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Antike griechische Tragödie: Geschichte, Dramatiker und Aufführungen

Antike griechische Tragödie: Geschichte, Dramatiker und Aufführungen


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Nicht nur die Ursprünge der antiken griechischen Tragödie, sondern auch die Ursprünge des Theaters selbst gehen auf das klassische Athen im 6. Jahrhundert v. Chr. zurück. Griechisches Theater wurde in einem Open-Air-Veranstaltungsort namens Theatron aufgeführt, dessen berühmtestes das Dionysos-Theater in Athen war und ein wichtiger Aspekt der politischen Landschaft im antiken Athen war. Die Stücke handelten von Volksmärchen in der griechischen Mythologie, die zu dieser Zeit ihre Religion war, und in einigen Fällen, obwohl hauptsächlich in Komödien, handelten die Stücke von zeitgenössischen Ereignissen wie der Tragödie von Aischylos Die Perser, die von der Schlacht von Salamis handelt, in denen Aischylos vielleicht sogar gekämpft hat.

Griechische Tragödien wurden nicht nur in Theatern aufgeführt, um den Leuten Spaß zu machen, sondern wurden komponiert, um in Wettbewerben aufgeführt zu werden, wobei die Stadtdionysien oder die Großen Dionysien die berühmtesten dieser Wettbewerbe waren. Von den vielen antiken Tragikern, die uns bekannt sind, sind nur die Werke der drei größten Autoren erhalten, Aischylos, Euripides und Sophokles, von denen insgesamt 32 Werke überliefert sind. Griechische Tragödien wurden speziell für religiöse Feste und Wettbewerbe geschrieben und aufgeführt, viele wurden jedoch neu aufgeführt und für die Massenveröffentlichung niedergeschrieben. Der Staat verwahrte Abschriften der Werke der drei großen Tragiker Aischylos, Sophokles und Euripides, und ihre Stücke wurden sogar zu wichtigen Bestandteilen des Schulunterrichts

— ATTRIBUTIONEN —
Alle Namensnennungen und Credits für Bilder, Animationen, Grafiken und Musik finden Sie hier - https://worldhistory.typehut.com/ancient-greek-tragedy-history-playwrights-and-performances-images-and-attributions-4451

Die in dieser Aufnahme verwendete Musik unterliegt dem geistigen Urheberrecht von Michael Levy, einem produktiven Komponisten für die nachgebauten Leiern der Antike, und wird mit Genehmigung des Schöpfers verwendet. Die Musik von Michael Levy kann auf allen großen digitalen Musikplattformen gestreamt werden. Erfahren Sie mehr auf:
https://www.ancientlyre.com
https://open.spotify.com/artist/7Dx2vFEg8DmOJ5YCRm4A5v?si=emacIH9CRieFNGXRUyJ9
https://www.youtube.com/channel/UCJ1X6F7lGMEadnNETSzTv8A

- VORSCHAUBILD -
https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Pittore_di_policoro_(ambito),_cratere_a_calice_con_scene_della_medea_e_del_telephos_di_euripide,_lucania_400_ac_ca._03.jpg
Segelko
CC BY 3.0


Das Theater im antiken Griechenland: Tragödien, wichtige Dramatiker - und Masken

Das Theater im antiken Griechenland war ein Ort, an dem Politik, Religion, populäre Persönlichkeiten und Legenden mit großer Begeisterung diskutiert und aufgeführt wurden. Menschen aus der ganzen griechischen Welt kamen, um die beliebten Theater zu besuchen, die in Open-Air-Amphitheatern stattfanden. In den sogenannten Glory Days konnten manche Amphitheater Menschenmengen von bis zu 15.000 Menschen aufnehmen, manche waren akustisch so präzise, ​​dass eine in der Mitte des Spielkreises fallende Münze in der hinteren Reihe perfekt zu hören war.

Der Ursprung der dramatischen Künste in Griechenland lag in Athen, wo zu Ehren der Götter antike Hymnen gesungen wurden. Diese Hymnen wurden später in Chorumzüge adaptiert, bei denen sich die Teilnehmer in Kostümen verkleideten und die Erzählungen aufführten. Schließlich entwickelten sich einige Mitglieder des Chores, um außergewöhnliche Rollen innerhalb der Prozession zu übernehmen, und so wurde das griechische Theater zum Leben erweckt.

Ein antikes römisches Gemälde aus dem Hause Vettier in Pompeji, das den Tod des Pentheus an den Bakchen des Euripides zeigt.

Ein Fest für die Götter

Eines der griechischen Feste wurde „Stadt-Dionysien“ genannt. Es war ein Fest der Unterhaltung zu Ehren von Dionysos, dem Gott des Weines und der Fruchtbarkeit, und bot Wettbewerbe in Musik, Gesang, Tanz und Poesie. Die ausgelassene Veranstaltung wurde von betrunkenen Männern durchgeführt, die in raue Ziegenfelle gekleidet waren (Ziegen galten als sexuell potent). Die Griechen unterhielten während dieser Feste große Menschenmengen, indem sie Theaterstücke inszenierten, oft mit nur einer Person, die den Übergang jeder Szene spielte und leitete. Im Laufe der Entwicklung der Dramatiker produzierte eine Handvoll Schauspieler Bühnenauftritte, die aus einem Live-Chor und einem musikalischen Hintergrund bestanden.

Ein besonderes Theater, das zu Ehren von Dionysos gebaut wurde, hieß Epidaurus. Es war das größte Theater der westlichen Welt und wird nach heutigen Maßstäben oft als Pionier der Ingenieurskunst angesehen. Fünfundfünfzig halbrunde Sitzreihen wurden so präzise in den Hang eingebaut, dass das Theater eine perfekte Akustik hatte. Benannt nach dem Gott der Medizin Asklepios, glaubte man, dass Epidaurus (und Theater im Allgemeinen) positive Auswirkungen auf die geistige und körperliche Gesundheit hatten. Es galt als bedeutendes Heilzentrum und gilt als Wiege der Heilkunst. Zweieinhalbtausend Jahre später ist es immer noch in Betrieb und gehört zu den größten der noch erhaltenen griechischen Theater.

Die griechische Tragödie

Über die Ursprünge der griechischen Tragödie vor Aischylos (ca. 525-ca. 455 v. Chr.), dem innovativsten griechischen Dramatiker, ist wenig bekannt. Sein frühestes erhaltenes Werk ist "Perser", das 472 v. Die Wurzeln der griechischen Tragödie liegen jedoch wahrscheinlich im athenischen Frühlingsfest des Dionysos, das Prozessionen, religiöse Opfer, Paraden und Wettbewerbe umfasste. Das frühe griechische Theater konzentrierte sich auf tragische Themen, die noch heute beim zeitgenössischen Publikum Anklang finden. Das Wort "Tragödie" ist übersetzt von "Ziegenlied", ein Ausdruck, der im Dionysos-Festival verwurzelt ist, bei dem um Opferziegen um einen Preis getanzt wird. Die ursprünglichen griechischen Tragödien konzentrierten sich auf Mythologie oder historische Bedeutung, die die Suche des Antagonisten nach dem Sinn des Lebens darstellten. Zu anderen Zeiten konzentrierten Dramatiker die gesamte Tragödie auf die Natur der Götter und Göttinnen.

Von den wenigen überlebenden griechischen Tragödien schöpfen alle Perser außer Aischylos aus heroischen Mythen. Der Protagonist und der Chor porträtierten die Helden, die im 5. Jahrhundert v. Chr. Gegenstand des religiösen Kults in Attika waren. Oft hatte der Dialog zwischen Schauspieler und Chor eine didaktische Funktion und verband ihn mit einer Form des öffentlichen Diskurses mit Debatten in der Versammlung.

Jede überlebende Tragödie begann mit einem Prolog, der die Handlung in jeder entsprechenden Szene erklärte. Anschließend leitete der Chor das Paradox ein, einen Übergang, bei dem das Publikum mit den Charakteren, der Exposition und der Gesamtstimmung des Schauplatzes vertraut wird. Schließlich impliziert der Exodus den Abschied des Chors und der Charaktere, die sich aus der Dauer des Stücks ergeben.

Einige der ältesten erhaltenen Tragödien der Welt wurden von drei renommierten griechischen Dramatikern geschrieben. Aischylos komponierte mehrere bemerkenswerte Tragödien, darunter „Die Perser“ und die „Oresteia“-Trilogie. Bis heute fungiert das Drama in all seinen Formen als mächtiges Medium zur Vermittlung von Ideen.

Antike Komödien

Die genauen Anfänge griechischer Komödien sind nicht bekannt. Einige Historiker glauben, dass sie von der Aktivität von Schauspielern ausgegangen sein könnten, die sich gegenseitig nachahmen und Witze über aktuelle Theaterstücke und mehr machen. Während des 6. Jahrhunderts v. Chr. begannen die Stücke, Szenen mit Schauspielern zu integrieren, die in übertriebenen Kostümen hauptsächlich aus Tieren gekleidet waren. Anschließend führten sie zur Freude des Publikums einen Tanz auf. Verschiedene Gedichte mit Humor sowie Lieder wurden während der Theaterstücke aufgeführt.

Im Gegensatz zur griechischen Tragödie verspotteten die im 5. Jahrhundert v. Bei der komischen Ausbeutung von Sex und anderen Körperfunktionen scheinen Rede und Handlung keine Grenzen gesetzt zu haben. Terrakottafiguren und Vasenmalereien aus der Zeit des Aristophanes (450–ca. 387 v.

In der zweiten Hälfte des 4. Jahrhunderts v. Chr. präsentierte die „Neue Komödie“ von Menander (343–291 v. Chr.) und seinen Zeitgenossen bekanntes Material neu interpretiert. In vielerlei Hinsicht wurde die Komödie einfacher und zahmer, mit sehr wenig Obszönität. Die groteske Polsterung und der Phallus der Alten Komödie wurden zugunsten naturalistischerer Kostüme aufgegeben, die den modernen Stil der Dramatiker widerspiegelten. Die subtile Differenzierung der von den Schauspielern getragenen Masken entsprach der feineren Charakterisierung in den Texten der Neuen Komödie, die sich mit Privat- und Familienleben, gesellschaftlichen Spannungen und dem Triumph der Liebe in unterschiedlichen Kontexten beschäftigten.

Bedeutende Dramatiker der Zeit

Es gab viele griechische Dramatiker, aber nur die Hauptwerke von drei Dramatikern sind überliefert: Aischylos, Sophokles und Euripides. Sie schrieben Stücke für die City Dionysia, aber die Grundidee jedes ihrer Stücke war anders.

Die Stücke des Aischylos erforschen die Gefahren der Arroganz, des Machtmissbrauchs und der blutigen Folgen der Rache. Aischylos war der erste, der bei Bühnenauftritten einen zweiten Schauspieler vorstellte. Seine Trilogie, die Oresteia, untersucht die Rachekette, die durch die Entscheidung von König Agamemnon in Gang gesetzt wurde, seine Tochter im Gegenzug für einen guten Wind zu opfern, um seine Schiffe nach Troja zu bringen.

Sophokles schrieb sieben populäre Tragödien, darunter „Antigone“, „Electra“ und „Oedipus Rex“, um nur einige zu nennen. Die Dramatiker von Sophokles konzentrieren sich auf die erlösende Kraft des Leidens. Ein gutes Beispiel dafür ist die Figur des Ödipus in Ödipus Rex. Er porträtierte Ödipus als gutherzigen, aber eigenwilligen jungen Mann, der seinen eigenen Vater tötet, ohne zu wissen, dass er sein Vater ist, und seine Mutter heiratet, ohne zu wissen, dass sie seine leibliche Mutter ist. Als er entdeckt, was er getan hat, blendet er sich vor Reue. Sophokles stellte bei Bühnenauftritten einen dritten Schauspieler vor und war der erste Dramatiker, der gemalte Kulissen einfügte.

Euripides, der letzte der drei, gehört einer etwas späteren Generation des griechischen Denkens an und ist ein viel beunruhigter, fragender und unbefriedigterer Geist. Euripides galt als der direkteste der drei in seiner Befragung der athenischen Gesellschaft und ihrer etablierten Überzeugungen. Er komponierte über neunzig Stücke, mit ungefähr achtzehn erhaltenen Stücken, die von zeitgenössischen Dramatikern wie "Medea", "Hercules" und "The Trojan Women" studiert und verarbeitet wurden. Kritiker kritisierten Euripedes’ fragwürdige Werte, die er während seiner Auftritte auf der Bühne präsentierte, und zeigten oft unterschiedliche psychologische Archetypen, die von früheren Dramatikern nicht erforscht wurden. Viele Autoren modellierten Euripedes’ Experimentalismus Jahrhunderte nach seinem Tod.

Die griechischen Dramatiker brachten auch bestimmte Aspekte des Theaters mit Humor. Beliebte Komiker traten während der Athener Festivals gegeneinander an, darunter Aristophanes, der mehr als vierzig Theaterstücke verfasste. Zu seinen elf überlieferten Stücken gehörte ein umstrittenes Drehbuch mit dem Titel „Lysistrata“, eine Geschichte über eine starke, unabhängige Frau, die eine weibliche Koalition gegen den Krieg in Griechenland anführt.

Jeder dieser Dramatiker führte etwas Neues in das athenische Drama ein, als seine Stücke zu den besten gekürt wurden, und es ist vor allem diesen Autoren zu verdanken, dass sich das Theater zu dem entwickelt hat, was es heute ist. Trotz der begrenzten Anzahl überlebender Tragödien und Komödien beeinflussten die Griechen die Entwicklung des Dramas in der westlichen Welt stark.

Die Kunst hinter einer Maske

Bei griechischen Schauspielern war es üblich, Masken zu tragen. Diese Theatermasken sollten die Stimme des Schauspielers verstärken und zum Theaterambiente beitragen. Seitdem sind sie Ikonen der antiken griechischen Kultur und begehrte Sammlerstücke. Hoch dekorierte Masken wurden bei Festen und Feiern sowie bei Begräbnisriten und religiösen Zeremonien getragen. Diese Masken wurden aus leichtem organischem Material wie Leinen oder Kork hergestellt und von Marmor- oder Bronze-Frontplatten kopiert. Oft wurde oben an der Maske eine Perücke befestigt. Die Maske wurde dann in der Regel braun bemalt, um einen Mann darzustellen, und weiß für eine Frau. Es gab zwei Löcher für die Augen, groß genug, damit der Schauspieler das Publikum sehen konnte, aber klein genug, damit das Publikum ihn nicht sehen konnte. Die Form der Masken verstärkte die Stimme des Schauspielers, wodurch seine Worte für das Publikum leichter zu hören waren.

Es gab mehrere praktische Gründe für die Verwendung von Masken im Theater. Aufgrund der schieren Größe der Amphitheater, in denen sie auftraten, waren übertriebene Kostüme und Masken mit lebendigen Farben für ein entferntes Mitglied der Menge viel besser sichtbar als ein normales Gesicht. Zur Verwandlung in den Charakter wurden auch Masken getragen. In jeder Produktion waren nur zwei oder drei Schauspieler anwesend, sodass Masken schnelle Charakterwechsel zwischen den Szenen ermöglichten. Masken waren Werkzeuge für das Publikum, um etwas über den Charakter zu erfahren, sei es ein riesiger Bart und ein brüllender Mund, um den erobernden Helden darzustellen, oder eine gebogene Nase und eingefallene Augen, um den Trickster darzustellen. Tragische Masken trugen traurige oder gequälte Ausdrücke, komische Masken wurden lächelnd oder anzüglich grinsend gesehen.

Viele Masken sind erhalten geblieben, ebenso literarische Beschreibungen der Masken und künstlerische Nachbildungen in Fresken und Vasenmalereien. Man kann den Beweis für die Bedeutung von Masken in fast jedem erhaltenen antiken griechischen Theater sehen. Statuen, die die grotesk lachenden, weinenden oder tobenden Masken darstellen, starren auf unschuldige Betrachter herab, ihre Lippen weitgehend angeschwollen und die Augen so rund und untertassenartig, dass man meinen könnte, die Maske selbst hätte einen eigenen Kopf.

Theater der Bühne

Die griechische Theaterbühne bestand im Wesentlichen aus dem Orchester, einer flachen Tanzfläche des Chors und der eigentlichen Struktur des Theatergebäudes, die als „Theater'. Da Theater in der Antike häufig umgebaut und umgebaut wurden, bieten die erhaltenen Überreste wenig Beweise für die Natur des Theaterraums, der klassischen Dramatikern im 6. und 5. Jahrhundert v. Chr. zur Verfügung stand. Es gibt keine physischen Beweise für ein kreisförmiges Orchester früher als das des großen Theaters von Epidauros aus der Zeit um 330 v. Höchstwahrscheinlich hat das Publikum im fünften Jahrhundert v. Athen saß nahe der Bühne in einer geradlinigen Anordnung, wie sie im gut erhaltenen Theater von Thorikos in Attika erscheint. In dieser Anfangsphase des griechischen Dramas waren die Bühne und höchstwahrscheinlich die skene(Bühnengebäude) waren aus Holz. Vasenmalereien mit griechischer Komödie aus dem späten fünften und frühen vierten Jahrhundert v. vermuten, dass die Bühne etwa einen Meter hoch war und eine Treppe in der Mitte hatte. Die Schauspieler traten von beiden Seiten oder einer zentralen Tür im s einkene, in dem auch die ekkyklema, eine fahrbare Plattform mit Szenensätzen. Ein Kran, der sich am rechten Ende der Bühne befand, wurde verwendet, um Götter und Helden durch die Luft auf die Bühne zu heben. Griechische Dramatiker nutzten die extremen Kontraste zwischen den Göttern in der Höhe und den Schauspielern auf der Bühne sowie zwischen dem dunklen Inneren des Bühnengebäudes und dem hellen Tageslicht.

Die Stadt des Theaters war in der Tat Athen. Athen brachte das Drama hervor, züchtete das Drama und war letztendlich dafür verantwortlich, es zur wichtigsten Kunst der klassischen und modernen Welt zu kultivieren. Das griechische Theater hat sich als zeitlos erwiesen, da es das Publikum weiterhin mit seiner Fähigkeit, universelle Themen darzustellen, unterhält. Obwohl viele der Stücke im Laufe der Zeit verloren gegangen sind, werden viele der Originale aus dem 5.

Was halten Sie vom antiken griechischen Theater? Lassen Sie es uns unten wissen.


Das Leben und die Zeiten des Sophokles zusammensetzen

Wie viele andere altgriechische Namen hat der Name „Sophokles“ eine eigene Bedeutung. Dieser Name ist eine Kombination aus zwei griechischen Wörtern, sophos und kleos, was „weise“ und „Herrlichkeit“ bedeutet. Mit anderen Worten, der Name dieses antiken griechischen Dramatikers kann als „berühmt für Weisheit“ übersetzt werden. Wenn man bedenkt, dass Sophokles einer der einflussreichsten Schriftsteller des antiken Griechenlands und einer der größten Dramatiker der Welt ist, ist dieser Name durchaus angemessen.

Luc-Olivier Mersons Gemälde des Läufers Pheidippides, der nach der Schlacht von Marathon die Siegesbotschaft verkündet. ( Gemeinfrei )

Über das Leben von Sophokles ist nicht viel bekannt, und viele Details sind der Geschichte verloren gegangen. Er soll zum Beispiel mehrere Jahre vor der Schlacht von Marathon (490 v. Chr.) geboren worden sein. Das genaue Geburtsjahr von Sophokles ist jedoch unbekannt, obwohl angenommen wurde, dass 497/6 v. Chr. Am wahrscheinlichsten ist. Sophokles wurde in Colonus Hippius geboren, einem ländlichen demen (eine Unterteilung eines antiken griechischen Stadtstaates) liegt etwa 1,6 km nordwestlich von Athen.

Obwohl bekannt ist, dass Sophokles 'Vater ein Mann namens Sophillus war, ist sein Beruf unklar. Einige haben zum Beispiel behauptet, dass Sophillus ein Zimmermann war, andere haben behauptet, er sei ein Schmied und wieder andere ein Schwertmacher. Es wurde auch vermutet, dass er ein wohlhabender Adliger gewesen sein könnte, der Sklaven hatte, die Tischler, Schmiede und Schwertmacher waren. Jedenfalls hatte die Familie von Sophokles die Mittel, ihm eine gute Ausbildung zu ermöglichen. Obwohl Sophokles am besten als Dramatiker in Erinnerung geblieben ist, scheint er ein aktives öffentliches Leben geführt zu haben, basierend auf den überlieferten Informationen. Als Jugendlicher soll sich Sophokles im Ringen und in der Musik hervorgetan haben und anmutig und gutaussehend gewesen sein.

Nachdem er die Perser nach der Schlacht von Salamis besiegt hatte, wurde der junge Sophokles ausgewählt, um den Siegeschor zu leiten. ( John Talbott Donoghue / CC0 )

Sophokles im Dienste Athens

480 v. Chr. besiegten die Griechen, angeführt von Athen, die Perser in der Schlacht von Salamis. Bei den Siegesfeiern wurde Sophokles zum Leiter der Lobrede (ein Lied des Triumphes oder der Danksagung). 443/2 v. Chr. diente Sophokles als einer der Hellenotamie. Dies war eine Gruppe von zehn Schätzen (einer von jedem der zehn athenischen Stämme), die die Schatzkammer des Delischen Bundes verwalteten. 441/0 v. Chr. wurde Sophokles als einer der zehn Strategie („Generäle“). Athen befand sich zu dieser Zeit im Krieg mit Samos, und Sophokles hätte als General zum Sieg seines Stadtstaates über die Samier beigetragen. Sophokles könnte als gedient haben Strategen bei zwei anderen Gelegenheiten.

Sophokles lebte ein langes und fruchtbares Leben, diente Athen und schrieb über 120 Theaterstücke . ( Gemeinfrei )

Im Jahr 413 v. Chr., als er etwa 80 Jahre alt war, wurde Sophokles zum proboulos, eine Position, die nach der sizilianischen Expedition geschaffen wurde, die während des Peloponnesischen Krieges von Athen ins Leben gerufen wurde.Sophokles war einer der zehn Kommissare, die nach dieser katastrophalen Expedition mit der Organisation der inneren und finanziellen Erholung des Stadtstaates beauftragt wurden. Sophokles’ letzte bekannte öffentliche Handlung bestand darin, den Chor in der öffentlichen Trauer um Euripides zu leiten. Irgendwann diente Sophokles auch als Priester von Halon und wird mit der Einführung des Asklepios-Kults in Athen gutgeschrieben. Es wird behauptet, dass der Gott Sophokles bis ins hohe Alter Gesundheit und Geisteskraft gewährte.


Die heilende Kraft der griechischen Tragödie

Bring sie dazu, sich zu wünschen, sie wären nie gekommen," sagt der Regisseur fast abwesend. Er meint das Publikum. Die Schauspielerin nickt. Sie macht sich in ihrem Drehbuch neben der Regie ein Zeichen:

Und sie proben weiter. Das Zimmer ist ruhig. Lichtwinkel am späten Nachmittag über den Boden.

Eine Stunde später von der Bühne erhebt sich ihr schreckliches Heulen über das Publikum bis zur Decke, klingelt an den Wänden und aus den Türen und die Treppe hinunter erhebt sich von irgendwo in ihr, um das Gebäude und die Straßen und den Himmel mit ihrem Schmerz und ihrer Wut zu erfüllen und ihre Traurigkeit. Es ist ein erschreckendes Geräusch, nicht weil es unmenschlich ist, sondern weil es zu menschlich ist. Es ist nicht nur der Klang von Schock und Verlust, sondern von jedem Schock und jedem Verlust, einer Trauer jenseits der von allen überall verstandenen Sprache.

Das Publikum rutscht unbehaglich auf den Sitzen hin und her. Dann bedeckt Stille sie alle. Dies ist der Moment, den der Regisseur wollte, der Moment des maximalen Unbehagens. Hier beginnt die Heilung.

Später fängt das Publikum an zu reden. Sie werden nicht aufhören.

"Ich weiß nicht, was passiert ist", wird die Schauspielerin in ein paar Tagen sagen. “Diese Lektüre in dieser besonderen Nacht hat viele Leute aufgerissen. Und das auf großartige Weise.”

Die von Regisseur und Mitbegründer Bryan Doerries gegründete Theater of War Productions mit Sitz in Brooklyn bezeichnet sich selbst als “ein innovatives öffentliches Gesundheitsprojekt, das Lesungen antiker griechischer Stücke präsentiert, darunter Sophokles’ Ajax, als Katalysator für Diskussionen im Rathaus über die Herausforderungen, denen sich Soldatinnen und Soldaten, Veteranen, ihre Familien, Betreuer und Gemeinden gegenübersehen.”

Für Doerries ermöglichen antike Theaterstücke Veteranen, „von der Erfahrung des Krieges Zeugnis abzulegen"&8221 (Eric Ogden)

Und heute Abend in der Milbank Chapel of Teachers College der Columbia University haben sie genau das getan, indem sie Ajax für einen Raum voller Veteranen und Psychiater aufführten. Schauspieler Chris Henry Coffey liest Ajax. Der Schrei kam von Gloria Reuben, der Schauspielerin, die Tecmessa, die Frau von Ajax, spielt.

Sophokles schrieb das Stück vor 2.500 Jahren, während eines Jahrhunderts von Krieg und Pest in Griechenland. Es war Teil der Frühlingsstadt Dionysia, dem dramatischen Fest von Athen, bei dem für jeden Bürger die großen Tragödien und Komödien der Zeit aufgeführt wurden. Es ist die erschütternde Geschichte des berühmten griechischen Kriegers Ajax, der von seinen eigenen Generälen verraten und gedemütigt wurde, vom Krieg erschöpft, von Gewalt und Stolz und Schicksal und Hoffnungslosigkeit zunichte gemacht, bis er sich schließlich, keinen Weg mehr sehend, das Leben nimmt.

Doerries, 41, schlank und ernst, energisch, erklärt all dies an diesem Abend dem Publikum. Wie er es manchmal tut, liest er auch die Rolle des Chors. Er verspricht, dass die wichtige Entdeckungs- und Einfühlungsarbeit in der Diskussion nach der Lesung beginnen wird. Das Stück ist nur das Vehikel, mit dem sie dorthin gelangen.

Doer­ries ist ein selbsternannter Klassiker-Nerd, der in Newport News, Virginia, geboren und aufgewachsen ist. Seine Eltern waren beide Psychologen. Als kluges Kind in einem klugen Haushalt trat er im Alter von 8 Jahren in seinem ersten griechischen Theaterstück als eines der Kinder in Euripides’  . aufMedea. Er wird Ihnen sagen, dass es eine bahnbrechende Erfahrung war. "Ich war eines der Kinder, die von ihrer pathologisch eifersüchtigen Mutter getötet wurden" und ich erinnere mich immer noch an meine Zeilen und die Erfahrung, sie zu schreien und hinter die Bühne zu schmettern, während ein paar College-Studenten so taten, als würden sie mich und meinen Freund niederprügeln. Und ich erinnere mich an die Art von Staunen, das Gefühl der Ehrfurcht, der grenzenlosen Möglichkeiten, die das Theater bot, und dies in sehr jungen Jahren mit der griechischen Tragödie in Verbindung brachte.”

Er war ein gleichgültiger Gymnasiast, der im College aufblühte. "Meine erste Woche als Neuling in Kenyon traf ich mich mit meinem Berater"der zufällig ein mir zugeteilter Klassikprofessor war" und beschloss, Altgriechisch zu lernen.

“Ich habe gelernt, mich für etwas Hartes zu engagieren und dass es unglaubliche Dividenden bringen würde. Und das war der Zeitpunkt, als ich anfing, andere alte Sprachen hinzuzufügen und Hebräisch und Latein zu lernen und ein bisschen Aramäisch und ein bisschen Deutsch zu lernen und diese klassische Ausbildung zu haben, bei der es um ein tiefes Eintauchen in die Sprache und den Sinn für das frühe griechische Denken ging.& #8221 Für seine Abschlussarbeit übersetzte und inszenierte er Euripides’ Die Bacchen.

Er hätte als Akademiker und Philologe eine schöne und unvergessliche Karriere machen können. Aber seine Entstehungsgeschichte ist komplizierter, wie die meisten Entstehungsgeschichten, und hat im Kern eine Tragödie.

2003 starb Doerries' Freundin Laura nach langer Krankheit. In den folgenden Wochen und Monaten der Trauer fand er Trost, wo er keinen erwartete: in den Tragödien des antiken Griechenlands. Er war 26. All das erklärt er in seinem bemerkenswerten Buch von 2015  Der Kriegsschauplatz.

Der Kriegsschauplatz: Was uns antike Tragödien heute lehren können

Dies ist die persönliche und zutiefst leidenschaftliche Geschichte eines Lebens, das der Wiedererlangung der zeitlosen Kraft einer alten künstlerischen Tradition gewidmet ist, um die Betroffenen zu trösten. Seit Jahren leitet der Theaterregisseur Bryan Doerries ein innovatives öffentliches Gesundheitsprojekt, das antike Tragödien für gegenwärtige und zurückgekehrte Soldaten, Süchtige, Tornado- und Hurrikanüberlebende und eine Vielzahl anderer gefährdeter Menschen in der Gesellschaft inszeniert.

“Obwohl ich mir dessen zu der Zeit nicht bewusst war, öffnete mir der anmutige Tod von Laura die Augen für das, was die griechischen Tragödien, die ich in der Schule gelernt hatte, vermitteln wollten. Durch die Tragödie artikulierten die großen athenischen Dichter weder eine pessimistische oder fatalistische Sicht auf die menschliche Erfahrung noch waren sie bestrebt, das Publikum mit Verzweiflung zu füllen. Stattdessen gaben sie zeitlosen menschlichen Erfahrungen „von Leiden und Trauer“ eine Stimme, die, wenn sie von einem großen Publikum gesehen wurden, das diese Erfahrungen geteilt hatte, Mitgefühl, Verständnis und eine tief empfundene Verbundenheit förderte. Durch eine Tragödie stellten sich die Griechen der Dunkelheit der menschlichen Existenz als Gemeinschaft.”

Aber das ist die Buchversion. Ordentlich. Überlegt. Die Wahrheit war chaotischer.

Als er seine Graduiertenschule in Kalifornien verließ, kraxelte er. Er war nach New York gezogen und schrieb und übersetzte in einer Wohnung über dem Lebensmittelgeschäft Tops in der Sixth Street in Williamsburg. Bei Laura war vor Jahren Mukoviszidose diagnostiziert worden, und jetzt, nach medizinischen Eingriffen, einschließlich einer doppelten Lungentransplantation, war klar, dass sie es nicht schaffen würde. Sie schloss damit ihren Frieden und teilte diesen Frieden und wurde wochenlang von den Menschen besucht, die sie am meisten liebte und die sie liebte. Und die Erfahrung ihres Todes im Alter von 22 Jahren war somit irgendwie von Freude berührt.

"Und die Art und Weise, wie sie starb, was als sehr traurig angesehen werden konnte, war tatsächlich einer der mächtigsten und transzendenten und wichtigsten Momente meines Lebens. Dass jemand auf diese Weise sterben konnte, war etwas, das ich mit 26 Jahren nicht verstand. Es war eine Offenbarung.

“Nach dieser Erfahrung und der Betreuung meines Vaters durch seine Nierentransplantation begann ich zu arbeiten Philoktet und erinnere mich, den Refrain im Krankenhaus geschrieben zu haben, wo mein Vater sich erholte, und dachte mir, dass ich nie aus der Transplantationsabteilung des Krankenhauses herauskommen werde. Und es dämmerte mir, dass der Grund, warum ich übersetzte Philoktet ging es speziell um einen chronisch Kranken, der auf einer Insel ausgesetzt wurde. Und, noch treffender, über einen jungen Menschen, der gegen seinen Willen, ohne wirklich zu wissen, auf was er sich da einlässt, als Pfleger in diese episch unmögliche Situation gedrängt wird. Auf die es keine richtigen Antworten gibt und von denen er für den Rest seines Lebens verfolgt wird.

“Was passiert ist, war meiner Meinung nach genau das, was die Griechen versuchten, junge Menschen durch eine Tragödie vorzubereiten, die die Erfordernisse des Erwachsenenlebens sind.

“Und als Laura starb, wollte ich nur über diese großen existenziellen Dinge sprechen, über den Tod und das, was ich miterlebt habe. Ich denke wirklich, dass dieser Apparat, den ich geschaffen habe, wirklich nur ein riesiger Vorwand ist, um diesen Raum zu schaffen, in dem die Leute darüber reden wollen.”

Das ist Doerries' großartige Besessenheit, der Trost der Geschichte. Neustart einer alten Maschine zur Heilung des lebenden Theaters als therapeutisches Instrument.

Seine Übersetzungen von Ajax und mehrere andere kanonische Werke des griechischen Theaters sind in Alles, was du hier gesehen hast, ist Gott, ebenfalls 2015 erschienen. Sein neuestes Buch, Die Odyssee von Sergeant Jack Brennan, eine aktualisierte Anpassung von Die Odyssee, sollte wohl überall in den Händen eines jeden Soldaten sein, um dort über Verlust, Einsamkeit und posttraumatischen Stress zu lernen.

Und für einen Mann, der 100 Nächte im Jahr auf der Straße verbringt, der in den letzten acht Jahren Hunderte von Shows produziert und inszeniert hat, der in den letzten zwei Jahren fünf Bücher veröffentlicht hat, sieht Bryan Doerries weder erschöpft noch ausgezehrt oder müde aus. 
Immer wenn du ihn siehst, sieht Bryan Doerries bereit aus.

Eine Seite aus Bryan Doerries' 2016 Graphic Novel The Odyssey of Sergeant Jack Brennan, einer modernen Nacherzählung von Homers Odyssey. (Geschrieben und herausgegeben von Bryan Doerries Illustrationen von Jess Ruliffson, mit Schriftzügen und Farben von Sally Cantirino. Pantheon (2016)) Eine Seite aus Bryan Doerries ’ 2016 Graphic Novel The Odyssey of Sergeant Jack Brennan, einer modernen Nacherzählung von Homer’s Odyssey. (Geschrieben und herausgegeben von Bryan Doerries Illustrationen von Jess Ruliffson, mit Schriftzügen und Farben von Sally Cantirino. Pantheon (2016))

Indem er all dies teilt, indem er sich selbst hilft, glaubt er, dass er dem Rest von uns helfen kann. Und dieser Kernwert von Theatre of War ist hier, in einer einzigen Zeile in Ajax, aus diesem frühen Austausch zwischen dem Chor und Tecmessa:

TECMESSA

Sag mir. Angesichts der Wahl,

was würde

du bevorzugst: glück

während deine Freunde

Schmerzen haben oder daran teilhaben

ihr Leiden?

CHOR

Zweimal sind die Schmerzen doppelt so schlimm.

TECMESSA

Dann werden wir krank, während er sich erholt.

CHOR

Was meinen Sie? Ich folge dem nicht

Logik deiner Worte.

TECMESSA

In seinem Wahn freute er sich am Bösen

die ihn besessen hat, die ganze Zeit quälend

die von uns in der Nähe. Aber jetzt, wo das Fieber hat

gebrochen, all seine Freude hat sich in Schmerz verwandelt,

und wir sind immer noch betroffen, genau wie zuvor.

Doppelter Schmerz ist doppelter Kummer.

CHOR

Ich habe Angst, dass ein Gott ihn niedergeschlagen hat,

denn seine Angst wächst, wenn seine geistige Gesundheit zurückkehrt.

TECMESSA

Es ist wahr, aber immer noch schwer zu verstehen.

CHOR

Wie hat ihn der Wahnsinn zum ersten Mal gepackt?

Erzähl uns. Wir werden bleiben und den Schmerz teilen.

“Erzähl es uns. Wir werden bleiben und den Schmerz teilen, ist die Prämisse für das gesamte Programm, wie das eigene Leitbild von Theatre of War klar macht.

“Indem wir diese Stücke einem militärischen und zivilen Publikum präsentieren, hoffen wir, psychische Verletzungen zu entstigmatisieren” Doerries seinem Publikum. “Es wurde vermutet, dass das antike griechische Drama eine Form des Geschichtenerzählens, der Gemeinschaftstherapie und der rituellen Wiedereingliederung für Kampfveteranen durch Kampfveteranen war. Sophokles selbst war General. Das Publikum, für das diese Stücke aufgeführt wurden, bestand zweifellos aus Bürgersoldaten. Auch die Darsteller selbst waren höchstwahrscheinlich Veteranen oder Kadetten.

“Durch dieses Objektiv betrachtet,”, fährt er fort, “Das antike griechische Drama scheint ein ausgeklügeltes Ritual gewesen zu sein, das darauf abzielte, Kampfveteranen zu helfen, nach Einsätzen in einem Jahrhundert, das 80 Jahre Krieg erlebte, wieder in das zivile Leben zurückzukehren. Stücke wie Sophokles ’ Ajax lesen sich wie eine Lehrbuchbeschreibung von verwundeten Kriegern, die unter dem Gewicht psychischer und physischer Verletzungen darum kämpfen, ihre Würde, Identität und Ehre zu bewahren.”

Theatre of War Productions hat mehr als 650 Aufführungen für militärisches und ziviles Publikum auf der ganzen Welt präsentiert, von Guantánamo bis Walter Reed, von Japan über Alaska bis Deutschland. Doerries hat andere Stücke aus dem antiken Griechenland verwendet, um auch anderen Zwecken zu dienen und Themen wie häusliche Gewalt, Drogen- und Alkoholsucht, Waffengewalt und Gefängnisgewalt anzugehen. Die Präsentationen können auf Servicemitarbeiter, Veteranen, Gefängniswärter, Krankenschwestern, Ersthelfer, Ärzte und Polizeibeamte zugeschnitten werden.

Was die Programme in jedem Fall tun, ist, Sie zu öffnen.

Selbst diese minimalistischen Tischlesungen fesseln die Menschen auf eine Weise, auf die sie nicht vorbereitet sind. “Die Aufführungen sind immer unglaublich kathartisch,”, sagt Chris Henry Coffey, der häufig mit Doerries zusammengearbeitet hat. “Es berührt etwas, was Bryan sagt: ‘Wenn Sie heute Abend eines davon mitnehmen, dann ist es, dass Sie nicht allein sind. Sie sind nicht allein in diesem Raum, nicht allein auf der Welt und über Meilen und vor allem nicht allein über die Zeit hinweg.’”

Was wusste Sophokles, was wir nicht wissen? Dieses Drama, Live-Theater, kann eine Maschine sein, um Empathie und Gemeinschaft zu schaffen.

Emmy-Gewinner und Oscar-Nominierter David Strathairn, schlank und ruhig und anständig, war einer der ersten Schauspieler von Doerries' 8217. “Das Außergewöhnliche an Bryans Konzept und jedes Mal, wenn wir es präsentieren, ist, dass diese Stücke nicht die Ausstattung einer inszenierten Produktion brauchen, um effektiv zu sein. Keine Lichter, keine Kostüme, kein Set, keine musikalische Aufwertung. Die Geschichte wird roh und schnörkellos direkt in die Ohren des Publikums geliefert. Und wie Bryan schon oft gesagt hat, beginnt das eigentliche Drama, wenn die Lesung beendet ist und die Diskussion beginnt.”

Schauspieler bekommen ein kleines Honorar, fliegen Economy und übernachten in den Zwei-Sterne-Hotelketten.

“Ich spreche mit denen, die verstehen!” sagt Ajax und nähert sich dem Ende der Dinge. Es ist die Klage des Veteranen, dass die Geschichte nur von denen verstanden werden kann, die dasselbe gesehen haben. Aber es stellt sich heraus, dass es nicht wahr ist, dass wir alle im Stamm unser Verständnis als Therapie als Medizin beitragen können.

Was noch herzzerreißender ist als seine Wut, Scham oder Selbstmitleid, ist seine Ambivalenz in seinem letzten ruhigen Moment. Trauert schon um sich selbst und was er hinterlassen wird.

AJAX

Tod, oh Tod, komm jetzt und besuche mich—

Aber ich werde das Tageslicht vermissen und die

heilige Felder von Salamis, wo ich gespielt habe

als Knabe und großes Athen,

und alle meine

Freunde. Ich rufe dir Quellen und Flüsse zu

Felder und Ebenen, die mich während dieser Zeit ernährten

lange Jahre in Troja.

Dies sind die letzten Worte, die Sie von Ajax hören werden.

Den Rest werde ich denen sagen, die zuhören

in der Welt unten.

Ajax fällt auf sein Schwert.

Wenige Sekunden später findet ihn seine Frau Tecmessa und lässt ihren schrecklichen Schrei los. Dieser Schrei hallt durch 2.500 Jahre Geschichte, aus dem kollektiven Unbewussten. Männer und Frauen und Götter, Krieg und Schicksal, Blitz und Donner und das Universelle in jedem.

Die Vereinigten Staaten befinden sich seit 16 Jahren im Krieg. Soldaten in der Vergangenheit konnten 100 Tage oder sogar 300 Tage in einem Kriegsgebiet an vorderster Front eingesetzt werden, jetzt waren sie 1.000 Tage oder länger in einer niedrigeren Reichweite. Vier, fünf oder sechs Touren im Irak oder Afghanistan oder beides. Die Belastungen sind unerträglich. Die Selbstmordrate der Streitkräfte war noch nie so hoch. 2016 wurde eine Studie des Department of Veterans Affairs veröffentlichtMilitärzeiten:

“Die Forscher fanden heraus, dass das Selbstmordrisiko für Veteranen im Vergleich zu zivilen Erwachsenen um 21 Prozent höher ist. Von 2001 bis 2014, als die zivile Selbstmordrate um 23,3 Prozent anstieg, stieg die Selbstmordrate unter Veteranen um mehr als 32 Prozent.

Besonders besorgniserregend ist das Problem unter weiblichen Veteranen, deren Selbstmordrate in dieser Zeit um mehr als 85 Prozent gestiegen ist, verglichen mit etwa 40 Prozent bei zivilen Frauen.

Und ungefähr 65 Prozent aller Veteranen-Selbstmorde im Jahr 2014 betrafen Personen über 50 Jahre, von denen viele in den jüngsten Kriegen wenig oder keine Zeit damit verbrachten, zu kämpfen.”

Die pensionierte Armeegeneralin Loree Sutton, eine Ärztin und Beauftragte des Department of Veterans Services für die Stadt New York, war eine frühe Befürworterin des Kriegsschauplatzes.

“Ich hatte so viele traurige Schulungen mit PowerPoint-Folien hinter mir. Wir mussten etwas haben, das unsere Truppen und ihre Anführer wirklich engagiert. Eine Erfahrung, die wirklich zu ihren inneren Ängsten, Bedürfnissen und Kämpfen sprach.

“Ich traf Bryan zum ersten Mal auf der ersten Warrior Resilience Conference der Defense Centers of Excellence im Jahr 2008,” erinnert sich Sutton. “Es waren Elizabeth Marvel, Paul Giamatti und Adam Driver für diesen ersten Auftritt. Ich wurde weggeblasen. Ein Beamter sagte mir, dass er vor kurzem einen Kumpel durch Selbstmord verloren hatte. Er sagte: ‘Ich weiß es einfach. Ich weiß nur, dass mein Kumpel heute hier wäre, wenn er gesehen hätte, dass man diese Gefühle, diese Kämpfe haben kann und immer noch der stärkste Krieger sein kann.’”

“Ich habe das wirklich als Bestätigung von Bryans Modell verstanden,” fügt Sutton hinzu. “Ich fing an, mit Bryan zu sprechen und zu versuchen, herauszufinden, wie wir das im gesamten Verteidigungsministerium skalieren können? Allen Widrigkeiten zum Trotz konnten wir einen Vertrag mit dem DoD aushandeln. Dies hat zu   . geführtAjax Sind so breit gefächert in so vielen verschiedenen Umgebungen und Gruppen.”

Aber diese anfängliche Vertragsfinanzierung ist jetzt ausgelaufen. Die Herausforderung für Doerries besteht darin, nicht nur Bewusstsein, sondern auch Geld zu schaffen. Und in einer Zeit, in der Veteranen aufgefordert werden, ihre Wiederaufnahmeboni zurückzugeben, ist das keine leichte Aufgabe. Laut Pentagon ist das Pentagon festgeschnallt.

“Theater of War war Teil meiner Reise”, sagt Oberstleutnant Joseph Geraci, Mitbegründer des Resilience Center for Veterans & Families, einer privat finanzierten Initiative an der Columbia University. “Es ist die Therapie, die ich in ihren kathartischen Momenten erhalten habe, die mir hilft, mich mit der Person links und rechts von mir verbunden zu fühlen.

“Meine Absicht ist es, anderen zu helfen, zu heilen,”, sagt er. “Ich bekomme immer noch Gänsehaut, wenn Bryan erwähnt, dass die Absicht des Abends darin besteht, die Gemütlichen zu quälen und die Betroffenen zu trösten.”

Der Schlüssel zur Rolle der Tecmessa, sagt Schauspieler Gloria Reuben, ist: “Halten Sie sich nicht zurück.” (Eric Ogden)

"Niemand kommt einem Text oder dem Impuls hinter der Sprache selbst näher als Schauspieler und Publikum", sagt Doerries. Er dirigiert in nur einem Tempo, prestissimo. In Doerries' idealem Tempo gespielt, ist es fast antitheatralisch: Die Dringlichkeit hat eine Grundlage in der Gehirnchemie. Das Unbehagen, das er sucht, löst beim Hörer den Kampf- oder Fluchtmechanismus aus und steigert nicht nur seine dramatischen Befürchtungen, sondern auch seine Sinne. Ihre Aufmerksamkeit. Ihre Beibehaltung. Du gehst erschöpft aus der besten dieser Shows.

Und vielleicht gehen Sie irgendwohin, um Hilfe zu holen.

Die Show ist kein Heilmittel. Es ist kein Selbstzweck.

Es ist der Anfang. Und gerade jetzt braucht sie irgendwo jemand. Braucht das.

So kamen sie nach Ferguson, Missouri.

Am 9. August 2014 wurde Michael Brown (18) bei einer Auseinandersetzung mit dem Polizisten Darren Wilson erschossen. Ferguson wurde zum Synonym für gewalttätige Unruhen und militarisierte Polizei, mit Black Lives Matter und neuer sozialer Gerechtigkeit und alten städtischen Stereotypen von uns gegen sie. Schon der Name Ferguson, wie Watts oder Newark oder Lower Ninth Ward, wurde zu einem Wortschatz, einer weiteren Abkürzung für Ungerechtigkeit und Kampf, für eine Reihe scheinbar fester Annahmen über Amerika und die Amerikaner.

Theatre of War kommt und versucht, das zu ändern.

“Als Michael Brown starb,” Doer­ries, “Christy Bertelson, der Chefredenschreiber von Gouverneur Jay Nixon, rief mich an, um zu fragen, ob mir ein Theaterstück einfallen könnte, das mir helfen könnte. Schließlich schlug ich vor, Antigone. Es war Christy, die vorschlug, die Chöre auf Gospel zu setzen, und dann bestand ich darauf, dass wir einen Chor mit Polizeisängern aufbauen sollten.”

Als er in St. Louis landet, ist Doerries müde. Er hat auch Hunger. Er ist auch an seinem Telefon. Er beantwortet Fragen, während er geht, sein rollendes Gepäck auf den Fersen wie ein hingebungsvolles Familienhaustier. Mit anderen Worten, er ist wie immer. Begeistert und in Bewegung.

Der griechische Chor wird von einem All-Star-Gospelchor aus mehreren Bezirkskirchen, einem Jugendchor und dem St. Louis Metropolitan Police Department Choir gespielt. Die Musik wurde von Phil Woodmore komponiert, einem ortsansässigen Musiklehrer und Musiker und Sänger von Ruf. “Ich habe alle fünf dieser Songs basierend auf dem Fluss der Geschichte und dem Text erstellt, den Bryan mir gegeben hatte. Selbst in der Herausforderung gab es so viel Struktur drumherum. Es gab also noch eine sichere Zone für mich.”

Reg E. Cathey (“House of Cards,” “The Wire”) mit der Stimme eines alttestamentlichen Propheten wird als Kreon stolzieren und sich ärgern. Bei der Probe in einem Klassenzimmer der Normandy High School ist die Schauspielerin Samira Wiley (Poussey Washington in der Netflix-Serie “Orange Is the New Black”) so wild, wie Antigone sein muss. In der Szene, in der ihr gesagt wird, dass sie niemals ankommen wird, wo sie hin will, bringt ihre Lieferung der Zeile “Dann werde ich beim Versuch sterben” nicht nur Schüttelfrost, sondern auch Tränen. Sogar das TV-Nachrichtenteam im Raum wird davon aus der Fassung gebracht.

Glenn Davis (“Jericho,” “The Unit,” 󈬈,” Broadway) und Gloria Reuben (“ER,” “Mr. Robot”) spielen eine Vielzahl von Rollen.

An einem Tag finden drei Vorstellungen statt. Eine an der Normandy High School, zwei weitere an der Wellspring Church. Verstehe zuerst, dass Ferguson kein Kriegsgebiet ist. Es ist ein Vorort von St. Louis mit gemischten Einkommen, gemischten Ergebnissen und gemischter Demografie. Wells-Goodfellow, das Viertel gleich neben der High School, ist auch kein Kriegsgebiet. So sieht eine Stadt nach dem Krieg aus. Bild Berlin 1950 schwarz-weiß. Die Trümmer wurden planiert und was übrig blieb, ist ein aufgeräumtes Gitter aus meist leeren Gebäuden und leblosen Bürgersteigen.

Es ist eine passende Einstellung für  Antigone. Es ist ein Stück über Gewalt und Autorität und Traurigkeit und über den hohen Preis von Prinzipien und den unmöglichen Preis von Schwäche. Es ist ein Stück über einen unbegrabenen Körper.

Reg E. Cathey sieht sein Publikum als "alle, die heute in unserer Ilias gekämpft haben"&8221 (Allison Shelley) Mitglieder der Phil Woodmore Singers treten in Antigone in Ferguson an der Normandy High School in St. Louis auf. (Michael Thomas) Eine Aufführung von Antigone in Ferguson in der Wellspring Church in Ferguson, Missouri, am 17. September 2016. (Michael Thomas) Schauspieler David Strathairn besichtigt die Ausstellung “The Greeks” in der National Geographic Society, bevor er dort mit Theatre of War auftrat. (Allison Shelley)

In Theben ist gerade ein schrecklicher Bürgerkrieg zu Ende gegangen. Antigones Brüder haben sich gegenseitig getötet und sind in den Armen des anderen gestorben. Kreon hat den Thron bestiegen und befohlen, den rebellischen Bruder Polyneikes unbegraben dem Verrotten zu überlassen. Antigone widersetzt sich diesem Befehl und beeilt sich, ihn zu begraben.

KREON

Sag mir—und sei vorsichtig mit deinen Worten—

Wussten Sie, dass meine Proklamation verbietet?

die Leiche begraben werden?

ANTIGONE

Jawohl. Ich wusste, dass es ein Verbrechen war.

KREON

Und du hast es trotzdem gewagt, das Gesetz zu brechen.

ANTIGONE

Ich wusste nicht, dass deine Gesetze mächtiger sind als

göttliche Gesetze, Kreon. Hat Zeus eine Proklamation gemacht,

auch? Ich war nicht dabei, eine ungeschriebene Regel zu brechen

die Götter aufgrund der Laune eines Mannes. Natürlich,

Ich wusste, dass ich eines Tages sterben würde. Und wenn dieser Tag ist

heute schätze ich mich glücklich. Es ist besser zu sterben

ein früher Tod als ein langes Leben umgeben von

böse Männer. Also erwarte nicht, dass ich wütend werde, wenn du

verurteile mich zum Tode. Wenn ich meinem eigenen Bruder erlaubt hätte

unbegraben bleiben, dann siehst du mich vielleicht trauern.

Was ist falsch? Du scheinst verwirrt zu sein. Vielleicht denken, dass Sie

Ich habe überstürzt gehandelt, ohne dies zu berücksichtigen

Folgen? Nun, vielleicht bist du es, der zu dir geeilt ist

Handlung. So oder so bleibt die Frage: Haben Sie den Mut?

durchziehen?

KREON

Wie ich sehe, hast du den Charme deines Vaters geerbt.

Bürger, ich sage, sie ist ein Mann und ich nicht,

wenn sie damit durchkommt, das Gesetz zu brechen und zu prahlen

über ihr Verbrechen. Es ist mir egal, ob sie meine Nichte ist, sie

und ihre Schwester wird beide getötet werden, denn

Ich halte ihre Schwester gleichermaßen für die Planung verantwortlich

dieses Begräbnis. Ruft sie an. Sie ist direkt drin. ich sah gerade

sie rennt hysterisch durch den Palast.

Kreon befiehlt Antigone zu töten und sperrt sie in einer kleinen Höhle ein, wo sie schließlich Selbstmord begeht. Genau wie Kreons eigener Sohn, der verlobt ist, sie zu heiraten. Dann Kreons Frau, als sie vom Tod ihres Sohnes erfährt. Es ist eine Kette von Tragödien, die von Kreons eigener Sturheit geschmiedet wurden.

Antigone will nur das Richtige tun, ihren Bruder begraben. Kreon will nur das Richtige tun, die bürgerliche Ordnung bewahren. Es ist ein Theaterstück, wie Doerries das Publikum anweist, “, was passieren kann, wenn alle Recht haben.”

Der Chor für Antigone in Ferguson umfasst 34 Künstler aus ganz St. Louis. (Michael Thomas)

Das halsbrecherische Tempo dieser Lesungen verleiht den Ereignissen jedes Stücks einen Trommelschlag, der nicht nur dringend, sondern auch unvermeidlich ist. Der Preis des Glücks ist das Unglück, und es ist schnelllebig und es ist unerbittlich, und wie der Chor sagt, kann das Schicksal vermieden, aber nicht entkommen werden. Fate ist ein eingleisiges Hochgeschwindigkeitszug-Wrack, und für das Publikum bedeutet dies einen rasanten Ansturm von Endorphinen.

Auch die Übersetzungen sind Teil der Wirkung und des Programmerfolgs. Die meisten Lehrbuchübersetzungen dieser griechischen Klassiker, die von Gymnasiasten gefürchtet werden, lesen sich wie ein Katalog von Wachsfiguren aus dem 19. Jahrhundert. Hier ’s Ajax, perfekt erhalten und absolut stillstehend, hier’s Odysseus, hier’s Achilles. Die Helden werfen Schatten, aber nichts bewegt sich. Mehr der Wissenschaft und dem Erhalt gewidmet als den Imperativen des lebendigen Theaters, ist das Ganze träge auf der Seite. Selbst die besten modernen Versionen verlieren im Sumpf und Dickicht ihrer eigenen Poesie dramatischen Schwung.

Aber jede Doerries-Übersetzung ist ein Hot Rod. Ein aufgemotzter, abgespeckter Eventmotor. Eher verhaltensmäßig als ästhetisch, jeder ist eine Meisterklasse in der Komprimierung von Konflikten und Höhepunkten und amerikanischem Volksenglisch. Leben sind ruiniert und rasen ohne die Verzierungen der Poesie zu ihrem unvermeidlichen Ende. “Für mich ist es eine Sache. Regie führen und übersetzen sind eine Sache.” Die letzten Zeilen von Antigone veranschaulichen den Punkt.

Kreon wurde vom Schicksal, von seinen eigenen Überzeugungen und Entscheidungen zerstört. Er bittet darum, aus der Stadt weggeführt zu werden.

Die Doerries-Übersetzung, karg und unsentimental, ist ein Schlag ins Gesicht.

KREON

Führe mich bitte außer Sicht. Ich bin ein dummer Mann.

An meinen Händen klebt Blut. Ich habe meine Frau und mein Kind getötet.

Ich bin zerquetscht. Ich wurde vom Schicksal erdrückt.

Kreon verlassen.

CHOR

Weisheit ist das größte Geschenk an die Sterblichen. Die große

Worte stolzer Männer werden mit großen Schlägen bestraft. Dass

ist Weisheit.

Im Moment dieser letzten Zeile wird das Theater von einer schrecklichen Wahrheit zum Schweigen gebracht.

Und es weckt in den Menschen die Bereitschaft, aufzustehen und zu sprechen und ihr Leiden zu teilen.

Einer der Sänger, Duane Foster, ein Sprach- und Schauspiellehrer, ist auch ein Diskussionsteilnehmer und unterrichtete Michael Brown. Er lehnt sich ins Mikrofon und seine Wut wird nicht gemessen, sie ist aufrichtig. “So viele Leute schauen sich den eigentlichen Akt der Schießerei an. Die Leute vergessen die totale Respektlosigkeit dieses Jungen, der auf dem Boden liegt, weil die Leute versucht haben, herauszufinden, was sie tun sollen.”

Was weiß Sophokles, was wir nicht wissen?

“Du stehst vor Leuten,” sagte Samira Wiley einem Filmteam von PBS nach der Vorstellung. “Sie sehen Leute, die in der Klasse dieses jungen Mannes waren, Leute, die seine Erzieher waren. Und was wir am Ende des Tages tun, ist Fake. Es ist, wie wir handeln. Aber wir können den Menschen echte, emotionale menschliche Gefühle entlocken. Und eine Sache, die Bryan Doerries mir sagte, war, dass es nicht so sehr darum geht, was wir ihnen geben können, sondern was sie uns geben können. Und das kann man theoretisch hören, aber das habe ich heute wirklich erlebt.”

Zwei Shows in der Kirche in der Hitze, die Musik steigt, das Publikum begeistert, Bullen und Gemeinschaft, die Intimität und die Leidenschaft und ja, die Liebe, auch im Streit oder Uneinigkeit, jeder für jeden, wieder Nachbarn, so süß, so kurz, unwidersprochen. All der Schweiß und die Ekstase und die Kettenblitze eines Erweckungstreffens aus alten Zeiten.

"Es war dieser erstaunliche kleine Moment, sowohl künstlerisch als auch gemeinschaftlich", sagt Reg E. Cathey. “Schwarze Leute, weiße Leute, alte Leute, junge Leute. Es war eines dieser Dinge, die einen auf seltsame Weise glücklich machen, Amerikaner zu sein.”

“Als ich meine erste Probe mit einem Chor hatte, hatte ich das Gefühl, dass dies funktioniert, aber ich hatte nicht mit einer solchen Resonanz gerechnet,” Phil Woodmore. “Ich wusste, dass ich ein sehr gut verpacktes Produkt geschaffen hatte, das die Leute schätzen konnten, aber ich wusste nicht, wie überwältigt die Leute sein würden.”

Spät in der Nacht ist selbst ein erschöpfter Doerries überwältigt. “Es war mehr, als ich mir dafür vorgestellt hatte,” er sagte, “Auch nach den Proben konnte ich nicht wissen, was diese Musik mit einem Publikum machen würde. Tolle. Jetzt nehmen wir diese Show mit nach Baltimore und New York.”

Jenseits von Klassenkampf und politischem Ressentiment, sogar jenseits von Rassismus, gibt es in der Moderne etwas zutiefst Einsames, etwas Isolierendes und Verstörendes. Vielleicht ist es Trost genug, mit anderen Menschen, die leiden und sprechen, im selben Raum zu sitzen. Vielleicht genug, um uns zu retten.

Am nächsten Morgen, früh bei Sonnenaufgang, ist Sänger John Leggette, ein Polizist, der als Solist im Chor auftritt, wieder in Uniform. Aber sein Herz ist immer noch auf der Bühne.

"Das war großartig", sagt er, lächelt und schüttelt den Kopf und geht langsam zu seinem Streifenwagen. “Super.”

Einige Monate später sitzen im Auditorium der National Geographic Society in Washington, D.C., der Vorsitzende der Joint Chiefs of Staff und der Sekretär des Department of Veterans Affairs.

Vor der Aufführung durchlaufen die Schauspieler eine Wanderausstellung griechischer Antiquitäten im National Geographic Museum. David Strathairn verbringt einen langen Moment damit, eine große, gehämmerte Goldscheibe zu betrachten. Das Gesicht auf der Scheibe ist sein eigenes, geradlinig und ernst. “Nun, sagen wir einfach, dass es war, die Maske von Agamemnon zu sehen, bevor man ein vor 2.500 Jahren geschriebenes Theaterstück las, das direkt von dieser Zeit in der Geschichte spricht, in einem Raum voller Leute, die genau wissen, was es bedeutet, ein Krieger zu sein eine ziemlich berauschende Erfahrung. Die Zeit löste sich für einen Moment auf—Das ‘Hier und Jetzt’ traf sich ‘das Damals und dort.’”

Einer der Hauptdarsteller, Jeffrey Wright, ist noch nicht hier. Sein Flugzeug hat Verspätung. Er kommt um 5:05 Uhr für eine 5-Uhr-Show an.

Für die anderen Schauspieler —Strathairn in der Rolle des Philoctetes, Cathey als Ajax und Marjolaine Goldsmith als Tecmessa, seine Frau— bleibt die Anweisung bei der Probe die gleiche: Lassen Sie das Publikum wünschen, sie wären nie gekommen.

Und wieder beginnt Tecmessa,

Oh, ihr Salz der Erde, ihr Seeleute, die Ajax dienen,

diejenigen von uns, die sich um das Haus Telamon kümmern, werden es bald tun

jammern, denn unser wilder Held sitzt fassungslos

sein Zelt, verglast, in Vergessenheit blickend.

Er hat den Tausend-Yard-Blick.


CHOR

Welche Schrecken haben ihn in der Nacht heimgesucht

um sein Vermögen bis zum Morgen umzukehren?

Sag es uns, Tecmessa, kampferprobte Braut, denn niemand ist es

Ajax näher als du, also wirst du als eins sprechen

Wer weiß.

TECMESSA

Wie kann ich etwas sagen, was niemals sein sollte?

gesprochen werden? Du würdest lieber sterben als zu hören

was ich gleich sagen will.

Ein göttlicher Wahn vergiftete seinen Geist,

seinen Namen während der Nacht verderben.

Unser Haus ist ein Schlachthof,

übersät mit Kuhkadavern und Ziegen

sprudelndes dickes Blut, Kehlen aufgeschlitzt,

Horn an Horn, an seiner Hand,

böse Vorzeichen für die Zukunft.

"Unser Zuhause ist ein Schlachthof" ist die Zeile, die Militärfrauen und -männer im Publikum und auf den Panels am häufigsten erwähnen, die sie mit einer schrecklichen Anerkennung aufbrechen. Das Stück handelt ebenso sehr von den Herausforderungen, denen sich die Ehepartner, die Familien gegenübersehen, als auch von dem verwundeten Kämpfer, dem isolierten, hoffnungslosen Hoffnungslosen.

In diesen behäbigen, holzgetäfelten Raum locken also alle Schrecken des Krieges. Doerries, im dunklen, gut geschnittenen Anzug, geht mit einem Mikrofon durch die Gänge, sobald die Lesung vorbei ist.

Er stellt dem Publikum eine Frage zu Ajax: “Warum denkst du, hat Sophokles dieses Stück geschrieben?” Dann erzählt er eine Lieblingsgeschichte. “Ich stellte diese Frage bei einem unserer ersten Auftritte und ein junger Soldat stand auf und sagte: ‘Um die Moral zu steigern.’ Und ich dachte, ‘Das ist verrückt,’ und ich fragte ihn, was möglicherweise möglich ist die Moral steigern über einen großen Krieger, der in den Wahnsinn verfällt und sich das Leben nimmt?

“‘Weil es die Wahrheit ist’, sagte er. ‘Und wir sehen es uns alle zusammen an.’”

Joe Geraci ist hier wieder auf dem Podium und erzählt eine erschütternde Geschichte. “Im Juli 2007 habe ich einen meiner besten Freunde in Arlington begraben. Das Schwierigste für uns an diesem Tag war, dass jeder von uns sein Leben gegeben hätte, wenn Tommy lebend nach Hause gekommen wäre. Ich war seit neun Jahren nicht mehr dort. Also ging ich heute zu Sektion 60. Ich legte eine meiner Bataillonsmünzen auf seinen Grabstein und ich weinte und sah auf und sah einen anderen meiner engen Freunde, der auch in Sektion 60 war letzten Einsatz in Afghanistan—und wir haben uns gerade umarmt. Wir haben uns nur fünf Minuten lang umarmt. Keine Worte gewechselt. Und ich erinnere mich an Tecmessas Botschaft von ‘Wir werden krank, während er sich erholt,’ also zweifellos ich und Bryan wurden heute ein wenig krank, und ich weiß, dass meine Eltern heute ein wenig krank wurden, aber ich war es in der Lage zu heilen.”

Lt. Col. Joe Geraci glaubt, dass die Aufführungen durch die „Bekämpfung der Isolation“ angetrieben werden. (Eric Ogden) (Eric Ogden)

Dann erhebt sich ein Mann im Publikum, nimmt das Mikrofon und sagt mit sanfter Stimme: “Zuerst möchte ich den Schauspielern danken und unseren Podiumsmitgliedern danken. Mein Name ist Oberstleutnant Ian Fairchild. Ich bin ein C-130-Pilot. Ich bin in Afghanistan und im Irak geflogen. Um Ihre Frage zu beantworten: ‘Warum treiben sie es so extrem, 15 oder 20 Minuten Jammern?’ Ich denke, dass er es wahrscheinlich so gemacht hat, weil dies für sein Publikum der einzige Weg ist, im Vergleich dazu muss schrecklich und schrecklich vorgekommen sein, und das hätte die Botschaft wirklich nach Hause gebracht. Aber für die Leute, die gedient haben, war es wahrscheinlich auf keiner Ebene vergleichbar. Und was mich persönlich am Jammern wirklich beeindruckt hat, ist, dass die Stille, die Sie umhüllt, stärker ist als das Jammern, wenn Sie zu Ihrem Flugzeug kommen und einen Amerikaner in einem mit Flaggen bedeckten Sarg sehen und ihn schweigend nach Hause fliegen müssen. Das ist für mich stärker als jeder Schrei. Vielen Dank für die Aufführung heute Abend und die Gelegenheit, dieses Gespräch zu führen.”

Und der Raum wird für eine gefühlte Ewigkeit still.

Nach der Show, an der Rezeption, dachten und redeten Tierärzte aus dem Publikum immer noch über das, was sie gesehen hatten. Es ist ein Anfang. Kein Ende.

Wie integrieren wir unsere Soldaten und uns selbst wieder in eine gesündere Gesellschaft?

Zu sagen, dass die Wirkung kathartisch oder therapeutisch ist, bedeutet, die Dinge um eine Größenordnung zu unterschätzen. Diese Schreie. Die menschliche Qual. Der Effekt besteht darin, in der Mitte gespalten zu sein, nicht an den schwächsten Teilen von dir, sondern an den stärksten. Dinge strömen aus und Dinge strömen ein. Es ist eine Maschine zum Heilen, um Empathie zu erzeugen.

Die Qualität der Leistung ist, so großartig sie auch sein mag, zweitrangig. Die Diskussion ist, warum diese Leute hier sind und diese Chance auf Heilung, Verbindung und Intimität. Gehen Sie oft genug, lange genug, und Sie werden sehen, wie Soldaten in Tränen ausbrechen und Ehemänner von Frauen sprechen und Söhne und Töchter die Geschichten ihrer Mütter und Väter erzählen.

Einen Monat nach der Präsentation bei National Geographic sagt der damalige Sekretär des Department of Veterans Affairs, Robert A. McDonald, der an diesem Abend vorne saß, Doerries, dass es seiner Meinung nach einen Weg gibt, das Kriegsschauplatz in ein nationales Programm. Die Veteranenabteilung ist wahrscheinlich dort, wo sie hingehört. Aber Washington ist ein Rad, das langsam schleift, und es kann immer noch alles passieren. Aber “das verheißt Gutes,” Doerries sagt, “und das trägt nur zu unserer Grundwelle der Dynamik bei.”

Darüber hinaus hat Doerries vorgeschlagen, dass das Verteidigungsministerium eine Initiative erwägt, neu aufgenommenen Militärangehörigen eine Kopie von Doerries ’  zur Verfügung zu stellenDie Odyssee von Sergeant Jack Brennan. Die Graphic-Novel-Nacherzählung von Die Odyssee von einem Marine-Sergeant zu seinem Trupp in der Nacht, bevor sie in die Staaten rotieren, gelingt als Kunst und Lehre. Es ist eine Einführung in den Kampf und die Isolation, mit denen jeder Soldat seit Anbeginn der Zeit auf dem Heimweg konfrontiert war. Es verbindet Soldaten nicht nur mit der Erfahrung des Krieges, sondern auch mit seinen psychologischen Kosten und der Geschichte selbst.

Heute jedoch, wenn Ausgabenkürzungen drohen, verlieren selbst populäre Projekte an Schwung. Wer ist drin, wer ist draußen, wer stellt die Schecks aus? Und es ist das gleiche bei Veterans Affairs wie beim Verteidigungsministerium. Was die Zukunft für eine groß angelegte Umsetzung der Bücher oder Workshops oder Performances bereithält, ist unbekannt.

Eine Theateraufführung, sagt Doerries, würde “ für alle Joint Chiefs und den Verteidigungsminister und alle unter ihnen stattfinden, die vom Vorsitzenden und seinen Top-Mitarbeitern moderiert werden würden.” Der Termin für die Veranstaltung war Set für den 4. Oktober in Fort McNair in Washington, DC

Ein paar Monate nach der ursprünglichen Ferguson-Produktion, eine weitere Aufführung dessen, was jetzt   . heißtAntigone in Ferguson wurde in New York City im Atrium eines Wolkenkratzers an der Fifth Avenue montiert. Die meisten Sänger und Interpreten sind gleich, aber das Setting könnte unterschiedlicher nicht sein. Die Nacht ist Teil des Onassis Festival NY, “Antigone Now”, eine Feier Griechenlands und der griechischen Kultur und Geschichte, die von der Onassis Foundation produziert wird.

Der Raum ist ein Block lang, hoch und schmal, mit Lichtern und Lautsprechern und temporären Inszenierungen ausgestattet. Sound prallt von allem ab. Es gibt Stühle für 100 Zuschauer und Stehplätze für einige Hundert mehr. Das Publikum ist eine New Yorker Mischung aus Männern und Frauen jeden Alters und jeder Hautfarbe, Klasse und Sprache. Der Chor steht abseits, nicht hinter den Schauspielern, und sobald der Gesang einsetzt, ist das gesamte Atrium mit Musik gefüllt. Und bevor die Nacht vorbei ist, werden Sie sehen, wie die polizeihassende Diskussionsteilnehmerin, die um das Leben ihrer schwarzen Söhne durch die Polizei fürchtet, den Polizeileutnant in ihre Arme nimmt und nicht loslässt.

Auch hier ist Samira Wiley wild als Antigone. Die Schauspieler Glenn Davis und Gloria Reuben sind geerdet und ehrlich, sie halten Reg E. Cathey fest, während er brüllt und vom Schicksal überrollt wird. Wieder steigt die Musik. Wieder ist die Nacht im wahrsten Sinne ekstatisch, fast hypnotisch, der Geist in Wort und Musik bewegt sich durch alle. Aber selbst in diesem bereinigten Unternehmensumfeld besteht die Spannung zwischen Hoffnung und Hoffnungslosigkeit, sobald die Diskussion beginnt.

“Welche Auswirkungen hat die Segregation auf die Polizeiarbeit?”

“Was ist mit Stop and Frisk?”

“Wie verteidigt man, was offensichtlich falsch ist?”

Und wieder ist Duane Foster leidenschaftlich und Lt. Latricia Allen ist die vernünftige Stimme einer verantwortungsvollen Polizeiarbeit. Sie glaubt nicht an die blaue Mauer des Schweigens. “Ich muss die Veränderung sein, die ich sehen möchte,”, sagt sie. “Ich mache nicht mit dem okey-doke.”

Die Diskussion geht weiter und weiter, über die Natur von Respekt und Respektlosigkeit gegenüber der Beziehung zwischen der Polizei und den Menschen, denen sie dienen sollen, über Eltern und Gewalt und Politik und Angst und Liebe.

Doerries erinnert alle daran, dass heute Abend nur der Anfang ist, sie werden das Gespräch in die weite Welt tragen. Eine der letzten Fragen ist eine der einfachsten. Und am kompliziertesten. “I’m Afroamerikaner,” eine Frau in einem ruhigen Ton, der in der höflichen Stille aufsteigt. “Wie sollen wir leben?” Und diese Frage geht noch lange über alle. Im Zentrum von allem steht die Frage. Und für eine Weile gibt das Panel wohlmeinende Antworten, die von Optimismus berührt sind, aber die Frage ist zu ernst, zu planetarisch. Die Antworten wandern und bleiben stehen.

Wie sollen wir leben?

Dann beugt sich Duane Foster vor.

“Scheiße ist nicht richtig,” er sagt schließlich entschieden, “aber du kannst nicht aufgeben. Der Gott, dem ich diene, tut wirklich seltsame Dinge, um einen Punkt zu machen.”

Und der Raum füllt sich mit Applaus.

Ein paar Tage später wird Bryan Doerries sagen, dass die Schauspieler und die Podiumsteilnehmer und die Musiker und die Mitglieder des Chores „sehr erfreut waren zu entdecken, dass wir die Macht hatten, sogar eine Unternehmenslobby in eine Kirche zu verwandeln.“

In der Zwischenzeit  Antigone in Ferguson ist im Moment ein voll finanzierter Hit, ein durchschlagender Erfolg von Baltimore bis Athen, Griechenland, teilweise unterschrieben durch Doerries’, die kürzliche Ernennung zum öffentlichen Artist in Residence für das New Yorker Kulturministerium. Doerries arbeitet in den nächsten Jahren mit einem Zuschuss von 1,365 Millionen US-Dollar, der von der Stavros Niarchos Foundation gespendet wurde, und sieht die plötzliche und unerwartete Popularität dieser Show als einen ersten Schritt in Richtung einer dauerhafteren Heimat für Theater-of-War-Aufführungen.

“Die nächste Phase dieses Projekts besteht darin, das Publikum zu resozialisieren, damit es etwas anderes vom Theater erwartet” Doerries. “Es verwandelt New York City wirklich in dieses Labor, also wird ein Traum wahr.”

Auf diese Weise Ajax erzeugt Prometheus erzeugt Medea erzeugt Herkules in Brooklyn, Euripides auf die Straße bringen, um über Waffengewalt zu sprechen. Und auch neu für 2017 ist Der Tambourmajor-Instinkt, eine weitere Show mit einem Gospelchor und einer Partitur von Phil Woodmore. Basierend auf einer der letzten Predigten von Rev. Martin Luther King Jr. ringt die Produktion um Rassismus, Ungleichheit und soziale Gerechtigkeit.

Also der Erfolg seiner Antigone  drängt andere Theater des Krieges-Produktionen in die Städte und Viertel, in denen sie am dringendsten gebraucht werden, in die Bibliotheken und Unterkünfte und Wohnprojekte und Gemeindezentren, in das Leben der Zuschauer, die ihre uralte Botschaft des Trostes, der Versöhnung und der Hoffnung.

Die Zukunft der Vergangenheit ist hell.

Aus Leiden, Hoffnung. Vielleicht weiß Sophokles genau das, dass Ajax und Tecmessa und Kreon und Antigone leiden und für uns alle sprechen, damit auch wir leiden und sprechen können.

Zweiundzwanzighundert Jahre später kommt dieser schreckliche Schrei nicht nur als Echo durch die Zeit oder Theaterantike zu Ihnen zurück, sondern als Ausdruck neuer Trauer und neuer Verluste, so nah und vertraut wie Ihre eigene Stimme. Denn es ist Ihre eigene Stimme.

“Lassen Sie sie sich wünschen, sie wären nie gekommen.”

Aber hier sind wir. Jeder von uns.

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Dieser Artikel ist eine Auswahl aus der November-Ausgabe des Smithsonian-Magazins

Über Jeff MacGregor

Jeff MacGregor ist der preisgekrönte Writer-at-Large für Smithsonian. Er hat für die . geschrieben New York Times, Sport illustriert, Esquire, und viele andere, und ist der Autor des gefeierten Buches Sonntagsgeld. Foto von Olya Evanitsky.


Komödie

Griechische Komödie kommt aus Attika – dem Land um Athen – und wird oft als Attische Komödie bezeichnet. Es ist in die sogenannte Alte Komödie und Neue Komödie unterteilt. Old Comedy tendierte dazu, politische und allegorische Themen zu untersuchen, während New Comedy sich mit persönlichen und häuslichen Themen befasste. Vergleichen Sie zum Vergleich eine Late-Night-Talkshow über aktuelle Ereignisse und Satire, wenn Sie an Alt denken, und eine Primetime-Sitcom über Beziehungen, Romantik und Familie, wenn Sie an Neu denken. Tausende von Jahren später lassen sich auch die Aufführungen der Restaurationskomödie auf die Neue Komödie zurückführen.

Aristophanes schrieb hauptsächlich Alte Komödie. Er ist der letzte und wichtigste Autor der Alten Komödie, dessen Werke überlebt haben. Neue Komödie, fast ein Jahrhundert später, wird von Menander vertreten. Wir haben viel weniger von seinem Werk: viele Fragmente und "Dyskolos", eine fast vollständige, preisgekrönte Komödie. Euripides gilt auch als wichtiger Einfluss auf die Entwicklung der Neuen Komödie.


Geschichte der Alten Welt

Dieses von den Griechen geschaffene Spektakel verwickelte und umhüllte die gesamte Bevölkerung einer griechischen Stadt in geheime Riten zu Ehren eines Gottes, normalerweise Dionysos, dessen Anhänger phallische Symbole trugen, Wein tranken und in Ekstase-Zustände versetzt wurden. In Athen galt das Theatergebäude als Tempel, und es wurde angenommen, dass der Gott bei den Aufführungen anwesend war.

Die Griechen verwendeten das Wort Orgie, um diese Riten zu beschreiben, in Übereinstimmung mit dem ursprünglichen Sinn des Wortes, wie es im Merriam Webster Dictionary beschrieben wird: "Geheime zeremonielle Riten, die zu Ehren einer antiken griechischen oder römischen Gottheit abgehalten werden und normalerweise durch ekstatisches Singen und Tanzen gekennzeichnet sind". ".


Fast alle Parodien, Melodien und Mysterien, die in der Neuzeit gesehen oder gehört werden, sind mit dem antiken Griechenland verbunden, wo diese Begriffe erfunden wurden. Eine Parodie war ein Lied oder eine Ode über etwas (para, „über“).

Ein Geheimnis war eine geheime religiöse Zeremonie. Eine Melodie war die Melodie, die vom Chor gesungen wurde. Moderne Fernsehsendungen, Filme, Theaterstücke und viele populäre Lieder sind aus diesen intensiven griechischen religiösen Riten hervorgegangen. Dies gilt unabhängig davon, ob der Film eine Komödie, eine Tragödie oder eine Satire ist.

Ursprünge und Entwicklung

Die populäre Ansicht ist, dass sich die griechische Tragödie aus fröhlichen Volkshymnen an Dionysos, den sogenannten Dithyramben, entwickelt hat, und dass sich daraus die anderen Formen des Dramas entwickelt haben. Dithyramben wurden bereits im 7. Jahrhundert v. Chr. verfasst und verbreiteten sich von Athen aus in viele andere griechische Stadtstaaten. Ein Chor von bis zu 50 Personen sang die Dithyramben, und Wettbewerbe belebten religiöse Feste.

Dionysos ist auch als Bacchus bekannt, der Gott, der die Welt durchstreifte, gefolgt von Scharen verrückter Frauen (genannt Bacchanten oder Mänaden, von denen wir den Begriff Manie bekommen). Der Gott und seine Anhänger wurden oft betrunken von Traubenwein gefunden, der dem Dionysos heilig war.

Ursprünglich nahmen Feste zu Ehren von Dionysos die Form von choreographierten Tänzen an, die von einem Chor über einen Altar auf einem Orchester oder "Tanzplatz" aufgeführt wurden. Daraus entwickelten sich Aufführungen, die einen so starken Gefühlsrausch erzeugen sollten, dass das gesamte Publikum einen intensiven gemeinschaftlichen emotionalen Rausch erreichte, der als Katharsis bekannt ist und die Menschen reinigt und wiederbelebt.

Katharsis wurde zu einem der Markenzeichen von Tragödienaufführungen, ein Wort, das wörtlich "Ziegenode" bedeutet, wobei die Ziege das Symbol von Dionysos ist. Im Gegensatz dazu behauptet William Ridgeway, dass die Tragödie aus der Anbetung und Gemeinschaft mit den Toten entstand.

Da auch diese Gemeinschaft von Dionysos geleitet wurde und sich die Tragödie auf ein Symbol von Dionysos bezieht, war die Anbetung des Dionysos höchstwahrscheinlich ein wesentlicher Bestandteil des Beginns und der Aufführung der Tragödie.

Der 12- bis 50-köpfige Chor, der während des gesamten Stücks singt, tanzt und kritisiert, war eine wichtige Facette der griechischen Tragödie. Der Chor wurde von einigen als Repräsentation des Willens und der Meinungen der Gesellschaft angesehen, als ob die Bevölkerung selbst mit dem Chor auf der Bühne stünde, die Aktion kommentiert und ihr einen Sinn gibt. Viele berühmte griechische Dramatiker waren erfolgreiche Dramatiker und Schauspieler und waren für große Innovationen in Form von Tragödien verantwortlich.

Thespian von Ikaria im Jahre 534 v. trennte den Chorleiter vom Rest der Gruppe, um Athens erster Schauspieler zu werden, die Teile mehrerer Charaktere zu lesen und für jeden eine andere Maske zu tragen. So nennen wir Schauspieler heute Thespianer, nach dem Mann, der zum ersten Mal ein Stück gemacht hat, das aus mehr als nur einem Chor bestand.

Aischylos, ein hochverehrter griechischer Dramatiker, fügte seinem Stück einen zweiten Schauspieler und Bühnendekorationen hinzu, während er den bereits maskierten Schauspielern und dem Chor Kostüme gab. Seine Tragödien, wie Prometheus Bound, Agamemnon und Seven gegen Theben, porträtieren Menschen, die von kosmischen Mächten für ihre Missetaten und Verfehlungen bestraft werden.

Sophokles, ein weiterer berühmter griechischer Autor, fügte einen dritten Schauspieler hinzu und verlieh den Schauspielern in einem bahnbrechenden Schritt mehr Gewicht als den Chor. Er fügte dem Chor auch drei Mitglieder hinzu, was die Gesamtzahl auf 15 erhöht.

Komödien und Satiren entwickelten sich aus der Tragödie. Die ältesten bekannten Komödien waren Brüche zwischen Tragödien oder zwischen Teilen einer einzelnen Tragödie, in denen übertriebene Charaktere die Tragödie in einer Parodie verspotteten, die dem Format, den Kostümen und den Masken der Tragödie nahe kam.

Bald entstanden ganze Comic-Stücke. Diese werden als Alte Komödie bezeichnet und beziehen sich auf Komödien, die in der Zeit aufgeführt wurden, die mit der Gründung der Demokratie durch Perikles begann. 450 v. Chr. Old Comedy folgte dem strengen Format der Tragödie und beinhaltete den Refrain.

Satire war eine dritte Art von griechischem Drama, die die Lücke zwischen Komödie und Tragödie überbrückte. Satire, ein Wort, das von den dem Dionysos heiligen Satyrn stammt, ist ein Begriff für ein Stück, das aufgeführt wurde, um sich über die Tragödie lustig zu machen und die Auswirkungen der Tragödien zu mildern, die das Publikum gerade gesehen hatte.

Die Satyrn waren seltsame und amüsante Wesen, die eine einzigartige Parodie der typischen Tragödie ermöglichten. Die haarigen, halbmenschlichen Satyrn hatten die gehuften, kurzen Beine einer Ziege zusammen mit den kurzen Hörnern der Ziege und dem Schwanz und den Ohren eines Pferdes.

Der Chor der Satyrn war immer dafür bekannt, jovial, derb, rustikal und in seinem Humor schelmisch zu sein. Offensichtlich sollten die illustren Bürger, die in Tragödien charakterisiert sind, über solcher Gesellschaft stehen, weshalb es so amüsant war, sie inmitten eines rauschenden Chores von Satyrn zu platzieren.

Bei dem Versuch, sich einer solchen Masse anzupassen, mussten die berühmten Figuren einen gewissen Würdeverlust erleiden, und so machte sich die Satire über die Tragödie und vielleicht auch über sich selbst lustig.

Bemerkenswerte Autoren wie Aristophanes verspotteten und persiflierten alle Aspekte der griechischen Gesellschaft, insbesondere die berühmten, edlen und aufrichtigsten Bürger ihrer Zeit oder sogar verehrte, legendäre Persönlichkeiten.

Seine Wolken verspotteten den Philosophen Sokrates als streitsüchtigen Sophisten, und seine Wespen griffen die athenischen Höfe und ihre Verfahren an. In Satiren waren die Hauptfiguren übertriebene Possenreißer, die jeden Unsinn sprachen und vorführten.

Kein Aspekt der Gesellschaft war in diesen Komödien heilig, und oft wurden sogar die Götter selbst verspottet. Es wurden keine Grenzen gesetzt, inwieweit der Autor sein Thema lächerlich machen konnte.

Das Drama erleben

Die Griechen widmeten zwei bis vier große religiöse Feiertage im Jahr ausschließlich dem Sehen von Theaterstücken – ähnlich wie bei modernen dreitägigen Musikfestivals. Es wurden Wettbewerbe abgehalten, um die beste Tetralogie oder einen Satz von vier Stücken zu ermitteln.

Jede Tetralogie bestand aus drei Tragödien gefolgt von einer Satire. Jedes dieser Quartetts wurde an einem einzigen Tag aufgeführt, und viele wurden zu Lebzeiten des Dramatikers nie wiederholt.

Die Feste, die mit Namen wie Kleinere Dionysien und Große Dionysien genannt wurden, wurden als notwendig erachtet, um den Kosmos in Ordnung zu halten, damit die Ernten wachsen und die Menschen überleben können. Da die umliegenden Dörfer an verschiedenen Tagen ihre eigene Dionysien abhielten, war es möglich, in einer Saison mehrere solcher Feste zu besuchen.

Diese Zeremonien waren so wichtig, dass ihre ordnungsgemäße Durchführung eine große Verantwortung des Staates war, der die Schauspieler und Chöre auswählte und wohlhabenden Bürgern Sondersteuern zur Bestreitung der Kosten berechnete.

Ganz Athen besuchte Theaterstücke, denen, die es sich nicht leisten konnten, vom Staat Kartengelder zur Verfügung gestellt wurden. Das Dionysische Theater stellt jedes moderne Theater in den Schatten und hielt die gesamte Stadt. Schätzungen reichen von 14.000 bis über 20.000 Menschen. Da diese Leute alle Athener waren, waren sie wahrscheinlich homogener in ihrer Einstellung als eine moderne Menge.

So konnte der Dramatiker sein Publikum sehr direkt ansprechen, sich über einzelne Athener lustig machen, eine Vorgehensweise zu aktuellen Themen vorschlagen, auf einen Insiderwitz verweisen oder sogar scherzhaft jemanden im Publikum des Fehlverhaltens beschuldigen. Die Leute sahen sich von morgens bis abends Theaterstücke an und hatten immer noch Appetit auf die Aufführungen der folgenden Tage.

Mit einem zielstrebigen Publikum in solch gespannter Aufmerksamkeit hatten führende Tragiker eine enorme Chance, auf die Menschen und den politischen Prozess in Städten wie Athen Einfluss zu nehmen. Sie galten als Lehrer der Bevölkerung und trugen eine unglaubliche Verantwortung für die Gestaltung des Charakters eines mächtigen Nationalstaates.

Da diese Feste auf Drängen eines Orakels gegründet wurden, wurden alle Gerichtsverfahren und Geschäfte auf Eis gelegt. Den Ablauf zu stören, die Darsteller zu schlagen oder gar eine Person, die einen falschen Platz eingenommen hatte, zu entfernen, wäre ein Verbrechen, das durchaus mit dem Tode geahndet werden könnte.

Das Theater wurde wie ein Tempel behandelt. In der Mitte der ersten Reihe saß der Hohepriester des Dionysos. Auf dem Orchestertanzplatz stand ein Dionysosaltar, und das Publikum saß auf Steinbänken am Hang. Auf der anderen Seite des Tanzplatzes befand sich das Skene, ein Gebäude, in dem die Schauspieler ihre Kostüme wechseln konnten.

Zwischen Skene und Orchester befand sich die Proskenion, die später als Bühne bezeichnet wurde. Der Chor würde in militärischer Formation das Paradoi hinaufmarschieren, die Eingangsrampen, die zum Proskenion führten.

Das griechische Drama beeinflusste das Drama in ganz Europa während der Römerzeit und im Mittelalter stark. Viele moderne Filme tragen die Einflüsse der antiken griechischen Autoren. Moderne Lieder haben Refrains. Auch wenn einige religiöse Implikationen fallengelassen wurden, bleibt der griechische Einfluss bestehen.


Geschichte des griechischen Theaters

Theater und Schauspiel im antiken Griechenland nahmen etwa im 5. Jahrhundert v. Chr. Gestalt an, mit Sophokles, dem großen Tragödienautor. In seinen Stücken und denen desselben Genres wurden Helden und die Ideale des Lebens dargestellt und verherrlicht.

Man glaubte, dass der Mensch für Ehre und Ruhm leben sollte, sein Handeln war mutig und glorreich und sein Leben würde in einem großen und edlen Tod gipfeln. Ursprünglich wurde die Anerkennung des Helden durch selbstsüchtiges Verhalten und wenig daran gedacht, anderen zu dienen.

Als die Griechen in Richtung Stadtstaaten und Kolonisation wuchsen, wurde es das Schicksal und der Ehrgeiz des Helden, Ehre zu erlangen, indem er seiner Stadt diente. Das zweite Hauptmerkmal der frühen griechischen Welt war das Übernatürliche.

Die beiden Welten waren nicht getrennt, da die Götter in derselben Welt lebten wie die Menschen, und sie mischten sich nach Belieben in das Leben der Menschen ein. Es waren die Götter, die den Menschen Leid und Böses schickten.

In den Stücken des Sophokles führten die Götter den Untergang des Helden aufgrund eines tragischen Fehlers im Charakter des Helden herbei. In der griechischen Tragödie brachte das Leiden Erkenntnisse über weltliche Dinge und über das Individuum. Aristoteles versuchte zu erklären, wie ein Publikum tragische Ereignisse beobachten und dennoch eine angenehme Erfahrung machen kann.

Aristoteles gelangte zu seiner Definition der Tragödie, indem er die Werke der Schriftsteller der griechischen Tragödie, Aischylos, Euripides und Sophokles (dessen Ödipus Rex er für die beste aller griechischen Tragödien hielt) durchsuchte. Diese Erklärung hat seit mehr als zwanzig Jahrhunderten einen tiefgreifenden Einfluss auf diejenigen, die Tragödien schreiben, vor allem Shakespeare.

Aristoteles' Analyse der Tragödie begann mit einer Beschreibung der Wirkung eines solchen Werkes auf das Publikum als “Katharsis” oder Säuberung der Emotionen. Er entschied, dass Katharsis die Reinigung von zwei spezifischen Emotionen war, Mitleid und Angst. Der Held hat aus Unwissenheit einen Fehler gemacht, nicht aus Bosheit oder Korruption. Aristoteles benutzte das Wort “hamartia”, was der “tragische Fehler” oder das in Unwissenheit begangene Vergehen ist.

Ödipus zum Beispiel kennt seine wahre Abstammung nicht, wenn er seine tödliche Tat begeht. Ödipus Rex ist eine der Geschichten in einem dreiteiligen Mythos namens Thebian Cycle. Die Struktur fast aller griechischen Tragödien ähnelt Ödipus Rex. Solche Stücke sind in fünf Teile unterteilt, der Prolog oder die Einleitung, der “Prados” oder der Eingang des Refrains, vier Folgen oder Akte werden durch “stasimons” oder Choroden voneinander getrennt und “exodos” , die Aktion nach dem letzten Stasimon.

Diese Oden sind Lyrik, gesungene oder gesungene Zeilen, während sich der Chor rhythmisch durch das Orchester bewegt. Die Zeilen, die die Bewegung des Refrains in eine Richtung begleiteten, wurden “strophe” genannt, die Rückbewegung wurde von Zeilen mit der Bezeichnung “antistrophe” begleitet. Die Chorode kann mehr als eine Strophe oder Antistrophe enthalten.

Die griechische Tragödie entstand zu Ehren des Weingottes Dionysos, des Schutzgottes der Tragödie. Die Aufführung fand in einem Open-Air-Theater statt. Das Wort Tragödie leitet sich vom Begriff “tragedia” oder “goat-song” ab, benannt nach den Ziegenfellen, die der Chor bei der Aufführung trug. Die Plots stammen aus Legenden des Heroic Age. Die Tragödie ist aus einer Chorlyrik entstanden, wie Aristoteles sagte, die Tragödie basiert weitgehend auf dem Mitleid und der Pracht des Lebens. Auf dramatischen Festivals wurden Theaterstücke aufgeführt, die beiden wichtigsten waren das Fest der Kelter im Januar und die Stadt Dionysien Ende März.

Das Proceeding begann mit der Prozession der Chöre und Schauspieler der drei konkurrierenden Dichter. Ein Herold verkündete dann die Namen der Dichter und die Titel ihrer Stücke.

An diesem Tag wurde wahrscheinlich das Bild des Dionysos in einer Prozession von seinem Tempel neben dem Theater zu einem Punkt in der Nähe der Straße gebracht, die er einst von Norden nach Athen genommen hatte, dann wurde es bei Fackelschein unter einem Karnevalsfeier, zum Theater selbst, wo sein Priester während der Aufführungen den zentralen Ehrenplatz einnahm.

Am ersten Tag des Festivals gab es Wettbewerbe zwischen den Chören, fünf Männern und fünf Jungen. Jeder Chor bestand aus fünfzig Männern oder Knaben. An den nächsten drei Tagen wurde jeden Morgen eine “tragische Tetralogie” (Gruppe bestehend aus vier Stücken, einer Trilogie gefolgt von einem satyrischen Drama) aufgeführt. Dies wird mit der elisabethanischen Gewohnheit verglichen, einer Tragödie mit einer Jig zu folgen. Während der Peloponnesischen Kriege folgte jeden Nachmittag eine Komödie.

Der Vater des Dramas war die Thesis von Athen, 535 v. Chr., die den ersten Schauspieler schuf. Der Schauspieler trat in Intervallen zwischen dem Tanzen des Chores auf und unterhielt sich manchmal mit dem Leiter des Chores. Die Tragödie wurde weiterentwickelt, als neue Mythen Teil der Aufführung wurden, die den Charakter des Chores zu einer der individuellen Geschichte angemessenen Gruppe veränderten.

Ein zweiter Schauspieler wurde von Aischylos und ein dritter Schauspieler von Sophokles hinzugefügt, und die Anzahl des Chores wurde auf fünfzehn festgelegt. Der Refrain-Part wurde nach und nach reduziert und der Dialog der Schauspieler wurde immer wichtiger. Das Wort “chorus” bedeutete “dance oder “dancing Ground”, und so entwickelte sich der Tanz zu einem Drama. Mitglieder des Chores waren Charaktere im Stück, die die Handlung kommentierten.

Sie zogen das Publikum in das Stück hinein und spiegelten die Reaktionen des Publikums wider. Die griechischen Stücke wurden in Freilichttheatern aufgeführt. Auch bei Sonnenlicht wurden nächtliche Szenen aufgeführt. Der Bereich vor den Bühnen wurde “orchestra” genannt, der Bereich, in dem sich der Chor bewegte und tanzte. Es gab keinen Vorhang und das Stück wurde als Ganzes ohne Akt- oder Szenenaufteilung präsentiert.

Auf der Rückseite der Bühne befand sich ein Gebäude, das als Skene bezeichnet wurde und die Vorderseite eines Palastes oder Tempels darstellte. Es enthielt ein zentrales Portal und zwei weitere Bühneneingänge, einen links und einen rechts, die Land und Stadt repräsentierten. Am Altar des Dionysos wurden Opfer dargebracht, und der Chor spielte im Orchester, das den Altar umgab.

Das Theatron, von dem das Wort “theater” abgeleitet ist, ist der Sitz des Publikums, gebaut auf einem ausgehöhlten Hügel. Ehrensitze, vorne und in der Mitte des Theatrons, waren für Beamte und Priester. Die Sitzkapazität des Theaters betrug etwa 17.000.

Das Publikum von etwa 14.000 war lebhaft, laut, emotional und hemmungslos. Sie aßen, applaudierten, jubelten, zischten und traten angewidert auf ihre Holzsitze. Kleine Ausschreitungen brachen aus, wenn das Publikum unzufrieden war. Frauen durften Zuschauer von Tragödien und wahrscheinlich sogar Komödien sein.

Der Eintritt war frei oder nominell, und die Armen wurden vom Staat bezahlt. Die attischen Dramatiker hatten wie die Elisabethaner ein Publikum aller Klassen. Aufgrund der Größe des Publikums müssen die Schauspieler auch physisch entfernt gewesen sein.

Das Gefühl der Abgeschiedenheit mag durch maskierte, statuenhafte Figuren der Schauspieler verstärkt worden sein, deren Schauspiel weitgehend von Stimmgesten und Gruppierung abhing. Da es nur drei Schauspieler gab, mussten dieselben Männer im selben Stück Doppelrollen spielen. Zunächst handelten die Dramatiker selbst wie Shakespeare.

Allmählich wurde die Schauspielerei professionalisiert. Einfache Kulissen begannen mit Sophokles, aber Szenenwechsel waren selten und Bühnenobjekte waren ebenfalls selten, wie ein gelegentlicher Altar, ein Grabmal oder ein Götterbild. Maschinen wurden für Blitz oder Donner verwendet oder um himmlische Personen vom Himmel und zurück zu heben oder um das Innere des Bühnengebäudes zu enthüllen.

Dies wurde “deus ex machina” genannt, was Gott aus der Maschine bedeutet, und war ein technisches Gerät, das einen Metallkran auf dem Dach des Skene-Gebäudes verwendete, das die Umkleidekabinen enthielt, an dem eine Puppe aufgehängt war, um ein Gott. Dieses Gerät wurde zuerst von Euripides verwendet, um einer Tragödie einen wundersamen Abschluss zu geben.

In der späteren romantischen Literatur wurde dieses Mittel nicht mehr verwendet und die Wunder, die es bewirkte, wurden durch das plötzliche Auftauchen eines reichen Onkels, die Entdeckung eines neuen Testaments oder von Säuglingen ersetzt, die bei der Geburt verändert wurden.

Viele Eigentümlichkeiten der griechischen Stücke waren mit Gewalt verbunden. Daher war es eine Regel, dass Gewalttaten außerhalb der Bühne stattfinden mussten. Dies führte auch zum elisabethanischen Theater, das die Schrecken von Männern, die bei lebendigem Leibe geschunden oder Glousters Augen vor den Augen eines Publikums (König Lear) ausgestochen wurden, vermied.

Als Medea das Haus betrat, um ihre Kinder zu ermorden, blieb der Chor draußen und sang vor Angst, um die Gefühle darzustellen, die der Chor hatte und aufgrund ihrer metaphysischen Existenz nicht handeln konnte. Der Einsatz von Musik im Theater begann ganz einfach mit einem einzigen Flötenspieler, der den Chor begleitete. Gegen Ende des Jahrhunderts entwickelte Euripides den komplizierteren Sologesang.

Dann könnte es spektakuläre Großveranstaltungen mit Bühnenmassen und Streitwagen geben, insbesondere in Stücken von Aischylos. Die griechische Komödie wurde aus zwei verschiedenen Quellen abgeleitet, wobei die bekanntere das chorische Element war, das Zeremonien zur Stimulierung der Fruchtbarkeit beim Dionysos-Fest oder in der rabiaten betrunkenen Feier zu seinen Ehren beinhaltete.

Der Begriff Komödie stammt eigentlich von “komos”, was das Lied der Feierlichkeiten bedeutet. Die zweite Quelle der griechischen Komödie war die von den sizilianischen “mimes”, die sehr unhöfliche Aufführungen hinlegten, bei denen sie den Zuschauern satirische Anspielungen machten, während sie ihre Aufführungen ad-librisierten. Am Anfang war Comedy offen, unanständig und sexuell.

Die Handlungsstränge waren locker und nachlässig strukturiert und beinhalteten breite Farce und Possenreißer. Die Darsteller waren grob und obszön, während sie Satire verwendeten, um wichtige zeitgenössische moralische, soziale und politische Themen des athenischen Lebens darzustellen. Die Komödie enthielt eine breite Satire auf bekannte Persönlichkeiten dieser Zeit. Während der gesamten komödiantischen Periode in Griechenland gab es im Verlauf des Genres drei verschiedene Epochen von Komödien.

Alte Komödie, die von ungefähr 450 bis 400 v. Chr. dauerte, wurde nach den Tragödien bei den Festen des Dionysos aufgeführt. Es würde Wettbewerbe zwischen drei Dichtern geben, von denen jeder eine Komödie vorstellte. Jede Comedy-Truppe bestand aus einem oder zwei Schauspielern und einem Chor von vierundzwanzig. Die Schauspieler trugen Masken und “soccus” oder Sandalen, und der Chor trug oft fantastische Kostüme.

Komödien wurden in fünf Teilen aufgebaut, dem Prolog, in dem die Hauptfigur die “fröhliche Idee” konzipierte, den Parodos oder den Auftritt des Chores, das Agon, eine dramatisierte Debatte zwischen dem Befürworter und Gegner der “frohen Idee” wo die Opposition immer besiegt wurde, die Parabasis, das Hervortreten des Chores, wo sie sich direkt an das Publikum wandten und die Ansichten des Dichters zu fast jeder Angelegenheit ausstrahlten, die der Dichter zum Ausdruck bringen wollte, und die Episoden, in denen die “fröhliche Idee& #8221 wurde in die Praxis umgesetzt.

Aristoteles kritisierte die Komödie stark und sagte, dass es sich nur um eine lächerliche Nachahmung niederer Typen von Männern mit eminenten Fehlern handelte, die zum Vergnügen des Publikums betont wurden, wie eine Maske, die getragen wurde, um Missbildungen zu zeigen, oder dass der Mann so etwas wie Ausrutschen und Hinfallen tat eine Bananenschale. Aristophanes, ein komischer Dichter der alten Komödie, schrieb Komödien, die die alte Komödie repräsentierten, da sein Stil von anderen Dichtern weithin kopiert wurde. In seinen berühmtesten Werken verwendete er dramatische Satire auf einige der berühmtesten Philosophen und Dichter dieser Zeit.

In “Die Frösche” verspottete er Euripides und in “The Clouds” verspottete er Sokrates. Seine Werke folgten allen Grundprinzipien der alten Komödie, aber er fügte seinen Texten eine Facette von Klugheit und Gefühlstiefe hinzu, um sowohl die Emotionen als auch den Intellekt des Publikums anzusprechen. Die mittlere Komödie, die von 400 bis 336 v. Chr. dominierte, war sehr übergangsweise und hatte Aspekte sowohl der alten als auch der neuen Komödie. Es war ängstlicher als die alte Komödie und hatte viel weniger sexuelle Gesten und Anspielungen.

Es ging weniger um Menschen und Politik, sondern um Mythen und Tragödien. Der Refrain trat in den Hintergrund und wurde mehr zu einem Zwischenspiel als zu der wichtigen Komponente, die es früher war. Aristophanes schrieb einige Werke in der mittleren Komödie, aber die berühmtesten Schriftsteller der Zeit waren Antiphanes von Athen und Alexis von Thurii, deren Kompositionen größtenteils verloren gegangen sind und nur sehr wenige ihrer gefundenen Werke vollständig erhaltene Stücke sind.

In der neuen Komödie, die zwischen 336 und 250 v. Eine eng verbundene Handlung in der neuen Komödie basierte auf Intrigen, Identitäten, Beziehungen oder einer Kombination davon. Oft wurde auch ein Nebenplot verwendet.

Die Charaktere in der neuen Komödie sind in jedem Werk sehr ähnlich, möglicherweise einschließlich eines Vaters, der sehr geizig ist, eines Sohnes, der misshandelt wird, aber es verdient, und anderer Menschen mit stereotypen Persönlichkeiten. Der Hauptautor der neuen Komödie war Menander, und wie bei den prominenten Schriftstellern der mittleren Komödienzeit sind die meisten seiner Werke verloren gegangen, aber andere Dramatiker dieser Zeit, wie Terenz und Platus, hatten seine Methoden nachgeahmt und angepasst.

Menanders The Curmudgeon ist das einzige vollständig erhaltene Stück, das ihm bis heute bekannt ist, und es diente den späteren lateinischen Schriftstellern als Grundlage für die Adaption. Abenteuer, Brillanz, Erfindungsreichtum, Romantik und szenische Wirkung, zusammen mit entzückenden Texten und Weisheit, waren die Gaben des griechischen Theaters. Diese Konventionen beeinflussten nachfolgende Stücke und Dramatiker stark und hatten im Laufe der Jahrhunderte Einfluss auf das Theater.


Antikes Griechenland, Teil 7 – Griechisches Drama

Wenn es eine Sache gibt, von der wir wissen, dass sie zum ersten Mal in der Stadt Athen erfunden wurde, dann ist es die Kunst der dramatischen Darbietung.

Das antike Athener Theater war wahrscheinlich so zentral für die athenische Gesellschaft wie Hollywood für die moderne westliche Gesellschaft, und vielleicht sogar noch mehr (wenn man bedenkt, dass es zu dieser Zeit nur wenige andere Unterhaltungsformen gab – damals gab es keine PC-Spiele und kein Internet).

Die alten Athener hatten sogar Träume vom Theater.

In einer Geschichte, die uns vom Historiker Diodorus Siculus überliefert wurde, wird uns erzählt, dass der demokratische Held Thrasybulus vor der Schlacht von Arginoussae davon geträumt hat, dass er und seine anderen athenischen Admirale in der Rolle des berühmten „Sieben gegen Theben“ agierten “ in einer Inszenierung eines der Stücke von Euripides. (Die Sieben waren eine Gruppe von sieben Helden, die in der griechischen Mythologie einen Angriff auf die Stadt Theben anführten). Im selben Traum sah er die gegnerischen spartanischen Kommandeure in einem anderen Stück von Euripides, das den Titel "Die Suppliant Women" trug. Basierend auf diesem Traum soll Thrasybulus zu dem Schluss gekommen sein, dass seine Truppen die bevorstehende Schlacht gewinnen würden.

Traditionell wurde die Erfindung des griechischen Dramas einem Mann namens Thespis zugeschrieben. (Von seinem Namen leitet sich das moderne englische Wort „thespian“ ab, das einen Schauspieler bedeutet)

Thespis soll irgendwann im späten 6. Jahrhundert v. Chr. gelebt haben. Plutarch hat eine Geschichte überliefert, dass Thespis, als er seinen ersten Auftritt in Athen hatte, der große athenische Staatsmann Solon (siehe die Ursprünge der athenischen Demokratie oben) auf ihn zuging und ihn fragte, ob er sich nicht schäme, so viele Lügen in der Öffentlichkeit zu erzählen. Thespis antwortete kühn, indem er sagte, dass es nicht schaden würde, so zu sprechen oder zu handeln, wie er es tat, solange es nur vorgetäuscht war. Es wird gesagt, dass der große Solon von dieser Antwort nicht sonderlich beeindruckt war!!

Die ursprüngliche Bedeutung des Wortes „Tragödie“ ist ungewiss.

Eine Theorie besagt, dass es von einem griechischen Satz stammt, der „Gesang der Ziegen“ bedeutet, und dass dies geschah, weil die ersten dramatischen Aufführungen tatsächlich Satyrstücke waren. (Satyrn waren mythologische Kreaturen, die halb Mensch und halb Ziege waren – und sie waren ausnahmslos männlich, es scheint keine weiblichen Satyrn gegeben zu haben).

Das Fest des Dionysos

Dramatische Aufführungen im klassischen Athen unterschieden sich stark von dem, was wir heute sehen.

Zum einen war das Theater eine beliebte und keine elitäre Form der Unterhaltung.

In unserer modernen Gesellschaft besucht nur eine Minderheit der Bevölkerung regelmäßig Theateraufführungen. Tatsächlich ist es sehr schwierig, überhaupt Zugang zu qualitativ hochwertigen Theateraufführungen zu haben, es sei denn, man lebt in einer Großstadt wie London oder New York. Viele Leute besuchen nicht einmal große Theateraufführungen.

Im klassischen Athen war das Bild etwas anders. Dramatische Aufführungen fanden nicht regelmäßig statt und wenn sie stattfanden, dann meist an einem Festivaltag. Die meisten Leute würden ihr Bestes geben, um daran teilzunehmen, da sie an einem solchen Tag wahrscheinlich nicht arbeiten müssten.

Das wichtigste der Theaterfestivals war das Dionysosfest.

Dionysos, der Gott des Weines und der Ekstase, war eng mit dem Theater verbunden. Tatsächlich wurde er sogar in Form einer Maske verehrt!! Das Haupttheater in Athen wurde auch das Theater des Dionysos genannt.

Das Festival selbst war eigentlich ein religiöses Ereignis, das Dionysos gewidmet war. In der Regel lief es über ein paar Tage.

An jedem Tag sah das Publikum drei Tragödien, ein Satyrspiel und eine Komödie, ein ziemlich dichter Zeitplan für selbst den enthusiastischsten Theaterbesucher! (Griechische Stücke waren jedoch viel kürzer als unsere modernen oder sogar Shakespeare-Stücke)

Diese dramatischen Festivals waren hart umkämpfte Ereignisse. Die verschiedenen Dramatiker traten alle gegeneinander an, um den ersten Preis zu gewinnen.

Der Wettbewerb war ein wesentlicher Bestandteil der griechischen Kultur. Die griechische Gesellschaft wurde als eine beschrieben, in der die „Nullsummen“-Wettbewerbsfähigkeit eine wichtige Rolle spielte. Dies entsprach in etwa dem, was wir mit dem Satz „Winner Takes All“ meinen.

Das klassische griechische Wort für einen Wettbewerb war „agon“, woraus unser englisches Wort „agony“ stammt!

Normalerweise gab es einen ersten Preis für Tragödie und einen weiteren für Komödie.

Griechische Mythologie und griechisches Drama

Die wichtigsten Quellen für die Handlung vieler griechischer Stücke waren die eigentlichen griechischen Mythen selbst. Dies galt vor allem für die Tragödien.

Dies ist nicht sehr überraschend, da sie schließlich Teil eines religiösen Ereignisses waren. Merkwürdig ist jedoch die Tatsache, dass die Götter in diesen Stücken nicht immer sehr günstig dargestellt wurden. In dem berühmten Theaterstück „Prometheus Bound“, das traditionell von Aischylos geschrieben wurde, wird Zeus selbst als ziemlich unvernünftiger Tyrann dargestellt.

(Vergleichen Sie dies mit der christlichen Tradition der Mysterienspiele, die sich alle mit religiösen Geschichten beschäftigen – es ist unvorstellbar, dass in diesen Stücken Gott oder Christus in einem anderen als einem positiven Licht dargestellt worden sein könnten).

Viele der Handlungen wurden auch Geschichten über die Ereignisse und Personen entnommen, die in den beiden großen homerischen Epen, der Ilias und der Odyssee, erwähnt wurden.

Ein weiterer Unterschied zwischen der griechischen dramatischen Tradition und unseren eigenen Vorstellungen besteht darin, dass sich die Geschichten ständig änderten. Es scheint für einen Dramatiker kein Problem gewesen zu sein, eine gute mythologische Geschichte zu nehmen und sie dann nach seinen eigenen Launen und Vorstellungen neu zu erfinden.

Jeder der drei großen griechischen Tragiker nahm die Geschichte des Orestes auf und produzierte darüber Theaterstücke. Diese Versionen sind alle sehr unterschiedlich, und man kann sich fast vorstellen, dass jede jedes Mal eine völlig andere Geschichte ist.

Griechische Tragödie

Wir haben nur Stücke von drei griechischen Tragikern aus der klassischen Zeit: Aischylos, Sophokles und Euripides.

Aischylos war der früheste der drei. Zu seiner Zeit standen nur zwei Schauspieler gleichzeitig auf der Bühne (neben dem allgegenwärtigen Chor natürlich).

Das früheste seiner Stücke, von dem wir überliefert sind, ist „Die Perser“, das 472 v. Chr. Inszeniert wurde.

Das bekannteste äschylische Werk ist wohl „Prometheus Bound“, aber es bestehen Zweifel, ob es tatsächlich Aischylos war.

Sophokles wurde einige Zeit später bekannt. Als er beim Dionysosfest seine erste Tragödie inszenierte, soll ihm der erste Preis verliehen worden sein. Der große Aischylos soll ein wenig unzufrieden gewesen sein, von ihm geschlagen worden zu sein!

Von allen griechischen Stücken, die wir bei uns haben, ist es eines von Sophokles-Stücken, „Oedipus Rex“, über das die meisten Leute etwas wissen.

Die Handlung von „Oedipus Rex“ selbst soll der Hauptgrund für seine Popularität gewesen sein, geht es doch um einen Mann, der seinen eigenen Vater tötet und seine Mutter heiratet.

Es ist jedoch nicht zu leugnen, dass die schiere dramatische Qualität des Stücks selbst fesselnd ist.

Ein weiteres in unserer Zeit sehr gut aufgenommenes Stück von Sophokles ist „Antigone“, ein Stück über eine Frau, die das Gesetz bricht, um die richtigen Bestattungsriten für ihren toten Bruder durchzuführen.

Euripides war der umstrittenste der drei großen Tragiker.

Wir haben ein Fragment einer Rede aus einem seiner Theaterstücke, dem „Bellerophon“, in dem der Sprecher die Existenz der Götter in Frage stellt.

Tatsächlich war Euripides eng mit den Sophisten verbunden, und viele seiner Stücke enthalten Szenen, in denen zwei Charaktere Argumente in bester rhetorischer Weise gegenüberstellen.

Euripides wurde tatsächlich gegen Ende des fünften Jahrhunderts wegen Gotteslosigkeit angeklagt, aber er wurde für unschuldig befunden und nicht bestraft.

In seinen letzten Tagen verließ Euripides Athen und lebte am Hof ​​des Königs von Mazedonien. Dort produzierte er sein wohl bekanntestes Stück „Die Bacchen“.

Attische Komödie

Die Tragödie wurde immer als die „ältere“ der beiden Hauptformen des griechischen Dramas angesehen.

Während des Dionysos-Festes wurde normalerweise am Ende jedes Tages eine Komödie aufgeführt. Das bedeutete, dass das Publikum bereits drei Tragödien und ein Satyrspiel gesehen hatte, bevor die Komödie überhaupt begann.

Im Gegensatz zur Tragödie war der Inhalt der Komödien meist zeitgenössisch. Es wurden nur wenige mythische Elemente eingeführt.

Komödien wurden oft als Plattform verwendet, um Politiker anzugreifen und zu verspotten. Sogar der große Perikles wurde von den komischen Dichtern auf der Bühne angegriffen.

Der wichtigste komische Dichter, den wir kennen, ist Aristophanes.

Aristophanes selbst stammte aus einer wohlhabenden Familie. Er hatte kein großes Verständnis für das demokratische System.

Er führte viele bösartige Witze gegen den Politiker Cleon, der der Führer der „Volkspartei“ (d. h. der demokratischen) Partei in der Athener „Ekklesia“ war. Da die einzige andere Quelle, die wir über Cleon haben, Thukydides ist, der auch in vielerlei Hinsicht der Demokratie feindlich gesinnt war, ist das Bild von Cleon, das uns aus den alten Quellen überliefert wurde, ein sehr negatives.

Dieses Bild ist nicht unbedingt zutreffend, da Sie sich bereits selbst erarbeiten würden, wenn Sie den Kurs sorgfältig durchgearbeitet haben.

Ein weiteres bekanntes Werk von Aristophanes ist eines namens "The Clouds", in dem sich Aristophanes über Sokrates lustig macht. Das Bild, das Aristophanes von Sokrates präsentierte, mag eine große Rolle bei den Vorurteilen gegen Sokrates gespielt haben, die zu seinem Prozess und seiner Verurteilung führten.


Die Einstellung

Viele dieser Stücke wurden auf Weinfesten aufgeführt und waren ein Wettbewerb zwischen drei Dramatikern. Die Wörter „Protagonist“ und „Antagonist“ waren eigentlich Wörter, um Autoren an erster und zweiter Stelle zu beschreiben, nicht Charaktere, sondern bedeutet jetzt die Hauptfigur – den Hauptdarsteller – und ihren Erzfeind.

Da viele der Theater Sehenswürdigkeiten sind und noch erhalten sind, können wir vermuten, dass die allgemeine Struktur ein Halbkreis ist. Das Theatron („sehender Ort“), der Sitzbereich hatte entweder Tribünen oder Steintreppen, es gab auch ein Orchester, einen flachen Bereich, in dem der Chor musizierte, und der Dionysosaltar in der Mitte. Der Bühnenteil könnte ein überdachter Bereich gewesen sein und die Schauspieler traten durch zentrale Türen ein. Später wurde ein Schauplatz oder Ankleideraum hinzugefügt, an dem sich die Schauspieler vorbereiteten (normalerweise durch das Tragen von Masken aus Leinen mit befestigten Haaren). Ein Rollwagen könnte die Tableaus gebracht haben – hier schaffen die Teilnehmer die Szene, indem sie mit ihren Körpern Standbilder machen. (Siehe: Referenz unten.) Der Chor und der integrale Teil des Stücks können auf beiden Seiten auf einem Gang eingetreten sein.

Die Geschichte sagt uns, dass Theater manchmal sehr speziell war. In Aischylos’ Inszenierungen verwendete er Geister als Charaktere. Sind Kinder ohnmächtig geworden und Frauen eine Fehlgeburt beim Anblick der Furien (Göttinnen der Rache und Vergeltung)? Zweifelhaft, aber es zeigt das dramatische.

Es gab gemalte Szenen, einige verdanken das Sophokles, und es könnte Bühnenrequisiten und Ausrüstung für Donner- und Lichteffekte geben und sogar einen Kran, der einen Charaktergottflug namens "Der Gott in der Maschine" oder Deus ex machina ermöglichte.


Antike griechische Tragödie: Geschichte, Dramatiker und Aufführungen - Geschichte

Geschichte des Theaters
Online Kurs
SPD 231

Letzte Änderung dieser Seite: 12. Dezember 2006

Ein altes griechisches T-Heatre

Ziele für diese Lektion:

Alles, was wir über das antike griechische Theater und über die Ursprünge des Theaters zu wissen glauben, stammt aus folgenden Quellen:

Aus dem 4. Jahrhundert v. Chr. gibt es einige lange erhaltene Fragmente von einigen der über 100 Stücke von:

Diese Zeit wurde die Zeit der Neuen Komödie genannt (Aristophanes war Alte Komödie)

Informationsquellen für Theaterursprünge und griechisches Theater:

Daher sind die Schlussfolgerungen, die wir ziehen, höchst mutmaßlich, aber wir können die akzeptierten Standardansichten des griechischen Theaters diskutieren.

8. Jahrhundert v. Chr. -- das erste Drama in der aufgezeichneten Geschichte.

Bis zum 5. Jahrhundert v. Das "polis" oder Stadtstaat war die regierende Einheit.

Athen war die stärkste Polis für Kunst und Literatur - die erste Demokratie - alle konnten teilnehmen (Bürger - keine Frauen, Sklaven oder Ausländer)

Perikles (ca. 460-430 v

ließen Tempel und öffentliche Gebäude bauen, darunter das Theater des Dionysos (Dionysos) und den Parthenon

Athen wurde im Peloponnesischen Krieg 404 v. Chr. besiegt.

Die griechische Gesellschaft betrachtete Götter in menschlichen Begriffen - Götter hegten Groll usw., kämpften miteinander - daher war ihr Schicksal (und das der Menschen) ungewiss

Eine starke Sorge um die Menschlichkeit – aus dieser Zeit stammen die Begründer der Philosophie

Der Mensch wurde vom Tier erhoben, aber die Harmonie hing von einer Verbindung menschlicher und göttlicher Kräfte ab. Bei Disharmonie war der Frieden gefährdet.

Das Drama konzentrierte sich daher auf menschliche Kämpfe, jedoch mit einem "übernatürlichen" Element.

F unsere Q ualitäten des griechischen Dramas:

1. Aufgeführt zu besonderen Anlässen (Festivals)

Athen hatte vier Feste zu verehren Dionysos -- (Bacchus in

lateinisch, römisch) Gott des Weines, der Fruchtbarkeit, der Wiedergeburt

Der Sohn von Zeus [ein Gott] und Semele [ein Sterblicher], von Satyrn aufgezogen, getötet, zerstückelt und auferstanden (wurde tatsächlich wiedergeboren) --

Schauspieler und Dramatiker traten gegeneinander anÖdipus anscheinend nicht gewonnen

3. Chor – Gesang scheint ein wichtiger Teil gewesen zu sein

ein Männerchor (variiert in der Größe von 3 bis 50) -- viele denken an den Chorgesang -- Dithyrambe-- war die Anfänge des griechischen Dramas (aber die Ursprünge sind unklar)

4. Eng mit Religion verbunden - Geschichten, die auf Mythen oder Geschichte basieren

Manche glauben, der Chor habe gesungen, bewegt, getanzt

Die meisten glauben, dass der Chor die Ideen des Stücks unterstrich, Standpunkte lieferte und sich auf Fragen des Stücks und der Implikationen der Handlung konzentrierte, das ethische System des Stücks etablierte und an der Handlung teilnahm

Struktur der griechischen Tragödie:

  1. Verspäteter Angriffspunkt
  2. Gewalt und Tod hinter der Bühne (Sophokles Ajax ist eine Ausnahme)
  3. Häufige Verwendung von Messengern, um Informationen zu vermitteln
  4. Normalerweise kontinuierliche Aktionszeit (außer Aischylos' Eumeniden)
  5. Normalerweise Einzelplatz (außer Ajax)
  6. Geschichten, die auf Mythen oder Geschichte basieren, aber unterschiedliche Interpretationen von Ereignissen
  7. Der Fokus liegt eher auf psychologischen und ethischen Eigenschaften von Charakteren als auf physischen und soziologischen.

"Die Künstler des Dionysos" scheinen im 3. Jahrhundert v. Chr. eine Art Schauspielervereinigung gewesen zu sein.


Die drei griechischen Tragödien:

1. Aischylos - Dies sind die ältesten erhaltenen Stücke - begannen 449 v. im Dionysos-Theater. Die meisten seiner Stücke waren Teil von Trilogien, die einzige erhaltene griechische Trilogie ist Die Orestia.

Er soll den zweiten Schauspieler eingeführt haben (Thespis war einer, der zweite nach 468 v. Chr. hinzugefügt. Es wird angenommen, dass Sophokles den dritten Schauspieler eingeführt hat, den Aischylos dann verwendete.

Merkmale der Stücke von Aischylos:

2. Sophokles: (496-406 v. Chr.) gewann 24 Wettbewerbe, nie niedriger als der zweite, der vermutlich eingeführt wurde, der dritte Schauspieler fixierte den Refrain auf 15 (war 50 gewesen)

Merkmale der Stücke von Sophokles:


3. Euripides (480-406 v. Chr.) in der späteren griechischen Zeit sehr beliebt, während seines Lebens wenig geschätzt, manchmal als "Vater des Melodrams" bekannt

Merkmale der Stücke von Euripides:

Die Tragödie wurde zugunsten einer melodramatischen Behandlung aufgegeben.

Thema betont: Manchmal regiert der Zufall die Welt, die Menschen sind mehr mit Moral beschäftigt als Götter.

T er S atyr P lag

Das Satyrspiel unbekannter Herkunft musste von Tragikern gemeistert werden

Der Zyklopen - Euripides - von Die Odyssee - wo Odyssus auf den Zyklopen und eine gefangene Satyrengruppe trifft

Die Tracker - Sophokles - vieles ist überliefert - über Apollos Versuch, eine von Hermes, dem Gott der Diebe, gestohlene Rinderherde zu finden.

Aufbau der Komödie:

Prolog - Refrain gibt Debatte oder "agon" über Verdienste der Iden

parabasis - eine an das Publikum gerichtete Chorode, in der ein soziales oder politisches Problem thematisiert wird

Dramatiker, die sich auf die beworben haben archon (religiöser Führer) für einen Chor.

Kostenübernahme durch a choregai, wohlhabender Bürger, der vom Archon als Teil seiner bürgerlichen / religiösen Pflicht ausgewählt wurde

Choregus für Ausbildung, Kostümierung usw. bezahlt Choregus bezieht sich auch auf den Chorleiter.

Der Staat, der für Theaterbauten, Preise, Zahlungen an Schauspieler (und vielleicht an Dramatiker) verantwortlich ist. Die Preise wurden gemeinsam an Dramatiker und Choregus verliehen.

Die Dramatiker haben wahrscheinlich selbst die tragischen Stücke "inszeniert", aber wahrscheinlich nicht die Komödien.

Aischylos und andere spielten zu seiner Zeit, trainierten Chor, schrieben Musik, choreografierten usw.

Dramatiker genannt didaskalas (Lehrer) -- [didaktisch = Lehre].

Dramatiker handelten ursprünglich, aber 449 v. bei den Wettbewerben für tragische Schauspieler nicht.

Schauspieler waren bestenfalls halbprofessionell.

Drei-Akteur-Regel (dass nur drei Schauspieler in Produktionen waren) - scheint durch Beweise gestützt, aber von einigen in Frage gestellt.

Ödipus bei Colonus - konnte nur drei Schauspieler haben, aber nur, wenn ein anderer Schauspieler den gleichen Charakter in verschiedenen Szenen spielte.

Dramatiker, die bis 449 v.

Die Schauspieler wurden vom Staat bezahlt.

Nur die Hauptdarsteller waren für den Wettbewerb zugelassen.

Ein stimmliches Handeln – deklamatorisch – um einen angemessenen emotionalen Ton, eine Stimmung und einen angemessenen Charakter zu projizieren.

Drei Arten der Darbietung: Sprache, Rezitativ und Gesang.

Keine Bedeutung für das Gesicht - Masken verwendet.

Gestik und Bewegung wurden erweitert und vereinfacht.

Schauspieler spielten normalerweise mehr als eine Rolle

Stilisiert - gebrauchte Masken, Chordeklamation usw.

Die Tragödie neigte zur Idealisierung der Komödie zur Burleske.

Andere Elemente, die griechische Produktionen des 5. Jahrhunderts beeinflussen:

dominant in frühen Tragödien (so konnten die Hauptakteure die Rollen wechseln?)

von Euripides, Refrain nur lose mit der Handlung verbunden

traditionelle Ansicht : von 50 bis 12 bis 15.

Im Allgemeinen wird angenommen, dass er zur Zeit von Sophokles und Euripides 15 Jahre alt war.

Eintritt mit stattlichem Marsch, manchmal singend oder in kleinen Gruppen.

Chorpassagen gesungen und getanzt im Unisono, manchmal in zwei Gruppen aufgeteilt.

Manchmal tauschte Dialoge mit den Hauptfiguren aus, selten Einzelgespräche (obwohl manche sagen, die Choregus allein gesprochen / gesungen haben).

Die Art der Gruppierung ist unbekannt.

Chor für "Alte Komödie" (Menanders Stücke gelten als griechische "Neue Komödie"):

24 Personen, manchmal zweigeteilt

Könnte beide Geschlechter haben (Lysistrata).

Vielfältigere Eingänge, Gruppierungen usw.

Sowohl in der Komödie als auch in der Tragödie trat der Chor wahrscheinlich nach dem Prolog ein und blieb dann.

Funktionen des Chors

1. ein Agent: gibt Ratschläge, fragt, nimmt teil

2. legt ethischen Rahmen fest, legt Standards fest, nach denen Handlungen beurteilt werden

3. idealer Zuschauer - reagiert so, wie es der Dramatiker erhofft hat

4. schafft Stimmung und verstärkt dramatische Effekte

5. fügt Bewegung, Spektakel, Gesang und Tanz hinzu

6. rhythmische Funktion - pausiert / beschleunigt die Aktion, damit das Publikum nachdenken kann.

Der Chor bestand meist aus Amateuren - 11 Monate Ausbildung - der teuerste Teil der Produktion.

Musik - die meisten glauben, dass Musik ein integraler Bestandteil ist – die meisten Dialoge waren es Rezitativ (Würgen-ee-tah-teev')


Schau das Video: Antigone, Anfänge des antiken Theaters, Sophokles (Juni 2022).


Bemerkungen:

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