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Fresko im vierten pompejanischen Stil

Fresko im vierten pompejanischen Stil


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Neu restaurierte pompejanische Fresken halten Jagdszenen in lebendigen Details fest

Die Wände von Pompejis Haus der Ceii sind mit Szenen von Tieren geschmückt, die im Kampf gefangen sind, von einer großen Katze, die kurz davor ist, ein Paar Widder zu erlegen, bis hin zu einem Reh, der entsetzt zurückblickt, während ein Wildschwein jagt. In der Nähe bereiten sich afrikanische Jäger im Schatten der Gebäude im ägyptischen Stil darauf vor, Nilpferde und Krokodile am Ufer des Nils zu jagen.

Mehr als 2.000 Jahre nach ihrer Entstehung wurden diese atemberaubenden Fresken endlich in ihrem ursprünglichen Glanz wiederhergestellt. Wie der Archäologische Park von Pompeji, eine autonome italienische Kulturorganisation, die gegründet wurde, um die öffentliche Nutzung der zerstörten römischen Stadt zu erhalten und zu fördern, diese Woche bekannt gab, verwendeten Experten einen Laser, um die Gemälde zu reinigen, bevor sie ihre verblassten Details sorgfältig retuschiert wurden. Die „sehr komplexe Operation„8221 hat laut einer Erklärung auch Schritte unternommen, um die Kunstwerke vor Regenwasser und anderen potenziellen Bedrohungen zu schützen.

Das Haus der Ceii, das wahrscheinlich dem Magistrat Lucius Ceius Secundus gehörte, wurde erstmals zwischen 1913 und 1914 ausgegraben. Per Valentina Di Donato und Amy Woodyatt von CNN, dem antiken domus, oder Einfamilienhaus, ist eines der wenigen erhaltenen pompejanischen Wohnhäuser aus der späten samnitischen Zeit im zweiten Jahrhundert v.

Eine Nahaufnahme des zentralen Gartenfreskos des Hauses der Ceii (Archäologischer Park von Pompeji) Eine Nahaufnahme des zentralen Gartenfreskos des Hauses der Ceii (Archäologischer Park von Pompeji) Eine Nahaufnahme des zentralen Gartenfreskos des Hauses der Ceii (Archäologischer Park von Pompeji)

Die freigelegten Fresken, die möglicherweise an den Wänden rund um den Garten des Hauses gemalt wurden, um eine Illusion von zunehmender Größe zu erzeugen, haben sich im Laufe der Jahrzehnte aufgrund mangelnder ordnungsgemäßer Wartung und schlechter Restaurierungspraktiken verschlechtert, heißt es in der Erklärung.

Trotz dieses Schadens schrieb Julia Fiore für Künstlerisch Im Jahr 2018 sind Pompejis Fresken tatsächlich besser erhalten als die meisten anderen: Als der Vesuv im Jahr 79 n.

“Was [das Haus von Ceii] Fresko so besonders macht, ist, dass es vollständig ist—etwas, was für ein so großes Fresko in Pompeji selten ist,” Massimo Osanna, Interimsdirektor des Parks, erzählt Tom Kington von London Mal.

Das neu restaurierte zentrale Kunstwerk zeigt Raubtier-Beute-Konflikte in der Natur, einschließlich der oben genannten Tiere, sowie einen Löwen, der einen Stier jagt, berichtet die Mal. An den Seitenwänden des Gartens deuten Landschaften mit indigenen Afrikanern und Nildelta-Kreaturen darauf hin, dass sich der Magistrat für die ägyptische Kultur interessierte.

Zentrales Fresko im Haus der Ceii vor der Restaurierung (Archäologischer Park von Pompeji) Eine Nahaufnahme eines Freskos im Haus der Ceii (Archäologischer Park von Pompeji) Eine Nahaufnahme eines Freskos im Haus der Ceii (Archäologischer Park von Pompeji)

“In diesem Fall,” Osanna gegenüber CNN, “, zeugte das exotische und religiöse Thema der Gemälde aller Wahrscheinlichkeit nach von einer Verbindung und einem spezifischen Interesse, das der Besitzer des Domus für die ägyptische Welt und den Kult hatte von Isis, die in Pompeji in den letzten Jahren des Lebens der Stadt aufgrund eines sehr einflussreichen Colleges in der Stadt präsent war.”

Die Römer übernahmen während des Sozialkriegs (91/821188 v. Chr.) die Kontrolle über Pompeji, das zuvor eine verbündete, aber unabhängige Stadt gewesen war. Die Küstensiedlung diente wohlhabenden Römern als erfolgreicher Hafen- und Ferienort, wurde jedoch 62 n. Chr. von einem Erdbeben verwüstet seine gut erhaltenen Ruinen.

Seit das Great Pompeji Project, eine laufende Naturschutzinitiative, die größtenteils von der Europäischen Union finanziert wurde, im Jahr 2012 ins Leben gerufen wurde, haben Forscher eine erstaunliche Vielfalt an antiken Schätzen entdeckt. Unter anderem enthält die Liste ein Fresko eines blutigen Gladiatorenkampfes, ein gut erhaltenes Pferd noch im Geschirr und eine Snackbar, die Schnecken und Fisch servierte.


Der erste pompejanische Stil

Der erste pompejanische Stil oder „Inkrustationsstil“ (ca. 200–60 v. Chr.) bestand hauptsächlich aus Imitationen von farbigem Marmor. Gips wurde geformt und bemalt, um wie Blöcke oder Platten aus farbigen Steinen auszusehen. Der Erste Stil entstand im späten vierten Jahrhundert v. Chr. In der hellenistischen Welt und wurde in den letzten zwei Jahrhunderten der Republik in römischen Häusern verwendet. Von den Meisterwerken der griechischen Malerei ist fast nichts mehr erhalten, aber eine bemalte Wandtafel aus dem 2. Jahrhundert v. Chr. wurde im sogenannten Haus des Putzes in der mazedonischen Hauptstadt Pella gefunden. In Pompeji finden sich im Haus Sallust und im Haus des Faun bedeutende Beispiele dieses ersten pompejanischen Stils.

Bemalte Wand mit farbigem Putz im ersten pompejanischen Stil eines Raumes im „Haus des Putzes, Archäologisches Museum, Pella© Carole Raddato Haus des Fauns, die Fauces, der Eingangsgang oder das Vestibül, das zum Atrium führt, dekoriert im ersten pompejanischen Stil, Pompeji © Carole Raddato

Der erste Stil ist in Gallien kaum vorhanden. Dies ist nicht verwunderlich, da dieser alte Stil einer modischeren und stilvolleren Art von Fresken gewichen ist. Auf der Île Sainte-Marguerite bei Cannes wurden nur wenige Stuckfragmente gefunden, die in der Ausstellung zu sehen sind.


Römisches Mosaik

Die Römer begannen zuerst mit der Mosaiktechnik der Dekoration in Wänden und Decken, später wurde diese komplexe Technik jedoch eher in den Bürgersteigen verwendet. Prächtige Farbdekorationen aus Marmorsteinchen (einer einzelnen kleinen Fliese, die normalerweise in Form eines Würfels geformt ist) stellen eine Vielzahl von Themen dar, die manchmal nur zwei Farben oder im Fall der komplexeren eine reiche Polychromie verwenden.

Mosaik war in den Palästen weit verbreitet. Sie repräsentieren die gleichen Eigenschaften wie der Rest der römischen Malerei, die in Fresken oder anderen Elementen hergestellt wurde. Aus griechischen Einflüssen kommend, entwickelt sich ein eher römischer Stil, in dem architektonische Designs, Geometrien oder naturszenische Dekorationen ausgearbeitet werden, was zu Werken von ausdrucksstarker Schönheit führt, zu deren Pracht sogar kostbare metallische Komponenten wie zum Beispiel Gold beitragen.

Die Mosaikkünstler waren sehr anerkannt und gut bezahlt und die Geschäftsgeheimnisse der Ausarbeitungen gingen von Generation zu Generation meist von den Wurzeln der Familien über. Die Mehle in privaten Dörfern, öffentlichen Gebäuden, die Thermenräume in öffentlichen Bädern und die Adelspaläste wurden alle mit den Mosaikdekorationen bereichert.

Themen, die häufiger in der Mosaiktechnik in Roma verwendet werden:

  • Marine
  • Tod Natur.
  • Heroische Legenden
  • Erotische Themen
  • Militärische Angelegenheiten
  • Das Porträt
  • Jagdthemen
  • Mythologie
  • Geometrisch

Römisches Mosaik aus der alten Kathedrale von Cartagena

Andere römische Maltechniken

Neben diesen anderen verwendeten Bildtechniken sind der Bock, der bei der Oberschicht des Römischen Reiches sehr beliebt war, und die kleine Freskomalerei. Es gab eine andere Technik, die als Encaustic aus Stoff oder Holz bekannt ist. Viele Details der römischen Malerei sind durch die in der Stadt Pompeji gefundenen Fresken bekannt, sie sind als Kopien griechischer Gemälde zu sehen, die auf den gezeigten Themen und den verwendeten Techniken basieren.

Die Armut der in römischen Bauten verwendeten architektonischen Materialien ermöglichte die Entwicklung der Wandmalerei. Die Verwendung von Materialien wie Beton, Ziegel oder Mauerwerk war gezwungen, sie zu beschichten. So wurden die Wände mit einer Schicht weißen und feinen Stucks behandelt, die später poliert wurden. Der Stuck war zu Pulver zerkleinerter Marmor, der mit Kalk oder Cola gemischt wurde, um sie an der Wand anzubringen.

Als Vorläufer der römischen Historienmalerei stechen zwei Namen hervor:

– Fabius: Maler kaum bekannt, lebte um 300 v.

– Der Maler Pacuvius, von dem wir nichts über sein künstlerisches Schaffen wissen, obwohl wir uns vorstellen, dass seine Neigung zum Griechischen entscheidend sein würde.

Diese beiden Maler neigen dazu, eine Art Historiengemälde darzustellen, in denen Schlachtendarstellungen und das Gedenken an WINS am häufigsten thematisiert werden. Diese Militärszenen waren als Propagandaplakate konzipiert, die die Siegergeneräle bei ihren triumphalen Wanderungen nach Hause zeigten.

Die römische Technik der Herstellung von Wandmalereien in den Häusern wurde von den Griechen inspiriert, wobei if als die Wand bezeichnet wird, die sich in drei Teile teilt:

Eine weitere Innovation der römischen Malerei ist die Öffnung der Wand durch eine gemalte Perspektive in Form eines offenen Fensters, in dem die Charaktere auf zwei Arten eingeführt wurden:

– Durch kleine figurative Gemälde

– Durch Platzieren der Charaktere in den Sockelleisten als Theaterraum.

Das Fehlen von Möbeln und großen Terrassen und Räumen machten diese Beschichtungen notwendig. Die uns überlieferte Malerei ist nicht repräsentativ für die Römerzeit, die Maler dieser Epoche waren Handwerker mit besonderen Fähigkeiten und Kenntnissen über Techniken und griechische Themen.

Die Farben wurden auf die frisch verputzte und nasse Wand aufgetragen, wodurch diese farbigen Tinten durchdrungen und eine dicke Schicht erzeugt wurden. Manchmal malten sie direkt, wenn der Putz getrocknet war. Dieses Gemälde ist sofort an seiner geringen Haftung der Farbe zu erkennen, die dann leichter reißt.

Die stilistische und chronologische Einteilung der römischen Malerei in Pompeji.

Das Erdbeben und der Vulkanausbruch in der Stadt Pompeji im Jahr 63 verursachten solche Schäden, dass der größte Teil der Stadt wieder aufgebaut werden musste. Daher wurden alle Beschichtungen wieder hergestellt, obwohl sie einige Jahre später beim Ausbruch des Vesuvs beschädigt wurden. Die Technik, die in diesen neuen Gemälden verwendet wurde, suchte nach den unwirklichen Effekten und ließ das Know-how und die frühere erstaunliche Raffinesse beiseite. Architektursimulationen werden durch phantastisch gemalte Kompositionen ersetzt, sie werden nicht auf eine objektive Realität bezogen.

Die Beispiele, die uns erreicht haben, sowohl Rom als auch Pompeji, machen es möglich, zwischen den beiden geografischen Gebieten zu unterscheiden.

– In Pompeji gibt es eine Vorliebe für leuchtendes Lila, rotes Zinnober, die tiefblauen Farben oder das Goldgelb für die Säulen.

– In Rom sind die Intonationen jedoch auf völlig weißem Hintergrund klar.


Sgraffito

Sgraffito (italienisch graffiare, „kratzen“) ist eine Form der Freskomalerei für Außenwände. Auf eine grobe Putzgrundierung folgen dünne Putzschichten, die jeweils mit einer anderen kalkechten Farbe gebeizt werden. Diese Anstriche sind mit einer feinkörnigen Mörteloberfläche bedeckt. Der Gips wird dann mit Messern und Rillen auf verschiedenen Ebenen graviert, um die verschiedenen Farbschichten darunter sichtbar zu machen. Das Kalksinterverfahren bindet die Farben. Die Oberfläche moderner Sgraffito-Fresken wird oft mit Texturen bereichert, die durch beeindruckende Nägel und Maschinenteile erzeugt wurden, kombiniert mit Mosaiken aus Stein, Glas, Kunststoff und Metall-Tesserae.

Sgraffito ist seit dem Mittelalter eine traditionelle Volkskunst in Europa und wurde im 13. Jahrhundert in Deutschland als bildende Kunst praktiziert. Es wurde von Künstlern des 20. Jahrhunderts wie Max Ernst und Jean Dubuffet aktualisiert und modifiziert wiederbelebt.

Ölfarben werden hergestellt, indem trockenes Pigmentpulver mit raffiniertem Leinöl zu einer Paste vermischt wird, die dann gemahlen wird, um die Pigmentpartikel im Ölträger zu dispergieren. Nach Angaben des römischen Gelehrten Plinius des Älteren aus dem 1. Jahrhundert, dessen Schriften die flämischen Maler Hubert und Jan van Eyck studiert haben sollen, verwendeten die Römer Ölfarben für die Schildmalerei. Die früheste Verwendung von Öl als Medium der bildenden Kunst wird im Allgemeinen europäischen Malern des 15. Es wird jedoch auch für wahrscheinlich gehalten, dass mittelalterliche Buchmaler Öllasuren verwendet haben, um eine größere Farbtiefe und subtilere Tonübergänge zu erzielen, als es ihr Temperamedium erlaubte.

Öle wurden auf Leinen, Sackleinen, Baumwolle, Holz, Häuten, Gestein, Stein, Beton, Papier, Pappe, Aluminium, Kupfer, Sperrholz und verarbeiteten Platten wie Hartfaserplatten, Pressholz und Hartfaserplatten verwendet. Die Oberfläche von starren Platten wird traditionell mit Gesso und die von Leinwand mit einer oder mehreren Schichten weißer Acrylharzemulsion oder mit einer Schicht Tierleim gefolgt von dünnen Schichten Bleiweißgrundierung vorbereitet. Ölfarben können unverdünnt auf diese vorbereiteten Oberflächen aufgetragen werden oder mit reinem Terpentinöl oder dessen Ersatz, Testbenzin verdünnt, verwendet werden. Die Farben trocknen langsam. Der sicherste Trockner zur Beschleunigung des Prozesses ist Kobalt-Sikkativ.

Eine Öllasur ist ein transparenter Farbauftrag, der traditionell mit einem Oleoresin oder mit Standöl (einem Leinölkonzentrat) verdünnt wird. Glasuren können verwendet werden, um tiefe, leuchtende Schatten zu erzeugen und kontrastierende Farben unter einer einheitlichen Tönungsfolie in engere Harmonie zu bringen. Scumbling ist die Technik, ein unverdünntes, undurchsichtiges und im Allgemeinen blasses Pigment über andere zu schrubben, um spezielle Textureffekte zu erzielen oder den Ton eines dunklen Bereichs anzuheben.

Für einen Großteil der Malerei werden Schweineborstenpinsel verwendet, wobei spitze Rotmarderhaarpinsel im Allgemeinen für Umrisse und feine Details bevorzugt werden. Öle sind jedoch die plastischsten und reaktionsschnellsten aller Malmedien und können mit allen möglichen Werkzeugen bearbeitet werden. Die späteren Arbeiten von Tizian und Rembrandt beispielsweise scheinen mit Daumen, Fingern, Lumpen, Spachtel und Pinselgriff ausgeführt worden zu sein. Mit diesen und anderen unkonventionellen Werkzeugen und Techniken schaffen Ölmaler Pigmenttexturen, die von zarten Tonmodulationen bis hin zu unveränderlichen, mechanischen Oberflächen und von klumpigen, pastosen Farbgraten bis hin zu kaum wahrnehmbaren Flecken reichen.

Die Tempera-Untermal-Öl-Lasur-Technik wurde bis ins 17. Jahrhundert praktiziert. Künstler wie Tizian, El Greco, Rubens und Diego Velázquez verwendeten jedoch ausschließlich Ölpigmente und trugen sie in einer der Pastellmalerei ähnlichen Methode direkt auf den bräunlichen Grund auf, mit dem sie die weiße Grundierung eingefärbt hatten. Konturen und Schatten wurden in Schlieren und Verwaschen verdünnter Farbe fleckig, während hellere Bereiche mit trockenen, deckenden Lasuren erzeugt wurden, wobei der getönte Grund währenddessen die Halbtöne lieferte und oft für lokale oder reflektierte Farbpassagen im fertigen Bild unberührt blieb. Diese Verwendung von Ölfarbe war besonders geeignet, um atmosphärische Effekte auszudrücken und Hell-Dunkel-Muster zu erzeugen. Es förderte auch einen bravourösen Umgang mit Farbe, bei dem Stiche, Schnörkel, Anhebungen und Drucke des Pinsels die subtilsten Veränderungen von Form, Textur und Farbe entsprechend dem Einfluss des getönten Untergrunds durch die unterschiedlichen Dicken des überlagerten Pigments wirtschaftlich beschrieben . Diese Methode wurde noch von den Malern des 19. Jahrhunderts praktiziert, wie John Constable, J.M.W. Turner, Eugène Delacroix und Honoré Daumier. Die Impressionisten fanden jedoch die Leuchtkraft eines strahlend weißen Grundes wesentlich für die Alla-Prima-Technik, mit der sie die Farbintensitäten und wechselnden Lichter ihrer Plein-Air-(Open-Air)-Motive darstellten. Die meisten Ölgemälde wurden seitdem auf weißen Oberflächen ausgeführt.

Der schnelle Verfall von Leonardos 15. Jahrhundert Das letzte Abendmahl (zuletzt restauriert 1978–99), das in Öl auf Gips gemalt wurde, mag spätere Künstler davon abgehalten haben, das Medium direkt auf einer Wandfläche zu verwenden. Die Wahrscheinlichkeit eines eventuellen Verziehens verbot auch die Verwendung der großen Anzahl von verspannten Holzplatten, die erforderlich waren, um einen alternativen Träger für eine großflächige Wandmalerei in Öl zu schaffen. Da Leinwand in beliebiger Länge gewebt werden kann und eine ölgemalte Oberfläche elastisch ist, können Wandmalereien im Atelier ausgeführt und vor Ort auf ein Holzgerüst gerollt und nachgespannt oder direkt auf eine Wandfläche maroufliert (mit Klebstoff befestigt) werden . Neben den riesigen Atelierleinwänden, die von Künstlern wie Jacopo Tintoretto, Paolo Veronese, Delacroix, Pierre-Cécile Puvis de Chavannes und Claude Monet für bestimmte Orte gemalt wurden, hat die Verwendung von Leinwand moderne Ölgemälde in Wandgröße ermöglicht zur Ausstellung in alle Teile der Welt transportiert werden.

Die Handhabbarkeit des Ölmediums hat manchmal zu nachlässiger Handwerkskunst geführt. Das Arbeiten über teilweise trockenem Pigment oder Grundierung kann zu einer faltigen Oberfläche führen. Die übermäßige Verwendung von Öl als Träger führt zu Vergilbung und Verdunkelung der Farben, während Rissbildung, Ausblühen, Pudern und Abblättern durch schlechte Grundierung, Überverdünnung mit Terpentin oder die Verwendung von Lacktrocknern und anderen Spirituosen verursacht werden können. Farbveränderungen können auch durch die Verwendung chemisch unverträglicher Pigmentmischungen oder durch das Ausbleichen flüchtiger synthetischer Farbtöne, wie Crimson Lakes, dem von Pierre-Auguste Renoir bevorzugten brillanten Rotpigment, auftreten.


Abschluss

Analysen der römischen Wandmalerei weisen auf die Schwierigkeit hin, antike organische Bindemittel effizient zu extrahieren. Diese Schwierigkeit wird durch die allgemeinen Zweifel bei der Identifizierung der in der römischen polychromen Skulptur verwendeten Farbmedien noch komplizierter, was die Hypothese zulässt, dass der Grund, warum einige chemische Analysen römischer Wandmalereien kein organisches Bindemittel entdeckt haben, nicht auf ihre Ausführung im Fresko zurückzuführen ist, sondern auf die Schwierigkeit, das ursprüngliche Farbmedium genau zu identifizieren. Die Verwendung von Fresken in vielen römischen Wandmalereien wird auch durch technische Merkmale wie das Fehlen von giornate oder das Vorhandensein von Pigmenten, die nicht für Fresko geeignet sind, was auf die Verwendung einer Maltechnik hindeuten könnte, bei der organische Bindemittel zum Fixieren der Pigmente verwendet werden.

Chemische Analysen der römischen Wandmalerei haben andere Arten von Farbbindemitteln identifiziert. Eine vergleichende Untersuchung dieser Analysen zeigt eine wiederkehrende Übereinstimmung zwischen den Ergebnissen jeder einzelnen Forschungsgruppe, aber einen bemerkenswerten Unterschied zwischen den Ergebnissen einer Gruppe und einer anderen. Diese Bündelung von Ergebnissen durch Forschungsgruppen erscheint höchst unwahrscheinlich, was auf das Vorhandensein von Störfaktoren in diesen Studien hindeutet, die verzerrte Ergebnisse verursachen könnten. Diese Faktoren könnten mit der Schwierigkeit der Extraktion alter Farbmedien sowie mit dem Einfluss mikrobiologischer Kontamination zusammenhängen. Die Verwendung von Extraktionsmethoden, die für alte Farbmedien ungeeignet sind, kann dazu führen, dass einige Bindemittelkomponenten nicht extrahiert werden, was zu einer unvollständigen Charakterisierung der Zusammensetzung führt. Das Fehlen von Daten in den meisten Studien zur Effizienz der Extraktionsverfahren in alten Proben und zum Einfluss mikrobieller Kontamination kann Zweifel an einigen der erhaltenen Ergebnisse aufkommen lassen. Diese Zweifel führen zu Unsicherheit über die in römischen Wandmalereien und allgemein in der antiken Malerei verwendeten Farbmedien. Die Auswirkungen dieser Unsicherheit auf die Annahme geeigneter Behandlungsmaßnahmen oder auf den effizienten Einsatz von Ressourcen zur Verbesserung der Zuverlässigkeit der Ergebnisse legen die Notwendigkeit nahe, sowohl die Effizienz der Extraktionsmethoden zu bewerten, die bei der Analyse alter Farbmedien verwendet werden und der mögliche Einfluss von organischem Material durch biologische Kontamination.


Fresko im vierten pompejanischen Stil - Geschichte

Ein Fragment einer Wandmalerei aus der Sammlung Nicholson bietet einen großartigen Ausgangspunkt für eine breite Palette von Fragen zum Leben, zur gebauten Umwelt und zur Landschaft der Bevölkerung Pompejis. Durch die Untersuchung dieses Objekts können wir Themen von Einrichtungstrends und Herstellungstechniken bis hin zu Kosmetik und Gärten erkunden.

Unser Fragment stammt wahrscheinlich aus einer Villa in der Umgebung von Pompeji oder Herculaneum und zeigt eine Irispflanze mit rosaroten Blüten auf schwarzem Hintergrund. Der naturalistische Malstil hat die mögliche Identifizierung von Iris Albicans Lange, eine Schwertlilienart, die in römischen Gärten beliebt war und immer noch in der Landschaft Kampaniens wächst. Sie sollen im Jemen und Saudi-Arabien beheimatet sein und wurden in der Antike weit verbreitet.

Die aus einem Rhizom gewachsene Iris war gut für den Ferntransport geeignet und neue Knospen konnten leicht seziert werden, um neue Pflanzen zu schaffen. Ähnliche Schwertlilien gehören zu den Pflanzen, die in den botanischen Szenen des Amun-Tempels in Karnak, Ägypten, vorkommen. Die griechische Mythologie besagt, dass sie zu den Blumen gehörten, die Persephone mit ihren Gefährten pflückte, als sie von Hades in die Unterwelt entführt wurde. Auf Kreta heimische Schwertlilien wurden für das duftende Öl geschätzt, das aus ihrem Wurzelstock gewonnen werden konnte.

Beweise an den Wänden

Das lebendige Überleben der dekorierten Innenräume der öffentlichen Gebäude, Privathäuser und umliegenden Villen von Pompeji und Herculaneum ist unter den archäologischen Überresten des antiken Roms ungewöhnlich. Während andere Beispiele aus Orten wie römischen Provinzen in Nordafrika und aus Rom selbst überliefert sind, bewahrt die Zerstörung der Region Kampanien nicht nur ein Fenster in das römische Leben, sondern bewahrt diese Beweise auch auf bemerkenswert vollständige Weise.

Innerhalb der Römer Domus, die am höchsten dekorierten Räume waren die, in denen Besucher und Gäste empfangen wurden. Räume wie die Atrium, und Triklinium hätte sowohl Wandmalereien als auch Mosaikböden gezeigt. Die privaten Bereiche des Hauses, die für die Familie, das Hauspersonal und die Sklaven bestimmt waren, wurden einfacher eingerichtet. Marmor war ein teurer Rohstoff, der häufig in öffentlichen und religiösen Gebäuden in der ganzen Stadt verwendet wurde. In Häusern wurde bemalter Marmorimitat verwendet, um seine luxuriösen Qualitäten und seinen Reichtum und Status hervorzuheben. Beim Studium des römischen Wohnens ist es wichtig, sich daran zu erinnern, dass es nicht sinnvoll ist, moderne Raumnamen auf antike Räume zu übertragen, da diese Räume oft mehrere Funktionen hatten und die Möbel leicht und leicht zu platzieren waren.

Stile und Wissenschaft

Viele der bisherigen Arbeiten an Wandmalereien entstammen dem stilistischen Gliederungssystem des deutschen Archäologen und Kunsthistorikers August Mau im 19. Jahrhundert. Über viele Jahre des Studiums kategorisierte Mau die Wandmalereien von Pompeji und Herculaneum in einen von vier Stilen, in denen er eine chronologische Abfolge identifiziert hatte. Stil eins weist Faux-Marmor-Muster in einem „Patchwork“ auf und es fehlen figurative Szenen, während Stil zwei oft als „architektonisch“ bezeichnet wird, weil er imaginäre Architekturszenen hervorruft. Als der dritte Stil auftauchte, wurden die architektonischen Themen immer fantastischer und sowohl Landschafts- als auch figurative Szenen wurden auf kleine Einschubvignetten reduziert. Stil vier ist weitgehend als eine kunstvolle Kombination der vorherigen drei Stile definiert. Jüngste Forschungen haben Historiker und Archäologen dazu veranlasst, die strenge Chronologie von Maus Forschungen zu mildern, wobei die aktuelle Wissenschaft akzeptiert, dass es Überschneidungen zwischen den Stilen und viel längere Zeiträume für Renovierungen und Veränderungen gab, als von Mau vorgeschlagen.

Forschungen zur Herstellung von Wandmalereien haben traditionell festgestellt, dass die Römer die als wahre Fresken bekannte Technik verwendet haben, bei der Mörtelschichten aus Kalk und Sand aufgebaut werden, um die Wandoberfläche zu glätten und mit einer dünnen Putzschicht aus fein gemahlenem Marmor abzuschließen . Anschließend wird die dekorative letzte Pigmentschicht aufgetragen, während der Putz noch feucht ist und trocknen gelassen wird. Fresco beruht auf der chemischen Reaktion, die durch das gemeinsame Trocknen des Alkalipigments und des Putzes verursacht wird, um die Dekoration an der Wandoberfläche zu befestigen. Farbe benötigt jedoch ein mit Pigment gemischtes Bindemittel, um römische Farben zu fixieren, die häufig organische Bindemittel wie Ei, Wachs und Weizenkleister verwendet werden. Organische Bindungsmaterialien können in kleinen Proben schwer nachzuweisen sein, da sie sehr anfällig für Hitze und Licht sind, die sie über den Identifizierungspunkt hinaus zersetzen können. Archäologen und Materialwissenschaftler entwickeln neue Methoden, um die molekulare Struktur pompejanischer Wandmalereien zu identifizieren. Diese neue Forschung hat bereits mehrere organische Bindemittel identifiziert und zeigt, dass die von den antiken Malern verwendete Technik nicht immer Fresken war. Das Verständnis der in der Antike verwendeten Maltechniken ist für die fortlaufende Konservierung und Erhaltung archäologischer Stätten unerlässlich.


Schlagwort: pompejanische Stile

Calatayud Museum – Römisches Cubiculum 50 v. – Von Bilbilis, Insula I, Domus 2, Aragona, Spanien. Rekonstruktion eines Freskos im ersten pompejanischen Stil.

Malerei als Illusion

Der erste Stil war auch Bau- oder Mauerwerksstil zeichnet sich durch die Simulation von Marmor Furnieren, mit anderen Elementen aus anderen Kulturen wie Alabasterscheiben mit vertikalen Linien, ‘wooden’balken in Gelb und ‘pillars’ und ‘cornices’ in Weiß. Es verwendet auch lebendige Farben, die als Zeichen von Reichtum angesehen wurden.

Dieser Stil wurde verwendet, um zu teilen Wände in mehrere Muster verwendet, um viel teurere geschnittene Steine ​​​​zu ersetzen. Der Erste Stil wurde auch verwendet, um Verschmelzungen mit anderen Kunstauffassungen zu schaffen, um die unteren Teile der Wände zu schmücken, die nicht so wichtig waren wie die höheren. Das Bild unten ist eine Nachbildung der in den ptolemäischen Palästen gefundenen, wo die Wände mit echten Marmorsteinen bunt gemacht wurden.

Farblithographien der Dekoration des Atriums des Hauses Sallust, Pompeji.

Um die . zu erstellen Illusion einer Mauer aus Blöcken, wurde zuerst Stuck auf die Wand aufgetragen und ihr die Formen von Steinquadern sowie Pilastern und Zierleisten gegeben. Handwerker malten dann, um den Stuck mit vielen bunten Marmor-ähnlichen zu bedecken Muster. Diese Wandmalereien waren erschwinglich, aber sie galten nicht als billiger Ersatz. Die Erstellung dieser Gemälde erforderte mehrere Stunden harter Arbeit.

Von Griechenland nach Rom

Dieser Stil wurde zu dem inspiriert Ptolemäische Paläste, wo Wände mit echten Steinen und Marmor eingelassen wurden. Sie verwendeten kräftige Farben, um an kostbare Materialien zu erinnern, diese Idee war eine Simulation der Kunst des Hellenistische Königreiche in dem spätes 4. bis frühes 3. Jahrhundert v. Die Ptolemäer liebten Luxus im Allgemeinen und drückten diese Leidenschaft durch den griechischen Stil in ihren prächtigen und luxuriösen Komplexen aus.

Das Haus Sallust in Pompeji, aus dem zweiten Jahrhundert.

Hochwertige Dekoration zu günstigeren Kosten

Gewöhnliche Römer konnten sich keine teuren Materialien leisten, um das Aussehen der Mauern in ihren Anwesen zu verbessern, also schmückten sie ihre Häuser mit gemalte Imitationen der luxuriösen gelben, lila und rosa Murmeln. Maler entwickelten gute Fähigkeiten in imitieren Murmeln und rechteckige Platten wurden an den Wänden ziemlich gut gemacht und sahen so marmoriert und geädert aus wie echte Steinstücke.

Das Samnitische Haus, Herculaneum.

Große Beispiele des ersten pompejanischen Stils sind die Haus der Faune und der Haus von Sallust, Orte, die Sie in Pompeji besuchen können. Die Haus der Faune wurde im 2. Jahrhundert v. Chr. erbaut und war einer der wichtigsten privaten Anwesen in Pompeji.

Haus des Fauns, Pompeji


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Anscheinend hatte sich jemand auf den bösen Tag vorbereitet, doch es gelang ihm nicht, seine Vorbereitungen zu nutzen: Ein kleiner Schatz an Bronzemünzen aus der Zeit des Kaisers Tiberius (14-37 n. Chr.) wurde am Boden der Feuerstelle in a . gefunden Küche, wo es fast 2.000 Jahre lang versteckt gelegen hatte.

Plötzlich verlassen

Das Gebiet um Rom war in der Antike dicht besiedelt. Die berühmten Römerstraßen erstreckten sich zwischen den ländlichen Siedlungen und Ferienhäusern der Reichen, die zwischen den Urbs und dem Vulkankomplex Alban Hills verstreut sind (der doch nicht erloschen ist: 2016 erwachte er wieder zum Leben, wenn auch nicht viel).

„Unsere Villa wurde verlassen, als einige der Räume noch renoviert wurden“, sagte Giulia Rocco, Professorin für klassische Archäologie an der Universität Rom, gegenüber Haaretz. "Wir fanden Baumaterialien, die noch nicht verwendet wurden, und die meisten anderen Villen in der Nähe waren bis zum 6. Jahrhundert u. Z. bewohnt."

Die Tor Vergata Fragmente Werkstatt Restauratoren arbeiten an den 7.000 Fragmenten von Fresken und Stuckarbeiten aus den Thermalbädern der Tor Vergata, römischer Domus, Rom. Edoardo Loliva / ISCR-MiBACT Details der Freskenfragmente aus den Thermalbädern des römischen Domus von Tor Vergata, Rom. Edoardo Loliva / ISCR-MiBACT

Die Archäologen sammelten Tausende von Freskenfragmenten, die mit den Wänden der Räume zusammenbrachen, die so gut wie verloren gingen.

Eine römische Villa bei Rom zu finden, sei nicht gerade außergewöhnlich, aber die Stätte sei eine der wenigen Wohnanlagen in den Vororten der Stadt, die systematisch ausgegraben wurde, erklärt Rocco.

Aus ihren Funden leiten die Archäologen ab, dass die Villenanlage im Laufe von nicht weniger als 300 Jahren, ab dem 2. Jahrhundert v. u. Z., verändert wurde. bis zum 1. Jahrhundert u. Z.

Der früheste Teil der Villa scheint aus dem 2. Jahrhundert v. u. Z. zu stammen, sagt Rocco, wurde jedoch in der augusteischen Zeit (31 v.

„In den folgenden Jahren wurde der Bau der Bäder fortgesetzt, die vom Besitzer und seinen Gästen genutzt wurden“, sagt sie. Die Badeeinrichtungen umfassten eine Sauna (Laconicum), ein Calidarium (Heißbad), ein Tepidarium mit warmem Wasser, ein Frigidarium mit kaltem Wasser und ein kleines Hallenbad (natatio).

"Der Stil der Fresken, des vierten pompejanischen Stils, ermöglicht es uns, den Bau der Bäder in die julisch-claudische Zeit (14-68 u. Z.) zu datieren", sagt sie.

Details der Freskenfragmente aus den Thermalbädern des römischen Domus von Tor Vergata, Rom. Edoardo Loliva / ISCR-MiBACT

Die Räume waren mit polychromen Marmorplatten und Mosaiken gepflastert und reich mit Fresken verziert, fügt sie hinzu.

Wer den Komplex ursprünglich besaß, ist unklar. Möglicherweise gehörte es einem wohlhabenden Gutsbesitzer, der für seine Freunde private Feiern in den Bädern veranstaltete. Normalerweise wäre der Name des Besitzers auf die Bleiwasserrohre eingestanzt worden“, sagte Rocco zu Haaretz. Diesmal war es nicht der Fall, der politische Einfluss des Eigentümers lässt sich also nur aus der Größe seines Domizils ableiten: „Er war doch wohl reich genug, um eine solche Villa zu besitzen.“

Sie weist darauf hin, dass es in der Umgebung noch andere Villen gibt, die durch gepflasterte Römerstraßen verbunden sind. Die römischen Landbesitzer mochten die Gegend unter anderem wegen ihres Wasserreichtums, der es ihnen ermöglichte, die luxuriösen Thermen zu bewirtschaften und zu bauen.

Im Oktober 2017 wurden tausende Putz- und Stuckfragmente aus dem Badehaus in ein Labor in der ehemaligen Kirche Santa Marta im Collegio Romano gebracht, wo sie der Öffentlichkeit zugänglich sind.

Gemeinsam mit dem Zentralinstitut für Konservierung und Restaurierung versuchen die Archäologen aus Tausenden von Fragmenten nicht nur die Fresken, sondern auch das Volumen der von ihnen dekorierten Räume zu rekonstruieren. Es ist eine echte Restaurierung kombiniert mit einer virtuellen, sagt Rocco.

The research was organized by a team of classical archaeology professors at the University of Rome Tor Vergata: (Margherita Bonanno, Marcella Pisani, Giulia Rocco, and archaeologist Alessandra Ghelli of the Tourism and Culture Ministry.

Mosaic floor with inserts of colored marbles of the biclinium Francesca Felici © Università di Roma Tor Vergata Mosaic floor with inserts of coloured marbles of the biclinium of the Roman villa by Tor Vergata, Rome Francesca Felici © Università di Roma Tor Vergata Part of the bathhouse complex at Tor Vergata. ISCR Press Office / ISCR-MiBACT


(OC) Rework to a before and after of the fresco of Terentius Neo and his wife from the 1st century, this artwork was found at Pompeii. [1396 x 819]

Rework to a before and after of the fresco of Terentius Neo and his wife from the 1st century, this artwork was found at Pompeii.

The fresco, painted in Fourth Style, portrays a middle class Pompeian couple, unquestionably husband and wife, and was situated on the end wall of the room so that it would be visible to anyone entering the atrium. The man depicted is the baker Terentius Neo, as is revealed by the graffito inside the house and not, as was mistakenly believed for a long time, Paquius Proculus, whose name appears on an electoral inscription painted on an external wall. The couple are portrayed as sophisticated and well-off, cultivated and fashionable: the woman wears a red cloak, a pearl necklace with a gold pendant and pearl earrings she has the typical hairstyle of the Neronian period, with her hair divided by a central parting and gathered at the nape, except for some tight curls that fall on her forehead. She makes a show of her learning by holding a diptych of wax tablets and a stylus in the same pose as the so-called figure of Sappho the baker wears a toga, indicating the dignity of magistratuus, and flaunts the rotulus. Despite all these trappings, the features of the couple, faithfully rendered by the artist, betray the provincial origin of these two parvenus, probably Samnites who, after achieving economic wellbeing, sought to conceal their humble origins and gain direct entry into polite society.


On the Stolen Pompeii Fresco

In its day, the House of Neptune in Pompeii was magnificent. Upon entering its atrium and approaching the pool of rainwater that collected there, you would have had at least seven choices as to where to go next. It is doubtful you would have noticed the doorway to the immediate right of the entrance. In fact, you would have had to turn back on yourself to walk through it, and not even Alice in Wonderland was inclined to do that.

At some point prior to the 12th of March this year, though, a bandit crept in to the room, which used to be a bedroom, and removed a 20cm section of plaster from its west wall. That section came from a painted vignette depicting the divine siblings Apollo and Artemis.

While not the finest wall painting among the houses of Pompeii, nor the best preserved (it is in fact barely visible today), it did have some merit. The blues and pinks would once have been quite vibrant. Apollo, god of music and the arts (not to forget our magazine), stands beside a podium, on which he rests his lyre. He looks at Artemis, who was depicted sitting down, eyeing her spear pensively, with her quiver slung over her right shoulder.

When the House of Neptune was excavated in the mid 19th century, the artist Giuseppe Abbate made a drawing of this wall painting, without which one could barely appreciate what was stolen, and what now remains. Stolen is Artemis from the waist up. This thief couldn&rsquot even be bothered to take her in her entirety. Remaining are Apollo and the bend in Artemis&rsquo knees &ndash amply shown off by the fact that her drapery rather sexily skims her thighs &ndash and her wonderfully tense calves. Her sandal-shod feet are portrayed with their heels off the ground so as to accentuate her muscles. She was, after all, the goddess of the hunt.

Guiseppe Abbate&rsquos drawing of the fresco. From Pompeii Pitture e Mosaici Vol IV

Sure, there are better examples of Fourth Style wall paintings, the theatrical, trompe l&rsquooeil paintings typically found in houses between AD 60 and the eruption of Vesuvius in AD 79. The House of the Vettii nearby, for example, has some exquisite frames interspersed with bold architectural panels and masks. But this painting was never intended to be the flashiest. It sits in one of the more modest bedrooms, low down on the back wall, beneath a window, and somewhat in the shadow of a niche that was painted with splendid green foliage.

Professor Andrew Wallace-Hadrill, the foremost expert on the houses at Pompeii, tells me, &lsquoIronically, this is probably the first time anybody has taken any notice of this painting. The loss is not in itself grave. What is alarming is the implication that, despite a system of partial video surveillance, it is possible for this sort of wanton damage to be done on site&rsquo.

The modesty of the piece no doubt contributed to its disappearance. Having seen complete frescoes on museum walls, a potential thief might well have believed its removal in one piece would be easy. Es war nicht. It required time, patience, and, if he succeeded in keeping the painting intact, skill. Particularly since the building has been closed to the public, the culprit knew that it was unlikely that the theft would be noticed for some time. The missing fragment is ripe for conservation and repainting, which makes it a more likely candidate for sale than more celebrated Pompeian wall paintings.

Alternatively, if someone wanted to make a point about the lack of security and allocated funds so far spent on preserving the ancient sites, one can hardly think of a likelier theft. Only recently, a fragment of a wall painting from the House of the Orchard, previously stolen from a restoration laboratory, was returned anonymously by post. So long as the Carabinieri keep up their investigation, there is hope for poor Artemis yet.

But regardless of the outcome, whether it is heavy rain collapsing its ancient walls, or chancers taking to its most private cubicula with silver chisels, the picture of Pompeii crumbling before our eyes simply refuses to go away.

I am grateful for the assistance of Professor Wallace-Hadrill, who also sourced the drawing for this post.


Schau das Video: Pompeii exhibition: Roman frescoes (Kann 2022).