten verziert waren.

Zu dieser Zeit war der bedeutendste Spieler Mike Flanagan (von Flanagan Brothers), der neben seinen Brüdern Louis (Harfe) und Joe (Akkordeon) mehrere Aufnahmen machte.

Ihre Platten waren Bestseller auf beiden Seiten des Atlantiks, und Flanagans instinktiv brillantes Spiel inspirierte viele in Irland ansässige Musiker, das Instrument zu nehmen.

Endloser Appell

Die wachsende Attraktivität des Tenorinstruments hing zu einem großen Teil mit seiner Lautstärke zusammen. Wie das Akkordeon war es laut genug, um den Lärm der Tanzhalle in der Zeit zu durchbrechen, bevor die Verstärkung alltäglich wurde.

Die Popularität von Ceili-Bands erreichte ihren Höhepunkt in den 1940er und 1950er Jahren, gefolgt von denen, die vielseitigere Mischungen aus Country-Musik und amerikanischen Pop-Stilen spielten.

In den 1960er Jahren hatte sich der Schwerpunkt traditioneller Musik auf die Pubs verlagert, aber aufgrund seines schrillen Klangs war das Instrument auch in lauten Pub-Sessions zu Hause.

Wegweisender Spieler

Das Instrument erhielt während der Folk- und Traditionelle irische Musik Wiederbelebung in Amerika, zu dieser Zeit führte die große Popularität von Tommy Makem und den Clancy Brothers zu einer Welle von Gruppen im Balladenstil in Irland.

Der viersaitige Tenor hatte einen stimmlichen Fürsprecher in The Dubliners’-Spieler Barney McKenna.

Dies war die Gruppe, die die Praxis schmiedete, Vocals (gitarrenunterstützt) mit traditionellen Reels und Jigs zu verschmelzen.

McKenna ist ohne Zweifel der bahnbrechendste irische Spieler der letzten Jahre.

Mit wenigen Ausnahmen ist die Mehrheit der Tenorspieler in Irland heute in seine Fußstapfen getreten, indem sie ihre Instrumente auf GDAE – Eine volle Oktave unter der Mandoline oder Geige.

Dies führt zwar zu einem Klang, der weniger hell ist als die typische CGDA-Stimmung, aber die Art und Weise, wie Barney sein Instrument kalibriert hat, machte es viel einfacher, traditionelle Tanzmusik in den von Flötisten, Geigern und Pfeifern bevorzugten Tonarten zu spielen.

Als das traditionelle irische Musik-Revival bis in die 1970er Jahre andauerte, wurde das Tenor-Banjo immer mehr von Instrumentalisten verwendet, wobei viele Gitarristen entdeckten, wie gut sich ihre Picking-Fähigkeiten darauf übertragen ließen.

Eine kleine Minderheit pedantischer Puristen, die das Tenorbanjo als zu lauten Eindringling in die traditionelle irische Musikszene verachten. Das heißt, die meisten zeitgenössischen Musiker sehen es als ein wesentliches Element jeder Folk-Band.


Beliebte Stile

Der moderne Tanz von 1990 bis heute hat einen ganz anderen Ansatz verfolgt. Einige Choreografen und Tänzer umfassen in den modernen Tanzstilen Hip Hop, Lyric, Freestyle und Fusion, eine Kombination von Tanzformen wie Stepptanz, Jazz, Modern und Ballett.

Da moderner Tanz normalerweise in thematischen choreografischen Sequenzen aufgeführt wird, projiziert er eine Botschaft. Choreographien von Hip Hop, Fusion und Freestyle Dance sind eher improvisatorisch und ohne spezifische Themen. Lyrischer Tanz kann ein choreografiertes Thema haben. Es neigt mehr zum interpretativen Tanz. Die moderne Tanzchoreografie von heute kann interpretativ sein oder auch nicht.


Barrieren auf der Bühne brechen: afroamerikanische Balletttänzer, die Geschichte geschrieben haben

Wie wir lernen in Eine Ballerina’s Tale, Nelson Georges neuer Dokumentarfilm über Misty Copeland [8. Februar überprüfen Sie lokale Listen], eurozentrische Standards für Körperform, Muskeltonus und Hautfarbe schlossen Tänzer aus, die nicht in die blasse Form passten, die von Primaballerinas verlangt wird. All dies änderte sich im Sommer 2015, als Misty Copeland, ein aufstrebender Star, der bereits die seltene Welt des klassischen Tanzes transzendiert, als erste afroamerikanische Frau zur Solotänzerin des renommierten American Ballet Theatre ernannt wurde, die 75-Jährige große Dame Ballett in den USA.

Misty jetéed letztes Jahr auf der Bühne des Kennedy Centers durch weitere Barrieren, als sie mit der 28-jährigen Brooklyn Mack zusammenarbeitete, die Prinz Siegfried in Schwanensee Neben Mistys Odette/Odile tanzten zum ersten Mal zwei Afroamerikaner die Hauptrollen in einer Produktion einer großen Ballettkompanie.

Vor Misty haben nur wenige Afroamerikaner jemals in der Hauptrolle einer großen amerikanischen Ballettkompanie getanzt. Alle bis auf einen waren Männer. Desmond Richardson hatte den Posten bei ABT während der Saison 1997-98 inne und kehrte später als Gastkünstler zurück. Beim New York City Ballet traten nur Arthur Mitchell (1962) und Albert Evans (1995) als Rektor auf. Evans ist kürzlich im Alter von 46 Jahren gestorben.

Doch farbige Tänzer, die trotz schrecklicher Vorurteile entschlossen sind, haben standgehalten de pointe auf Bühnen auf der ganzen Welt. Hier ist ein Überblick und ein Gruß an einige derer, die Misty den Weg gebahnt haben.

Raven Wilkinson, der mit Misty Copeland in erscheint Eine Ballerina’s Tale , war eine der ersten afroamerikanischen Ballerinas, die einer Ballettkompanie beitreten durfte. In den 1950er Jahren tanzte sie mit den Ballets Russes de Monte Carlo unter der Bedingung, dass sie sich als weiße Frau posierte, indem sie ihr Gesicht bemalte. Nach zwei Jahren zunehmender Rassendiskriminierung, einschließlich Drohungen im Süden, verließ sie Ballets Russes und landete schließlich im niederländischen Nationalballett.

Aus einem Interview mit Wilkinson in Pointe-Magazin :

Wie sind Sie zum Ballett gekommen?

Ich war so klein! Als ich ungefähr 5 Jahre alt war, nahm mich meine Mutter mit zum Ballet Russe de Monte Carlo. Sie taten Coppelia, und ich erinnere mich, dass ich von dem Orchester, den Vorhängen, den Lichtern so überwältigt war, dass ich anfing zu weinen. In diesem Alter war ich zu jung für die School of American Ballet, also brachte mich meine Mutter zur Dalcroze-Schule, wo ich Tempi und Metrum und ähnliches lernte – nun ja, eine junge Version davon. Später fragte mich meine Mutter, ob es einen speziellen Ballettlehrer gäbe, zu dem ich hingezogen würde. Ich dachte, Madame Maria Swoboda wäre eine Königin, und ich begann mit ihr zu lernen. Ich erinnere mich, dass der Unterricht ein Geschenk meines Onkels zu meinem neunten Geburtstag war. Ballett hat mich begeistert. Wir gingen jeden Sommer zum Strand in Saybrook, Connecticut, und bei Ebbe tanzte ich auf den Sandbänken.

Was geschah, als Sie anfingen, mit der Firma zu touren?

Zwei Jahre lang lief alles sehr gut. Wir hatten viele ausländische Leute im Ballet Russe, viele südamerikanische Tänzer, also musste ich mir die meiste Zeit keine allzu großen Sorgen machen, wir sahen alle ein bisschen anders aus. Ich habe ein paar schöne Soli zu machen, wie den Walzer in Les Sylphides.

Dann fing ich an, Probleme zu haben. Ich erinnere mich, dass einmal in Montgomery, Alabama, der Tourbus in die Stadt rollte, und alle rannten mit weißen Roben und Kapuzen herum. Sie stoppten den Verkehr, es waren so viele. Es klopfte an der Bustür, und dieser Mann sprang in Kapuze und Kittel auf. Mehrere große, stramme männliche Kompanientänzer standen auf und kamen auf ihn zu. Er warf eine Handvoll rassistischer Flugblätter über den ganzen Bus, bevor sie ihn hinausjagten.

Als wir an diesem Nachmittag in unserem Hotel in Montgomery ankamen, gingen einige von uns zum Abendessen in den Speisesaal. Als wir eintraten, war es voll von lieben Paaren, Familien mit kleinen Kindern – eine wundervolle familiäre Atmosphäre. Dann, als ich meinen Stuhl herauszog, bemerkte ich, dass sie alle Ku-Klux-Klan-Roben auf den Sitzen neben sich trugen. Ich erinnere mich, dass ich dachte, hier sind Menschen, die so grausam und hässlich sein können, und doch sind sie so liebevoll zu ihrer eigenen Familie. In gewisser Weise hatte ich dadurch weniger Angst vor ihnen. Sie haben in meinen Augen etwas von ihrer Macht verloren.

Carmen de Lavallade

Wie Sie ihrer eigenen Biografie entnehmen können, hat de Lavallade ein erstaunliches Leben geführt:

Carmen de Lavallade hat eine beispiellose Karriere in Tanz, Theater, Film und Fernsehen hinter sich, beginnend in ihrer Heimatstadt Los Angeles mit dem Lester Horton Dance Theater. In Los Angeles stellte Lena Horne die damals 17-jährige de Lavallade den Filmemachern von 20th Century Fox vor, wo sie in vier Filmen mitwirkte, darunter Carmen Jones (1954) mit Dorothy Dandridge und Quoten gegen morgen (1959) mit Harry Belafonte. Während der Dreharbeiten zu Carmen Jones , lernte sie Herbert Ross kennen, der sie bat, als Tänzerin in der Broadway-Produktion von aufzutreten Haus der Blumen . Ihre Tanzkarriere umfasst Ballette von Lester Horton, Geoffrey Holder [den sie am Ende heiratet], Alvin Ailey, Glen Tetley, John Butler und Agnes de Mille.

Carmen de Lavallade folgte ihrer Cousine Janet Collins als Solotänzerin an der Metropolitan Opera und war Gastkünstlerin am American Ballet Theatre. Sie choreografierte für das Dance Theatre of Harlem, Philadanco, das Alvin Ailey American Dance Theatre und die Produktionen von Porgy und bess und Die Meistersinger an der Metropolitan Opera.

Janet Collins

Tänzerin Janet Collins

Janet Collins, wie bereits erwähnt, war de Lavallades Cousine und eine weitere bahnbrechende Ballerina – die erste Afroamerikanerin, die mit dem Metropolitan Ballet die Bühne betrat. Bevor sie an der Met ein Zuhause fand, sah sie sich bei Ballets Russes mit demselben Rassismus konfrontiert wie Raven Wilkinson. Hier ist ein Zeitungsausschnitt über ihr Debüt im Jahr 1950 in Aida :

Arthur Mitchell
Arthur Mitchell war nicht nur der erste afroamerikanische männliche Tänzer in einer großen Ballettkompanie, er war auch der erste Afroamerikaner Rektor Tänzerin einer großen Ballettkompanie, 1956 zum New York City Ballet befördert. Später gründete Mitchell das berühmte Dance Theatre of Harlem.

Hier ist ein Artikel der Columbia University über Mitchell, der seine Archive der Schule gespendet hat:

Arthur Mitchell tanzt mit Diana Adams in “Agon,” 1957:

Desmond Richardson
Richardson, der erste schwarze männliche Solotänzer des American Ballet Theatre, tanzte später mit Complexions Contemporary Ballet. Von einem 1991 New York Times Artikel:

Sie lachten, als Desmond Richardson für die High School of Performing Arts vorsprach. Er hatte noch nie einen Tanzkurs gehabt. Er war mollig. Und alles, was ihm einfiel, war, zu einer Straßenmusik-Kassette zu tanzen, die Bewegungen zu imitieren, die er im Fernsehen von Michail Baryshnikov gesehen hatte.

Jetzt lacht niemand mehr. In den letzten beiden Spielzeiten wurde Mr. Richardson von Kritikern und Publikum für seine umwerfende Technik und charismatische Präsenz ausgezeichnet. Mit 22 Jahren ist er einer der führenden Tänzer beim Alvin Ailey American Dance Theatre und am Donnerstag wird er die Baryshnikov-Rolle in “Pas de Duke” im City Center spielen.

1990 war Lauren Anderson die erste afroamerikanische Ballerina, die Direktorin der großen Tanzkompanie Houston Ballet wurde. Anderson, jetzt im Ruhestand, stand letztes Jahr auf der Bühne ’s Schwanensee Vorhang auf, um Mistys Errungenschaft zu feiern.

Mehr über Andersons historische Reise:

Cisneros schlugen auch einen Weg für farbige Frauen und wurden für mehr als zwei Jahrzehnte zu einer wichtigen Figur in der Tanzszene der San Francisco Bay Area. Sie gilt als die allererste hispanische Primaballerina in den Vereinigten Staaten.

[A]aber es wäre fast nicht so gekommen. Sie entdeckte ihr Talent ganz zufällig, als ihre Mutter sie ermutigte, Ballett zu probieren, um die Schüchternheit zu überwinden, die ihre einst sprudelnde Persönlichkeit übernommen hatte.

„Ich konnte im Unterricht nicht einmal die Hand heben, um auf die Toilette zu gehen“, erinnert sich Cisneros. „Meine Mutter und ich haben einen Deal gemacht: Ich musste ein Jahr lang Ballett ausprobieren, um zu sehen, ob es mir wirklich gefiel. By the first few months, I was hooked.”

She found a mentor in her first teacher, Phyllis Cyr, and eventually followed her to a new studio to be her apprentice. To pay for the expensive classes, Cyr hired Cisneros’ mother to work at the reception desk.

By the time she was 13, Cisneros was auditioning for the San Francisco Ballet. [Read the rest on NBC Latino.]

Iconic San Francisco columnist Herb Caen called Cisneros “the fairest flower of the ballet.” The picture quality in the video clip below isn’t great, but the beauty of her dance penetrates the grain:

These dancers are all connected, each of them in their own time chipping away at the alabaster mold that had been preserved at the pinnacle of classical dance by racist standards of beauty. Deeply aware of this, Misty Copeland confides in Raven Wilkinson in A Ballerina’s Tale that her quest for excellence transcends artistic achievement. “T he first time I saw you was in the Ballet Russe film, I cried my eyes out, because I didn’t even know a black ballerina of your level existed. And so that was kind of the start of this mission I had, to learn more about black ballerinas, to try and educate other people about who you are, who Janet Collins is.”


Wounded Knee: Conflict breaks out

On December 29, the U.S. Army’s 7th Cavalry surrounded a band of Ghost Dancers under Big Foot, a Lakota Sioux chief, near Wounded Knee Creek and demanded they surrender their weapons. As that was happening, a fight broke out between an Indian and a U.S. soldier and a shot was fired, although it’s unclear from which side. A brutal massacre followed, in which it’s estimated 150 Indians were killed (some historians put this number at twice as high), nearly half of them women and children. The cavalry lost 25 men.

The conflict at Wounded Knee was originally referred to as a battle, but in reality it was a tragic and avoidable massacre. Surrounded by heavily armed troops, it’s unlikely that Big Foot’s band would have intentionally started a fight. Some historians speculate that the soldiers of the 7th Cavalry were deliberately taking revenge for the regiment’s defeat at Little Bighorn in 1876. Whatever the motives, the massacre ended the Ghost Dance movement and was the last major confrontation in America’s deadly war against the Plains Indians.


The History of African-American Casting in Ballet

Ballet has been slow to accept African-American dancers in major companies, and those who make it tend to be offered limited roles.

In the early twentieth century, classical ballet was a relatively new form of art in the United States. Many companies were experimenting with the dance form, and slowly ballet worked its way into the mainstream. In the 1930s, one aspiring dancer, an African-American woman named Janet Collins, watched companies perform at the Los Angeles Philharmonic auditorium. Collins wanted to dance, but ballet classes would not take her, saying she would be taking up space in the class. Collins hired a private ballet tutor instead.

In a review of Collins’s biography, Night’s Dancer, Debra Cash writes, “Some barrier breakers are battering rams. Others are butterflies.” Collins, she suggests, was the latter. According to Cash, Leonide Massine, director of the Ballet Russe de Monte Carlo, told Collins in an audition when she was fifteen that she would have to perform in whiteface if she joined the company. Collins declined and then “went outside and cried her heart out.” After her experience auditioning for the company, she found many directors were hesitant to allow a black ballerina on stage.

Scholars Peter J. Blodgett and Sara S. Hodson write that decades later in 1951, Collins finally earned her big break and became the first black premier ballerina in the Metropolitan Opera Ballet. New York celebrated her and she enjoyed the spotlight in her leading roles. Other companies began to integrate.

The story of Raven Wilkinson is not so different. More than twenty years after Collins’s unsuccessful audition, Wilkinson became the first black ballerina in the Ballet Russe de Monte Carlo. It was quickly after major lead roles in Giselle und der Nussknacker that she also realized the limits of dancing as a black woman. The company told Wilkinson to make her skin appear whiter with powder. Blodgett and Hodson write, “With her light skin, she was assumed by audiences to be white when she performed and traveled with the company.”

Once a Week

After a critical school segregation court decision in 1954, the Ballet Russe de Monte Carlo cancelled tours in the South. There were boycotts and bomb threats after word spread of Wilkinson’s role in the company. She later left the company when members of the Ku Klux Klan attempted to identify her in the company during a performance in Montgomery, Alabama. The company would regularly tour throughout the South and it was a common occurrence to receive threats especially as Wilkinson refused to hide her race.

Dance scholar Nyama McCarthy-Brown explores the slow progress of African-American dancers in American ballet and how issues of casting persist today. She writes, “Dancers [were] being cast in roles because of their skin complexion rather than their technical ability,” as many companies preferred light-skinned ballerinas. Wilkinson would later become a mentor to Misty Copeland, the first African-American ballerina to become principal dancer at the American Ballet Theater. Despite her presence, limited opportunities and passive racism remain unresolved topics in the world of ballet.


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